Война из пластилина: Война из пластилина. Лепим детскую аппликацию.

Офицер белой армии поэт Николай Туроверов

На территории комплекса «Кремль в Измайлово» находится небольшой музей миниатюр «Всемирная история в пластилине». Отдельная его экспозиция посвящена Гражданской войне и лидерам Белого движения

Набор пластилина «Детский» из 12 цветов стоил в советские времена 50 копеек. Помните? Самодеятельные скульпторы брали пластилин коробками – и, занимая все свободное пространство жилища, на листах фанеры вырастали горы, замки с древними рыцарями, «война и немцы», страны, эпохи. Правда, постепенно эти волшебные конструкции теряли свой вид, от теплого воздуха пластилиновые герои начинали подозрительно блестеть, клониться на бок, некрасиво проседать и обрастать шерстью домашних животных. Пластилин – штука недолговечная. Но некоторым увлеченным людям удается «остановить мгновенье» и сохранить легкоуязвимые фигурки на десятилетия.

Лепка из пластилина объединила несколько поколений семьи Олюниных. А для основателя музея миниатюр Сергея Олюнина хобби превратилось в главное дело жизни. Он создает пластилиновые фигурки героев русской истории – не только с душой, но и с незаурядным умением. Трагическое и притягательное прошлое оживает неподалеку от Измайловского парка.

Весь мир на книжной полке

Сергея Олюнина ваять фигурки из пластилина, устанавливая их на прочный каркас, научил отец – настоящий подвижник лепки. Этот семейный музей опровергает представления о недолговечности пластилиновых скульптур. Самому почтенному экспонату, композиции «Шахрияр и Шахразада», скоро исполнится 60 лет.

Все началось с увлечения и большой дружбы. Книжные полки в московских квартирах двух друзей – Ростислава Олюнина и Андрея Миллера – исправно заполнялись пластилиновыми фараонами, королями и военачальниками. У обоих работа не была напрямую связана с изобразительным искусством: один – редактор на телевидении и кандидат филологических наук, другой и вовсе инженер-химик. Но они интересовались историей, проглатывали все книги о прошлом человечества – и беллетристику, и научно-популярные издания, подчас редкие. Главное, что их объединяло, – художественная лепка.

Генерал-лейтенант барон Петр Врангель, адмирал Александр Колчак, генерал-майор Николай Тимановский

В конце концов Олюнин и Миллер решили воссоздать всемирную историю в лицах – от первобытных времен до ХХ века. Это, безусловно, была задача на десятилетия. Пластилиновая армия росла медленно, но верно: тут и вожди племен, и византийские императоры, и древнегерманские вожди, и античные воины, и средневековые рыцари. В магазинах таких сувениров не сыщешь! Соавторы вдохновляли друг друга. Творили азартно. Частенько, увидев новую работу приятеля, второй тут же лепил ей пару. Один – воина из племени готов, другой – крестителя древних готов, епископа Ульфилу. Один – кровавого герцога Альбу, другой – его заклятого врага, принца Вильгельма Оранского.

Участник Белого движения поэт Иван Савин, один из основателей Добровольческой армии генерал Иван Эрдели, участник
Белого движения профессор математики Владимир Даватц, командир дивизии Чехословацкого корпуса полковник Йозеф Швец

Ростислав Олюнин был преданным почитателем Жюля Верна, великого фантазера, который все невероятные приключения своих героев придумал не выходя из дома. Так среди фигурок появились и литературные персонажи. И не только герои приключенческих романов, но и, например, сестры Булавины из «Хождения по мукам» Алексея Толстого. Пластилиновый мир создавался много лет – в 1960–1970-е. А последней работой Ростислава Олюнина стала скульптура из пластилина папы римского Григория XIII. Когда погиб его друг, Андрей Миллер, он больше не сделал ни одной фигурки. Не для кого стало лепить и обсуждать все это стало не с кем…

Есть невидимая грань, отделяющая хобби от чего-то большего. Олюнин и Миллер, без сомнения, перешли этот рубеж. Им удалось разработать собственную технику лепки, а кропотливое изучение изображений замечательных людей разных эпох помогло им добиваться поразительного сходства. Завсегдатаи библиотек, они копировали образцы костюмов исторических деятелей. И рыцари, и сановники у них получались как живые.

Обер-прокурор Святейшего синода Константин Победоносцев, генерал- лейтенант Яков Слащёв со своим ординарцем Ниной Нечволодовой, министр иностранных дел Российской империи Александр Горчаков

На книжных полках перемешались времена и народы: царь Ассирии Ашшурбанапал, правивший в VII веке до н. э., соседствовал с королем Хлодвигом из династии Меровингов, объединявшим разрозненные племена франков на рубеже V–VI столетий, а первый российский император Петр Великий – с последним царем Древнего Рима Тарквинием Гордым. Впечатляющая подобралась компания: она могла бы стать ярким пособием для школьных уроков истории. Но, как известно, пластилиновые фигуры существуют только в единственном экземпляре, тиражировать их поточным методом невозможно. В этом их уникальность. Соавторы не стремились на страницы журналов, не заботились о «пиаре» (в те времена и слова-то такого не было). Лепке из пластилина они посвящали не часы, а дни – целиком, к тому же без выходных и отпусков. А значит, это уже не потеха, но дело, настоящее призвание.

Трагедия русской смуты

Сергей Олюнин не стал художником, работал в «Литературной газете» на технической должности и почти не вспоминал о «пластилиновом» детстве.

«Возвращение к истокам» началось, когда Сергей, как и многие в нашей стране в 1990-е, обратился к книгам Александра Солженицына. Его поразила судьба адмирала Александра Колчака. Яркая личность, противоречивая фигура. Исследователь Арктики, военный моряк, в годы Гражданской войны он мог стать шансом для России, но проиграл и был казнен. Захотелось оживить, материализовать трагически погибшего «правителя Омского». Тут-то и вспомнилось фамильное увлечение, и вскоре на свет явился пластилиновый Колчак – с ярко переданным характером, с подробными деталями костюма, вплоть до складок. Чем-то он напоминал фигурки Олюнина-старшего, но было в нем и что-то новое. Темперамент мастера Сергея Олюнина, его взгляд на личность в истории. Душа требовала продолжения.

Старая Москва. «Кот из дома, мыши в пляс», старая Москва. Татьянин день в «Яре». Gaudeamus igitur, старая Москва. Шарманщик. «Трансвааль, Трансвааль, страна моя…»

Вслед за Колчаком рождались другие пластилиновые скульптуры. Сергей решил оживить в миниатюре трагический пласт русской истории – эпопею Гражданской войны. И начал с белых. По его замыслу, известные вожди Белого движения – Лавр Корнилов, Антон Деникин, Петр Врангель, Алексей Каледин, Яков Слащёв – должны были соседствовать с полузабытыми героями. Так появились скульптуры сестры милосердия Марии Берг, поэта Ивана Савина, полковника Йозефа Швеца, преподававшего гимнастику в родной Чехословакии и затянутого в водоворот Гражданской войны, профессора математики Владимира Даватца…

Не всегда удавалось сразу поймать характер: например, мастер долго трудился над созданием образа генерала Александра Кутепова. Только шестой вариант этой фигурки показался достигшим цели. Со временем замысел Сергея Олюнина приобретал все больший масштаб: восстановить историю Белого движения во всех подробностях – через личности.

Нет ничего безрадостнее Гражданской войны, и мастер не идеализирует своих героев. Но не принимает беспамятства.

Фараон Египта Аменхотеп IV (Эхнатон). Автор Ростислав Олюнин, Папа римский Григорий XIII. Автор Ростислав Олюнин

Погружаясь в историю Белого движения, копаясь в книгах и документах, он неожиданно наткнулся на собственную фамилию. Олюнин Николай Алексеевич, капитан 1-го ранга. Прадед! А в семье никогда не говорили о нем, будто и не было его вовсе… Николай Олюнин командовал бронепоездом «Адмирал Колчак», действовавшим на железной дороге Москва – Архангельск. 19 февраля 1920 года бронепоезд был захвачен красными на станции Холмогорская. Почти все офицеры погибли. Прадеду и нескольким его товарищам удалось вырваться, они перешли финскую границу. Николай Олюнин жил в Хельсинки.

После революционных потрясений свою семью – жену и сына – он увидел лишь однажды, когда супруга приехала к нему оформить развод. Она вышла замуж за командира Красной армии. Про белого офицера в семье никогда не вспоминали: много лет он оставался фигурой умолчания. Так бывает: увлечение помогло прикоснуться к семейной тайне. Сергей воспринял это открытие как знак: значит, нужно продолжать это путешествие во времени.

Создатель музея миниатюр «Всемирная история в пластилине» Сергей Олюнин

Постепенно сложилась целая экспозиция – «Трагедия русской смуты. 1917–1922». 55 персонажей, у каждого – «лица необщее выраженье». Объединяет их, пожалуй, одно – печать трагических испытаний, выпавших на долю многих в то время.

Но не только история Белой гвардии занимает мастера. В последние годы Сергей Олюнин создал любопытную коллекцию жанровых сценок в пластилине «Сказка старой Москвы». Какой была Первопрестольная, скажем, сто лет назад?

Один за другим возникли колоритные сюжеты: вербный торг на Красной площади, крещенские купели на Москве-реке, масленичные гуляния в Зоологическом саду, пикники в дачных Сокольниках, мытищинские чаепития на пути в Троице-Сергиеву лавру… По дворам бродили шарманщики, распевая песни. А вот одноногий георгиевский кавалер рассказывает, как наши чудо-богатыри били басурман.

Во многом эти композиции были навеяны книгами Ивана Шмелева, и неудивительно, что есть среди ликов старой Москвы и его скульптурный пластилиновый портрет. Автор романа «Лето Господне» за работой, за своим писательским столом. А еще у этой серии скульптур мастера тоже имеется личный мотив: другой прадед Сергея Олюнина, Иван Иванович Соколов, жил в Замоскворечье, на Ордынке, и учился в той же гимназии, которую окончил Шмелев, будущий писатель.

В экспозиции «Столпы империи» – сплошь хорошо знакомые нам исторические лица. Граф Сергей Уваров – министр народного просвещения, автор формулы «Православие, самодержавие, народность», обер-прокурор Святейшего синода Константин Победоносцев, премьер-министр Петр Столыпин, несколько коронованных особ… Но, пожалуй, самым удачным получилось изображение министра иностранных дел Александра Горчакова. Он картинно оперся на трость и, кажется, готов к дипломатическим баталиям во славу и к пользе Отечества.

Участник Гражданскойвойны, командир бронепоезда «АдмиралКолчак» капитан 1-го ранга Николай Олюнин

Частный музей «Всемирная история в пластилине» находится в Москве, на территории «Измайловского кремля». Найти его просто. Там есть вывеска, на которой изображена симпатичная девочка, держащая в руках марципановую жабу. Дело в том, что здесь можно не только ознакомиться с экспозицией, авторами которой стали уже три поколения Олюниных (сын Сергея помогает отцу в работе, причем отвечает за портретное сходство), но и принять участие в мастер-классах, постигая основы художественной лепки, в том числе «сладкой лепки» из марципана. В рамках цикла экскурсий «Всемирная история в деталях» можно узнать неожиданные и занимательные факты из истории материальной культуры разных эпох и народов. И вам обязательно расскажут об уникальной технологии изготовления скульптур из пластилина, представленных в коллекции.

Хозяин всегда на месте. Добро пожаловать.

Пластилиновые солдатики во Владивостоке

Константин Ворожбит представил свою выставку

Фото: Фото: Алексей Воронин, газета «Владивосток»

В доме-музее семьи Сухановых начала работу выставка военно-исторической миниатюры «Война в кружевах», сообщает корреспондент РИА VladNews.

Свои работы – сотни (всего более четырехсот) выполненных из пластилина солдатиков – представил сотрудник музея имени Арсеньева Константин Ворожбит. Уже много лет он занимается военно-исторической миниатюрой, в деталях воссоздавая облик солдат и офицеров войн прошлых веков, точнее – времен Первой империи Наполеона и Семилетней войны.

На этот раз Константин Ворожбит представил публике маленьких героев Семилетней войны, одной из самых тяжелых и кровопролитных из тех, что шли в Европе в XVIII веке.

Сегодня в коллекции Константина только фигурок времен Семилетней войны более тысячи – это армии Пруссии, России, Франции и Англии. На выставке «Война в кружевах» представлено 434 фигурки трех армий – нет только английских солдат – и восемь пушек. Причем некоторые пушки и фузеи в руках солдат могут даже стрелять!

Проволочный каркас, пластилин разных цветов и много-много терпения, труда и знаний – вот что нужно, чтобы создавать такие армии… В среднем на одну фигурку у Константина уходит от трех до 15 часов.

Ведь главное в том, что детали обмундирования каждого из солдат и офицеров воссозданы Константином до мелочей – от цвета мундира до вышивки на манжетах или количества пуговиц на гамашах.

Кроме того, в рамках выставки Константин Ворожбит попытался воспроизвести часть одного из сражений Семилетней войны – столкновение конной лавы прусской и русской армий во время сражения при Пальциге.

«Когда сшибаются две такие конницы, это фантастическое зрелище… Именно в таких боях русская конница, начавшая войну весьма неудачно, набиралась опыта и буквально закалялась. Эту битву, кстати, выиграла русская армия! – рассказывает Константин Ворожбит. — А чтобы точно знать, какого цвета были мундиры, головные уборы, гамаши, ментики у каждого из солдат и офицеров каждого полка, я изучаю целые тома исторической литературы, у меня дома – море книг этой тематики, вплоть до шеститомной энциклопедии вооружений и военного костюма.

Не зря войны того времени назывались «войной в кружевах», потому что солдаты и особенно офицеры в каждой армии одевались очень красиво, красочно, носили камзолы, сверху на которые надевался мундир, кружевные манжеты… Но, разумеется, сама война оставалась уродливой и кровопролитной…».

Каждую субботу – а выставка продлится до конца февраля — Константин Ворожбит будет рассказывать об истории Семилетней войны, истории мундира, также он готов проводить и мастер-классы. Был бы интерес! 

16 самых первых мультфильмов

Международному дню анимации посвящается!

Вы и ваши дети не представляете себе жизнь без мультиков? А ведь всего 100 лет назад малыши и не знали, что это такое. Анимация, хоть и появилась еще в 19 веке, начинала с очень взрослых сюжетов. А первыми мультфильмами для детей занялся уже сам отец мультипликации Уолт Дисней. И вообще, столько в истории этих «первых» мультфильмов.

Вот мы и решили рассказать вам о них. Первые цветные, первые пластилиновые, первые полнометражные мультфильмы — какие они были? О многих из этих картин мы уже рассказывали вам в подборке мультфильмов, двигающих прогресс. Но тема настолько обширна, что к ней можно возвращаться и возвращаться, просто меняя угол зрения. Так давайте взглянем на первопроходцев в мире анимации с 1898 года и до наших дней!

Первый мультфильм в мире

Первым мультфильмом в мире принято считать «Цирк лилипутов» (The Humpty Dumpty Circus), который был показан небольшому кругу зрителей в 1898 году. Его создатели — Джон Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит. Этот мультфильм был кукольным, в нем использовались деревянные игрушки. Снят он был самым простейшим образом: кадр — перестановка игрушек — новый кадр.

Вещи, которые двигались по экрану «самостоятельно», тогда были настоящим чудом, поражающим воображение неискушенных зрителей. Напомним, что «Прибытие поезда» братьев Люмьер вышло на экраны всего за 2 года до этого. К сожалению, до наших дней запись мультфильма «Цирк лилипутов» не дошла, только фотография декораций.

В 1900 году тот же Блэктон представил зрителям двухминутное видео «Очарованный рисунок». Считать его мультфильмом или нет, сказать сложно. На экране мы видим человека, который рисует портрет. Но выражение лица портрета меняется самостоятельно с помощью склейки кадров. В 1906 году Блэктон снял еще один похожий мультфильм — «Комические фазы смешных лиц». Но в этих мультфильмах не было ни героя, ни сюжета.

_{Источник: Максим Ихсанов}

Потому первым полноценным мультфильмом все-таки считают «Фантасмагорию» французского изобретателя Эмиля Коля. Этот мультфильм показали в кинотеатрах в 1908 году, в нем уже было минимальное развитие сюжета и свой герой, по действиям которого можно составить мнение о характере. Двухминутная лента произвела впечатление на зрителей, анимация начала свой длинный путь.

_{Источник: classiccartoon}

«Прекрасная Люканида, или Война рогачей с усачами» была создана Владиславом Старевичем в 1912 году. Кстати, это еще и первая анимационная сатира! Старевич делал свой мультфильм пародией на засилье псевдоисторических сюжетов из аристократической жизни в кинематографе того времени.

В центре сюжета — любовный треугольник, на фоне которого происходит та самая битва рогачей с усачами. Ножки и ручки жуков были сделаны из проволоки и прикреплены к тельцам с помощью воска. То, что жуки не живые, кстати, поняли далеко не все. Очень многие газеты восхищались трудолюбию «жучиного» дрессировщика.

_{Источник: Классика советского кино}

Примерно в то же время были созданы и первые пластилиновые мультфильмы, работал над ними американец Уиллис Х. О’Брайэн. Первый пластилиновый мультик назвать сложно, но самой известной работой О’Брайэна стала лента «10 000 лет до н. э», вышедшая в 1916 году. Это история о коварном почтальоне, который, решив опорочить своего конкурента, подделал послание к девушке. И вместо признаний в любви она получила оскорбления. Соперник, узнав об этом, с помощью динозавра жестоко наказывает обидчика (догадайтесь как). Прекрасная работа, но, к сожалению, пластилиновая анимация была куда дороже рисованной, а потому ее развитие остановилось аж до 50-ых годов.

_{Источник: Change Before Going Productions}

Первый «большой» мультфильм был создан в 1917 году в Аргентине, его режиссер Квирино Кристиани. Он тоже был не детским, анимация тогда была способом развеселить взрослую публику. Мультфильм «Апостол» был сатирической историей о президенте Аргентины, который попал на небо, хотел спасти город от безнравственности, но вместо этого уничтожил его. Мультфильм шел 69 минут со скоростью 14 кадров в секунду. Снимал Кристиани на крыше своего дома, использовал в работе макеты зданий и метод перекладки. Очень жаль, что единственный экземпляр пленки сгорел в пожаре почти 100 лет назад. Кстати, на счету Кристиани и первый звуковой полнометражный мультфильм «Рeludopolis» 1931 года, который тоже не сохранился.

Черно-белый немой фильм Уолта Диснея «Алиса на море» можно назвать первым мультфильмом студии. В нем было совмещение игры актрисы и нарисованных вставок. «Алиса на море» была выпущена в марте 1924 года, через полгода после открытия самой студии. А мышонок Микки появится у Диснея только через 4 года в короткометражке «Безумный аэроплан».

_{Источник: TheDisneyChannelNL}

«Пароходик Вилли» (1928) студии Disney стал первым мультфильмом, где звук был синхронизирован с происходящим. До этого в мультфильмы добавляли музыку, иногда звуки, но практически озвучить героев… Тут первопроходцем был Уолт Дисней. К слову, первое звуковое кино («Певец джаза») было создано всего лишь за год до этого!

_{Источник: Cinemania YT}

В 1931 году на экраны вышел «Рейнеке Лис» уже известного нам Владислава Старевича. Он был черно-белым, немым, но позже был озвучен на немецкий (1937) и французский (1941) язык. Фильм шел 65 минут и рассказывал несколько историй о хитром лисе. Например, знакомую нам «Ловись, рыбка, большая и маленькая!». Мультфильм до сих пор считается классикой кукольной анимации. Посмотрите, это действительно впечатляет.

_{Источник: slonique}

Первый цветной мультфильм вышел, конечно, на студии Disney. Мультик «Цветы и деревья» появился в кино в 1932 году, его показывали перед фильмом «Странный перерыв». Мультфильм стал первым лауреатом премии «Оскар» в категории короткометражных мультфильмов, поразив киноакадемию своей яркостью и новизной. Изначально его сняли черно-белым, но Уолт Дисней, открыв для себя возможности трехцветного процесса «Техниколора», приказал переснять мультфильм уже в цвете. И не зря. А первый цветной фильм вышел только в 1934 году. Так что с яркой анимацией зрители познакомились раньше, чем с цветным кинематографом.

_{Источник: kids life show}

Когда-то давным-давно «Союзмультфильм» назывался еще «Союздетмультфильмом». И в 1936 году вышел первый мультфильм студии — «В Африке жарко». Короткий мультик о том, как в Африке звери изнывают от жары и хотят мороженого. По стилю мультфильм напоминает Disney того времени, что неудивительно. Тогда это был единственный пример того, как нужно делать детские мультфильмы.

_{Источник: Vitaliy Yakimenko}

Ну, вы знаете… Конечно, с заветной статуэткой со сцены сошел в 1937 году Уолт Дисней. Точнее с одной большой статуэткой и семью маленькими, так как премию выиграл мультфильм «Белоснежка и семь гномов». Этот мультфильм был знаковым для развития анимации — цветной, звуковой, сюжетный, полнометражный… Раньше все эти вещи не сочетались в одной картине. Так что «Оскар» за «новаторство и выдающиеся достижения в области анимации» был вполне заслуженным!

_{Источник: Tekusa.ru}

В 1950 году на телеэкранах появился мультсериал «Кролик-крестоносец». Это был первый мультсериал, который создали специально для телевидения. Он шел на телеканалах американской телевизионной сети DuMont. Серии длились всего по 5 минут, зато их было целых 455!

Первые серии, выходившие с 50 по 52 год, были черно-белыми, потом сериал начали раскрашивать. Мультфильм рассказывал короткие истории про кролика-крестоносца, который дружит с добродушным тигром. Кролик постоянно сталкивается на пути с другими животными и влипает в разные смешные ситуации.

_{Источник: candolex}

Сейчас мы вас удивим. Это не «История игрушек». Первым мультфильмом, который технически был создан на компьютере — это советский мультфильм «Кошечка» 1968 года. В машину под названием БЭСМ-4 были введены дифференциальные уравнения, которые спрограммировали движения кошки. Кадры мультика напечатали на барабанном принтере АЦПУ-128, а после сфотографированы и дорисованы художником-мультипликатором. Сюжета там нет, и все же — это был своеобразный прорыв.

_{Источник: hildaslyusar}

Первый мультфильм в такой привычной нам теперь объемной технике 3D — это «Приключения Андре и пчелки Уолли» 1984 года. Он был создан в анимационном отделе студии Lucasfilm (будущий Pixar). Короткометражка стала первым шагом на пути анимации из плоской в объемную. До первого полнометражного мультфильма студия прошла долгий путь в 11 лет. В 1995 году мы увидели на большом экране «Историю игрушек», первый полнометражный 3D мультфильм. И мир анимации изменился навсегда.

_{Источник: сергей метальников}

Сейчас мы часто можем разглядеть лица знаменитостей в мордочках мультперсонажей, они, по сути, играют в мультфильмах, так как техника СGI позволяет списать реальные выражения лиц людей и перенести их на героев мультфильмов. Вспомните «Подводную братву», к примеру.

Но началось все это уже в 2001 году с мультфильма «Последняя фантазия: Духи внутри» японского игрового дизайнера Хиронобу Сакагучи. Именно там люди выглядели настолько реалистично, что даже немного пугали — это нарисовано или снято? Сейчас мы видим такие мультфильмы и фильмы гораздо чаще, они нас уже не удивляют, но в 2001 году это был прорыв, хоть и провалившийся в прокате.

_{Источник: Сайт Мультиков}

В 2017 году прогремела новость о мультфильме, который компьютер создал самостоятельно — «Fraktaal». На самом деле, это не совсем так. Художник Джулиус Хорстуис не рисовал его ни на бумаге, ни на компьютере. Но он ввел очень много формул и сценариев в компьютер, после чего машина самостоятельно, по своим математическим алгоритмам нарисовала мультфильм со случайными футуристическими изображениями. Никакого сюжета и развития, просто красивые движущиеся картинки.

_{Источник: TRAILEROK}

Вполне возможно, что скоро и эта область шагнет вперед. Нейросети уже рисовали серии «Флинстоунов», раскрашивали мультфильмы и вообще всячески развивались. Так что, думаем, совсем скоро мы сможем увидеть первый мультфильм, сделанный совершенно без участия человека.

Куда бы дальше не двигалась анимация, мы будем с интересом следить за ее развитием и ждать новых открытий!

Еще больше интересного в нашей группе в «Одноклассниках» и ВКонтакте.

Интересное по теме:
Как развивались женские образы в анимации
Мультфильмы, попавшие в Книгу рекордов Гиннесса

лиц войны | Искусство и культура

Раненые парни в шутку прозвали его «Магазин жестяных носов». Расположенный в 3-м лондонском госпитале общего профиля, его собственное название было «Отделение масок для обезображивания лица»; в любом случае, это был один из многих актов отчаянной импровизации, порожденных Великой войной, которая превзошла все традиционные стратегии борьбы с травмами тела, разума и души. На всех фронтах — политическом, экономическом, технологическом, социальном, духовном — Первая мировая война навсегда изменила Европу, унеся жизни 8 миллионов ее воинов и ранив еще 21 миллион.

Крупнокалиберные артиллерийские орудия с их способностью распылять тела на неизвлекаемые фрагменты, а также смертоносные шрапнели показали с самого начала войны, что военные технологии человечества значительно превосходят медицинские: «Каждый перелом в этой войне «Это огромная открытая рана, — сообщил один американский врач, — с не просто сломанной, но и раздробленной костью на дне». Более того, сама природа позиционной войны оказалась дьявольски благоприятной для лицевых травм: «[Т] он…солдаты не понимали опасности пулемета, — вспоминал доктор Фред Олби, американский хирург, работающий во Франции. — Казалось, они думали, что могут высунуть голову из траншеи и двигаться достаточно быстро, чтобы уклониться от града пули. «

В 1950-х годах сэр Гарольд Гиллис, пионер в искусстве реконструкции лица и современной пластической хирургии, вспоминал свою военную службу: «В отличие от сегодняшнего студента, который отучен от небольших иссеченных шрамов, а выпускников — на заячьих губах, мы внезапно стали попросил изготовить половину лица.»Новозеландец по рождению, Гиллису было 32 года, и когда началась война, он работал хирургом в Лондоне, но вскоре после этого уехал, чтобы служить в полевых машинах скорой помощи в Бельгии и Франции. В Париже появилась возможность понаблюдать за работой знаменитого лицевого хирурга. вместе с полевым опытом, который выявил шокирующие физические потери этой новой войны, привели к его решимости специализироваться на реконструкции лица. Пластическая хирургия, направленная на восстановление функций и формы деформаций, в начале войны была грубо практиковались, практически не уделяя внимания эстетике.Гиллис, работая с художниками, которые создавали изображения и скульптуры того, как мужчины выглядели до травм, стремился восстановить, насколько это возможно, искалеченное лицо человека. Кэтлин Скотт, известная скульптор и вдова капитана Роберта Фалькона Скотта, прославившегося в Антарктиде, вызвалась помочь Гиллису, заявив с характерным апломбом, что «люди без носов очень красивы, как старинные мраморы».

В то время как новаторские работы по пересадке кожи были выполнены в Германии и Советском Союзе, именно Гиллис усовершенствовал и затем начал массовое производство критических техник, многие из которых до сих пор важны для современной пластической хирургии: за один день в начале июля 1916 г. после первого сражения в битве на Сомме — дня, когда список жертв лондонской Times охватывал не столбцы, а страницы — Гиллису и его коллегам было отправлено около 2000 пациентов.Клинически честные фотографии «до и после», опубликованные Гиллисом вскоре после войны в его знаменательном «Пластическая хирургия лица », показывают, насколько удивительно — временами почти невообразимо — успешными он и его команда могли бы добиться; но галерея изрезанных швов и разбитых лиц с их смелым лоскутным одеялом из недостающих частей также демонстрирует ограниченность хирургов. Именно для этих солдат — слишком обезображенных, чтобы претендовать на документацию до и после, — был создан Отдел масок для обезображивания лица.

«Моя работа начинается там, где работа хирурга завершается», — сказал Фрэнсис Дервент Вуд, основатель программы. Вуд родился в Озерном крае Англии в 1871 году от отца-американца и матери-британки. Он получил образование в Швейцарии и Германии, а также в Англии. После возвращения своей семьи в Англию он обучался в различных художественных институтах, развивая талант к скульптуре, который он выставлял в юности. Когда разразилась война, он был слишком стар для действительной военной службы и в 44 года поступил на службу рядовым в Медицинский корпус Королевской армии.После того, как его назначили санитаром в 3-ю лондонскую больницу общего профиля, он сначала выполнял обычные обязанности «мальчик на побегушках-домохозяйка». В конце концов, однако, он взял на себя задачу разработать сложные шины для пациентов, и осознание того, что его способности как художника могут быть полезны с медицинской точки зрения, вдохновило его на создание масок для безнадежно обезображенных лиц. Его новые металлические маски, легкие и более долговечные, чем ранее выпущенные резиновые протезы, были специально разработаны, чтобы нести довоенный портрет каждого владельца.В хирургических палатах и ​​палатах для выздоравливающих было мрачно признано, что обезображивание лица было наиболее травматичным из множества ужасных повреждений, нанесенных войной. «Всегда смотрите мужчине прямо в глаза», — сказала медсестрам одна решительная монахиня. «Помните, он смотрит на ваше лицо, чтобы увидеть, как вы отреагируете».

Вуд основал свое подразделение по изготовлению масок в марте 1916 года, а к июню 1917 года его работа была оправдана статьей в The Lancet , британском медицинском журнале.«С помощью навыков скульптора, которыми я обладаю, я стараюсь сделать лицо человека как можно ближе к тому, как оно выглядело до того, как он был ранен», — писал Вуд. «Мои случаи, как правило, являются крайними случаями, от которых пластическая хирургия вынуждена отказаться; но, как и в пластической хирургии, психологический эффект такой же. Пациент обретает старое чувство собственного достоинства, уверенность в себе, уверенность в себе … . снова гордится своим внешним видом, его присутствие больше не является источником меланхолии для него самого или печали для его родственников и друзей.«

Ближе к концу 1917 года работа Вуд была представлена ​​вниманию бостонского американского скульптора, которого в статьях о ней неизбежно называли «светской львицей». Анна Коулман Уоттс родилась в Брин-Мауре, штат Пенсильвания, и получила образование в Париже и Риме, где и начала заниматься скульптурой. В 1905 году в возрасте 26 лет она вышла замуж за Мейнарда Лэдда, врача из Бостона, и именно здесь она продолжила свою работу. Ее скульптурными объектами были в основном декоративные фонтаны — изобилующие нимфы, танцующие духи, — а также портретные бюсты, которые, по сегодняшним вкусам, кажутся бесхарактерными и мягкими: неопределенно общие портреты неопределенно общих лиц.Возможность продолжения работы путем изготовления масок для раненых солдат во Франции, возможно, не обсуждалась бы Лэдд, если бы не тот факт, что ее муж был назначен руководить Детским бюро Американского Красного Креста в Туле и служить его медицинским советником в Туле. опасные французские передовые зоны.

В конце 1917 года, посоветовавшись с Вудом, ставшим капитаном, Лэдд открыл в Париже Студию портретных масок, находящуюся в ведении американского Красного Креста. «Г-жа.С Лэддом немного сложно справиться, как это часто бывает с талантливыми людьми », — тактично предупредил один из коллег, но, похоже, она управляла студией эффективно и энергично. Расположенная в Латинском квартале города, она была описана одним из коллег. Американская гостья в виде «большой светлой студии» на верхних этажах, к которой ведет «красивый двор, заросший плющом и населенный статуями». Лэдд и четыре ее помощника приложили решительные усилия, чтобы создать веселое и гостеприимное пространство для своих пациентов. Комнаты были заполнены цветами, стены увешаны «плакатами, французскими и американскими флагами» и рядами готовящихся гипсовых слепков масок.

Путь, который привел солдата с поля или траншеи в отдел Вуда или в студию Лэдда, был долгим, разрозненным и полным ужаса. Для некоторых это началось с грохота: «Мне показалось, что кто-то уронил стеклянную бутылку в фарфоровую ванну», — вспоминал американский солдат о дне в июне 1918 года, когда немецкая пуля попала ему в череп в Буа. де Белло. «Бочка с белилами опрокинулась, и казалось, что все на свете побелело».

Поэтапно, от грязи окопов или поля до медпункта; в перенапряженный полевой госпиталь; до эвакуации, будь то в Париж или, через пролив через Ла-Манш, в Англию, раненых несли, трясли, перетасовывали и оставляли без присмотра в длинных сквозняках, прежде чем они остановились под присмотром хирургов.Неизбежно последовали многочисленные операции. «Он лежал со своим профилем для меня», — написала Энид Бэгнолд, медсестра-волонтер (а позже автор книги National Velvet ), о тяжелораненом пациенте. «Только у него нет профиля, как у человека. Как у обезьяны, у него только бугристый лоб и выступающие губы — нос, левый глаз — нет».

Пациенты, которых можно было успешно вылечить, после длительного выздоровления были отправлены в путь; менее удачливые остались в больницах и отделениях для выздоравливающих, ухаживая за сломанными лицами, с которыми они были не готовы противостоять миру — или с которыми мир не был готов противостоять им.В Сидкапе, Англия, городе, где располагалась специальная лицевая больница Гиллис, некоторые скамейки в парке были выкрашены в синий цвет; код, который предупреждал горожан, что любому человеку, сидящему на нем, будет неприятно смотреть. Однако более неприятная встреча часто происходила между изуродованным человеком и его собственным образом. Зеркала были запрещены в большинстве палат, и люди, которым каким-то образом удавалось незаконно подглядывать, падали в шоке. «Психологическое воздействие на человека, который должен пройти по жизни, являясь объектом ужаса как для самого себя, так и для других, не поддается описанию», — писал доктор.Олби. «… Это довольно обычное явление, когда человек с нарушенной адаптацией чувствует себя чужим в своем мире. Это должно быть абсолютным адом — чувствовать себя чужим для себя».

Вуд и Лэдд приложили огромные усилия для создания масок, максимально похожих на неповрежденное лицо довоенного солдата. В студии Лэдда, которой приписывали лучшие художественные результаты, одна маска требовала месяца пристального внимания. После того, как пациент был полностью вылечен как от первоначальной травмы, так и от восстановительных операций, с его лица были сняты гипсовые слепки, что само по себе стало удушающим испытанием, из которого были сделаны выдавливания из глины или пластилина.«Сжатие в его нынешнем виде представляет собой буквальный портрет пациента с его безглазой впадиной, частично отсутствующей щекой, отсутствующей переносицей, а также с его здоровым глазом и частью здоровой щеки», — писал Уорд. Мьюир, британский журналист, работавший санитаром с Вудом. «Закрытый глаз должен быть открыт, чтобы другой глаз, будущий глаз, мог быть сопоставлен с ним. Ловкими движениями скульптор открывает глаз. Сжатие, до сих пор представлявшее спящее лицо, кажется, пробуждается. глаз смотрит на мир с умом.«

Это пластилиновое подобие легло в основу всех последующих портретов. Сама маска будет сделана из оцинкованной меди толщиной тридцать секунд дюйма — или, как заметила посетительница студии Лэдда, «тонкость визитной карточки». В зависимости от того, закрывала ли она все лицо или, как это часто бывало, только верхнюю или нижнюю половину, маска весила от четырех до девяти унций и обычно держалась за очки. Самая большая художественная задача заключалась в том, чтобы окрасить металлическую поверхность в цвет кожи.После экспериментов с масляной краской, которая треснула, Лэдд начал использовать твердую эмаль, которую можно было мыть, с тусклой, похожей на плоть отделкой. Она нарисовала маску, пока сам мужчина был в ней, чтобы максимально соответствовать его собственному цвету. «Оттенки кожи, которые выглядят яркими в пасмурный день, выглядят бледными и серыми на ярком солнце, и что-то среднее должно быть достигнуто», — написала Грейс Харпер, начальник Бюро перевоспитания Мутиле, в образе обезображенных французских солдат. были позваны. Художница должна подбирать тон и для ясной, и для пасмурной погоды, имитировать голубоватый оттенок выбритых щек.»Такие детали, как брови, ресницы и усы, были сделаны из настоящих волос или, в студии Вуда, из фольги, наподобие древнегреческих статуй.

Сегодня единственные изображения этих людей в масках — это черно-белые фотографии, которые, с их прощающим недостатком цвета и движения, не позволяют судить об истинном эффекте масок. Статичные, на все времена сохраненные в едином выражении, смоделированном по образцу того, что часто было единственной довоенной фотографией, маски были одновременно реалистичными и безжизненными: Гиллис рассказывает, как дети одного ветерана в маске бежали в ужасе при виде невыразительного лица своего отца. лицо.Маски также не смогли восстановить утраченные функции лица, такие как способность жевать или глотать. Голоса изуродованных мужчин, которые носили маски, по большей части известны только из скудной переписки с Лэдд, но, как она сама записала: «Благодарственные письма от солдат и их семей повредили , они так благодарны». «Благодаря тебе у меня будет дом», — написал ей один солдат. «… Женщина, которую я люблю, больше не находит меня отталкивающим, , поскольку она имела на это право .«

К концу 1919 года студия Лэдда произвела 185 масок; количество произведенных Вудом неизвестно, но предположительно было больше, учитывая, что его отдел был открыт дольше, а его маски производились быстрее. Эти замечательные цифры бледнеют только в сравнении с примерно 20 тысячами человеческих жертв войны.

К 1920 году парижская студия начала давать сбои; Отдел Вуда был расформирован в 1919 году. Почти не сохранилось никаких записей о мужчинах, которые носили маски, но даже в течение одного года пребывания Лэдда было ясно, что маска просуществовала всего несколько лет.«Он постоянно носил свою маску и все еще носил ее, несмотря на то, что она была сильно потрепана и выглядела ужасно», — писал Лэдд об одном из первых пациентов ее студии.

Во Франции Союз Благословений (Союз лиц с ранениями лица) приобрел жилые дома для размещения изуродованных мужчин и их семей, а в последующие годы принял на себя жертвы последующих войн. Судьба одинаково раненых русских и немцев более неясна, хотя в послевоенной Германии художники использовали картины и фотографии изуродованных лиц с разрушительным эффектом в антивоенных заявлениях.В Америке жертв было значительно меньше: Лэдд подсчитал, что в американской армии было «от двух до трехсот человек, которым требуются маски» — десятая часть от требуемого во Франции. В Англии обсуждались сентиментальные схемы присвоения живописных деревень, где «искалеченные и раздробленные» офицеры, если не рядовые солдаты, могли жить в усыпанных розами коттеджах, среди садов и полей, зарабатывая себе на жизнь продажей фруктов и ткачеством тканей. реабилитации; но даже эти неадекватные планы ни к чему не привели, и люди просто исчезли, скрываясь из виду.Немногие маски выживают, если таковые вообще имеются. «Несомненно, они были похоронены вместе со своими хозяевами», — предположила Сара Креллин, биограф Вуда.

Лечение катастрофических раненых во время Первой мировой войны привело к огромным достижениям в большинстве областей медицины — достижениям, которые будут использованы с пользой всего лишь десятилетия спустя для лечения катастрофических жертв Второй мировой войны. Сегодня, несмотря на неуклонное и впечатляющее развитие медицинских технологий, даже сложная современная реконструктивная хирургия все еще не может адекватно лечить виды травм, из-за которых люди Великой войны были обречены жить за своими масками

Анна Коулман Лэдд покинула Париж после перемирия в начале 1919 года, и ее, очевидно, очень не хватало: «Ваша великая работа для французских mutilés находится в руках маленького человека с душой блохи», — написал ей коллега. из Парижа.Вернувшись в Америку, Лэдд дали обширные интервью о ее военной работе, и в 1932 году она была удостоена звания кавалера Французского Почетного легиона. Она продолжала лепить, создавая изделия из бронзы, которые заметно мало отличались по стилю от ее довоенных изделий; ее военные мемориалы неизбежно изображают воинов с гранитными челюстями и совершенными — хочется сказать маскированными — чертами лица. Она умерла в возрасте 60 лет в Санта-Барбаре в 1939 году.

Фрэнсис Дервент Вуд умер в Лондоне в 1926 году в возрасте 55 лет. Его послевоенная работа включала в себя ряд общественных памятников, в том числе военные мемориалы, самый острый из которых, пожалуй, посвящен пулеметному корпусу в Гайд-парке Корнер в Лондоне.На приподнятом постаменте он изображает молодого Давида, обнаженного, уязвимого, но победоносного, который олицетворяет ту незаменимую фигуру войны, которая положит конец всем войнам, — пулеметчика. Надпись на памятнике обоюдоострая и указывает как на героизм отдельного стрелка, так и на сверхъестественные способности его оружия: «Саул убил свои тысячи, а Давид — десятки тысяч».

Кэролайн Александр является автором книги The Bounty: The True Story of the Mutiny on the Bounty .

Всемирная история в пластилине

Сергей Олюнин — основатель и совладелец музея пластилиновой мини-скульптуры «Имена и эпохи», расположенного в Измайловском Кремле на востоке Москвы. Художник подробно рассказывает о том, как возник этот проект, и о его крупных выставках — «Столпы империи», «Трагедия смутного русского времени», «Сказки старой Москвы».

Олюнин Сергей

— Сергей, как возник Ваш Музей мини-скульптуры имён и эпох?

Долгие годы в нашем доме хранилась коллекция фигурок героев мировой истории.Его сделали два скульптора-любителя — мой отец Ростислав Олюнин и его друг Андрей Миллер в 1960-х и 1970-х годах. Оба они давно скончались, но наша семья бережно сохраняла их работу. Идея создать музей пришла ко мне и к жене неожиданно и без всякой видимой причины. Как-то внезапно мы поняли, что владеем чем-то, что можно с гордостью показать другим. А в ноябре 2013 года в музейных витринах поместили ровно сто героев истории человечества.На экспонатах сохранились отпечатки пальцев давно умерших авторов.

Иван III. Русь. 1440 1505.

Со временем ряды персонажей на полках превратились в настоящий музей — насколько позволяли наши возможности. То есть теперь посетители нашего музея пластилиновой мини-скульптуры «Имена и эпохи» не только заглядывают в очередную диковинку, но и проникаются темой, заряжаются знаниями. После такого рода обновления музея посетители стали спрашивать, что им почитать на ту или иную тему.Значит, интерес у них возник!

Из чего сделаны фигурки?

И это наверное самое интересное. Все они сделаны из обычного пластилина, пластилина. Однако, несмотря на то, что на этот материал могут повлиять любые невзгоды, произведения мастеров прожили шесть десятилетий и, дай Бог, переживут и наше поколение.

Папа Григорий XIII.Ватикан. 1502–1585

Вы продолжили наследие своего отца и его друга. Отец учил вас лепке?

Конечно, моим первым учителем был отец. Любой почувствовал бы вдохновение, наблюдая за тем, как в его руках рождается уменьшенная копия человека. А потом были профессиональные художники. Их инструкции позволили мне развить принципы, разработанные двумя друзьями полвека назад.

Столпы Империи — экспозиция со звучным названием.О чем и о ком идет речь?

Это самая последняя крупная коллекция, благодаря которой музей вырос. № «Столпы Империи» № — портреты известных государственных деятелей России, усилиями которых были заложены основы нашего Отечества. Они более известны, чем многие другие персонажи. Так что радость, которую испытывают посетители, узнавая их, является отличным стимулом, пробуждающим интерес к музею в целом.

Российский историк, поэт и журналист Николай Карамзин

Трагедия русского смуты Лица белого движения — еще одна большая коллекция вашего музея, в ней собраны фигуры Петра Врангеля, Антона Деникина, Лавра Корнилова, Владимира Каппеля… Как вам пришла в голову идея создать такой сериал?

Я начал работать над этой темой вскоре после открытия музея. Сначала я хотел получить пять или десять цифр. Однако, погрузившись в тему, на глаза попадались все новые и новые имена и судьбы. Так мало-помалу сформировался сборник членов Белого движения. Включает 120 фигур. Есть как отдельные фигуры, так и композиции двух или трех (братьев, супругов, сестер, отцов, сыновей) семей, посвятивших свою жизнь освобождению России от большевизма.Моя цель — вернуть их имена в исторический контекст сегодняшнего дня. Когда я кладу фигурку на полку, я оживляю человека (хотя бы для себя), возвращаю его из исторического забвения, куда его послали победоносные демоны.

Русский антибольшевистский генерал Антон Деникин

Офицер российской военной разведки Корнилов Лавр

Почему вы так увлеклись темой Белого движения?

Мой путь к этой теме был довольно запутанным.Я вырос на романах Томаса Мейна Рида, Х. Райдера Хаггарда, Луи Жаколио. И оказалось, что читаю только их дешевые дореволюционные издания. С годами мое любопытство к приключениям, конечно, угасло, но все чаще я думал о тех мальчиках и молодых людях, которые разделяли давнюю любовь к потрепанным страницам. А потом, без моего ведома, дети выросли, взяли винтовки и ушли из дома в надежде защитить мир, который рушился у них на глазах. Так меня захватило Белое движение.

Я вижу, что фигур участников Гражданской войны с другой, красной стороны в музее абсолютно нет. Значит ли это, что вы, как говорится, всем сердцем и душой на стороне Белого движения?

Совершенно верно. Моя душа, мысли, желание воплотить, возродить принадлежат исключительно Белому движению, тем людям, которые всю свою жизнь боролись за идеалы, провозглашенные профессором Владимиром Давацем, загрузчиком «В Москву!» бронепоезд: «Было безумием надеяться разбить массы Красной Армии несколькими полками; Безумие начинать Кубанский поход, безумие ехать в Москву, безумие защищать Крым, безумие упорно держать армию в лагерях Галлиполи и Лемнос — но только из-за этого безумия мы не может быть стыдно за то, что ты русский.”

А какие исторические деятели Белого движения вас интересуют больше всего? А над чьей фигурой работать было труднее всего?

Это очень интересный вопрос. Потому что в коллекции есть одна фигура, работа над которой была самой сложной и в то же время самой радостной. Это генерал-лейтенант Яков Слащев. Это было сложно — потому что пару недель я не могла сделать его, хоть и узнаваемое, лицо.Это было радостно, потому что мой сын Антон впервые участвовал в работе над портретом, и именно с его помощью персонаж вышел именно таким, каким он был задуман. С тех пор мы часто работали вместе. И во многих случаях портретное сходство было его заслугой.

Яков Слащев, главнокомандующий крымской армией барона Врангеля

Какие еще портреты лидеров Белого движения есть в вашей коллекции?

Начав сбор, я, конечно, в первую очередь снял сливки — пара десятков фигурок были портретами самых известных персонажей — Колчака, Деникина, Врангеля… Но постепенно, по мере изучения материала, всплыли лица, малоизвестные или не известные широкой публике. Однако их судьбу, их поступки нельзя было игнорировать. Их влияние на историю было разным — от одного нападения до участия всей жизни — но без них история Белого Дела, на мой взгляд, не была бы полной и честной. Среди этих персонажей такие воины-поэты, как Иван Савин, Николай Туроверов, Арсений? Несмелов, а также Мария Нестерович, героическая девушка, организовавшая перевозку офицеров из Красной Москвы на Дон, самоотверженная медсестра Шура, назвавшая легендарный Первый Кубанский поход Ледовым походом, и отец Николай Попов, расстрелянный святой мученик. за то, что у него на стене дома висел портрет своего брата, марширующего вождя Донского войска.

Туроверов Николай, младший Есаул, начальник пулеметной бригады Атаманского полка

Наверняка вы сделали какие-то открытия, изучая такую ​​тему, как Гражданская война, не так ли?

На стене музея висит фотография Николая Олюнина, моего прадеда, последнего командира бронепоезда «Адмирал Колчак», действовавшего на Северном фронте. Кроме того, его фигура фигурирует в Трагедия русской смуты .Узнав историю моей семьи, многие люди с пониманием качают головами — конечно, имея предка-белогвардейца, они заинтересовались Белым движением. На самом деле существует обратная зависимость. Именно интерес нашей семьи к антибольшевистской борьбе вывел прадеда-офицера из забвения.

Капитан Николай Олюнин

Дело в том, что старшие родственники умалчивали о нем. А потом, окунувшись в историю Гражданской войны, случайно прочитал про некоего капитана 1 ранга Олюнина.Я представлял, что этот человек был моим предком, и долго собирал информацию о нем. Информация продолжала накапливаться. Мне удалось выяснить, что этот человек уехал в Финляндию после развала фронта. Документы на Олюнина у нас есть в архивах финской полиции. Я открыл их и увидел на фотографии белого офицера, который выглядел в точности как мой отец, даже усы были такой же формы. Так поиск стал более глубоким, целенаправленным, так постепенно прояснялась история жизни моего прадеда Олюнина.

В вашем музее есть еще одна экспозиция — Сказка о старой Москве . Он основан на произведении писателя Ивана Шмелева. Пожалуйста, сообщите нам об этом.

Иван Шмелев был одним из тех, кто сформировал мое белогвардейское мировоззрение. Это было не о «Солнце мертвых », а о «Лето Господнем» . Только прочитав последнее, я по-настоящему понял, какой мир мечтали спасти белые воины.Так что во время работы над этой коллекцией The Summer of the Lord был одним из моих источников вдохновения. Другой мой прадед, Иван Соколов, тоже провел детство и юность в Замоскворечье, ходил в одну гимназию со Шмелевым. И он оставил воспоминания о том периоде своей жизни. Так что оттуда исходит и сам дух Замоскворечья.

Масленичный киоск. Путаница на сцене

Принципы, на которых построен сборник, полностью отличаются от тех, что лежат в основе Трагедия русской смуты .Во-первых, фигуры не портретного типа. Более того, в композициях присутствует изрядная доза мягкой иронии, дружеской вовлеченности в жизнь этих персонажей. По крайней мере, я пытался заставить аудиторию это почувствовать.

Когда кошка уйдет, мыши будут играть

Катание яиц, первая неделя после Пасхи

В вашем музее посетители могут увидеть оригинальные скульптуры исторических личностей и послушать интересные лекции, основанные на их биографиях.Востребован ли этот способ общения среди населения? Кто посещает такие встречи?

Лекции проводятся только для групп от 10 человек, поэтому такой режим разговора встречается довольно редко. Чаще есть возможность пообщаться с посетителями один на один — и это большой плюс. В конце концов, личное общение помогает выразить вашу точку зрения, выразить свои творческие принципы и вдохновить других погрузиться в определенную тему.

Люди приходят самые разные. Некоторых посетителей интересуют персонажи, других — тонкость и точность изображения лиц или костюмов той или иной эпохи.

Кто вам помогает в ваших проектах?

Этот проект полностью принадлежит нашей семье. Наш музей работает уже восемь лет. И мы не смогли найти никого, кто бы помог нам с разработкой. Так что мы продвигались шаг за шагом. Но мы ни от кого не зависим и никто не решается нам заказывать, что и как выставлять в музее.

Путеводитель по номерам: Джакометти — Путеводитель по выставке

Альберто Джакометти Walking Man I 1960 Коллекция Fondation Alberto et Annette Giacometti, Париж (инв. 1994-0186) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Альберто Джакометти был одним из величайших художников-скульпторов двадцатого века.Неугомонный новатор, он экспериментировал с различными стилями, историческими источниками и материалами, сохраняя при этом уникальное, сразу узнаваемое художественное видение. Эта выставка — первая за двадцать лет масштабная ретроспектива его работ в Великобритании. Благодаря беспрецедентному доступу к коллекции и архиву Фонда Альберто и Аннетт Джакометти в Париже, он прослеживает карьеру Джакометти и демонстрирует его увлечение различными материалами и текстурами, такими как гипс, глина и краски.Наряду с бронзовыми фигурами и портретами на выставке представлены гипсовые скульптуры, предметы декора и рисунки, которых раньше никто не видел.

Джакометти родился в 1901 году и вырос в альпийской деревне в Брегалье, Швейцария. Он был старшим ребенком Джованни Джакометти, художника-постимпрессиониста, и Аннетты Джакометти-Стампа. Подростком, окруженный картинами своего отца, книгами и художественными журналами, Джакометти начал делать рисунки, картины маслом и скульптуры.

В 1922 году он приехал в Париж, где занялся такими движениями, как кубизм и сюрреализм. Заинтересовавшись опытом и механикой взгляда, он в конце концов вернулся к работе непосредственно с живых моделей и создал скульптуры в стилизованной, но более реалистичной манере. Большую часть Второй мировой войны он провел в Женеве. Вернувшись в Париж после войны, он продолжал создавать удлиненные фигуры с сильно текстурированными поверхностями и характерные портретные картины, которыми он наиболее известен.

Альберто Джакометти Глава Isabel 1936 Collection Fondation Alberto et Annette Giacometti, Париж
(инв. 1994-0343) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Комната первая

Когда вы смотрите на человеческое лицо, вы всегда смотрите в глаза.В глазу есть что-то особенное, он состоит из другого вещества, чем остальная часть лица.

Джакометти возвращался к изображению человеческой головы на протяжении всей своей карьеры. Его подданными были люди, к которым он чувствовал себя наиболее близкими, включая его мать и отца, его брата Диего, его жену Аннет и друзей, таких как философ Симона де Бовуар. Сидели за него часами, но он работал и по памяти. В этом зале открытия представлены несколько голов из разных материалов и стилей, начиная от ранних натуралистических скульптур, созданных Джакометти в подростковом возрасте, таких как Head of a Child [Simon Bérard] 1917–18, до работ 1950-х и 60-х годов с их отличительные высокотекстурированные поверхности.Хотя многие из его скульптур в конечном итоге были отлиты из бронзы, Джакометти предпочитал работать с глиной или гипсом, материалами, которые он мог формировать и формировать своими руками.

Альберто Джакометти Час следов 1932 © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Комната два

Я сделал скульптуры, которые могут двигаться! […] Это более радостные работы, и мне было очень весело делать их.[…] Я совершенно не знаю, как выйдет следующий, и это очень приятное чувство.

В середине 1920-х годов Джакометти разочаровался в трудностях запечатлеть внешность живой модели. Он начал исследовать более концептуальные подходы, отвечая на формальные нововведения скульпторов, таких как Анри Лоренс и Константин Бранкузи, а также на абстракцию африканских и океанических объектов. Скульптуры Джакометти этого периода демонстрируют переход от натуралистических форм к более абстрактным.Он продолжал исследовать голову и человеческий взгляд, но постепенно терял сходство. Его скульптура Gazing Head 1929 представляет собой прямоугольную «мемориальную доску», представленную здесь в гипсовом и терракотовом вариантах.

В высшей степени оригинальные работы Джакометти привлекли внимание сюрреалистов во главе с Андре Бретоном, и с 1932 года он начал участвовать в деятельности группы. Он сочувствовал их неприятию традиций, морали и буржуазии, и его работы этого периода показывают его увлечение бессознательным.Скульптуры, такие как Caught Hand 1932 и Час следов 1932, включают мощные и тревожные символические объекты, наводящие на мысль о насилии и смерти. В 1932 году в галерее Пьера Колле прошла первая персональная выставка Джакометти. Его первыми посетителями были Пабло Пикассо.

Номер три

Объекты интересуют меня не меньше, чем скульптура, и есть точка, в которой они соприкасаются.

Чтобы заработать себе на жизнь в 1930-е годы, Джакометти производил декоративные предметы, такие как лампы, вазы, украшения и настенные рельефы.Он сотрудничал с дизайнером интерьеров Жаном-Мишелем Франком, и ему помогал его брат Диего, который переехал в Париж и получил двойную роль помощника Джакометти в студии и его самой важной модели. Эти декоративные работы получили высокую оценку и были представлены в таких журналах, как Vogue и Harper’s Bazaar .

В шкафу в этой комнате выставлены скульптуры Джакометти Disagreeable Object 1931 года, а также декоративные элементы и наброски из записной книжки.Джакометти не считал свои дизайнерские работы незначительными, и в нескольких случаях они влияли на его скульптурную практику, и наоборот. Рисунки, такие как Lunar 1933, иллюстрируют, как Джакометти часто делал наброски своих скульптур. Его небольшая студия, все более и более заполненная скульптурами, была важной средой для художника на протяжении всей его карьеры.

В этом зале также рассказывается о причастности Джакометти к сюрреализму. Он публиковался в сюрреалистических журналах, выставлялся вместе с другими художниками-сюрреалистами в Salon des Surindépendants в 1933 году и общался с ними в кафе, барах и публичных домах, таких как Le Sphinx на Монпарнасе, который был излюбленным местом художников.

Альберто Джакометти Женщина-ложка Коллекция 1927 г., Фонд Альберто и Аннетт Джакометти, Париж (инв. 1994-0297) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Номер четыре

В те годы я создавал только те скульптуры, которые представлялись мне законченными.Я ограничился построением их в космосе, не задумываясь, что они могут означать.

В этом зале представлены наиболее значимые работы Джакометти 1920–30-х годов. Spoon Woman 1927 берет свою форму из церемониальной ложки, идентифицируемой из культуры дан в Западной Африке, а также отражает влияние кубизма. Перенос ритуального объекта в скульптуру, возможно, это первая стоящая женщина Джакометти.

Замороженная поза Идущей женщины [I] 1932 год отражает увлечение Джакометти египетским искусством.Извилистые изгибы, видимая грудь и узнаваемая щель гениталий создают чувственный образ женственности. Женщина с перерезанным горлом , созданная в том же году, — одна из самых жестоких сюрреалистических скульптур Джакометти. Абстрагированный гибрид растения и насекомого, кажется, находится в агонии смерти, в то время как ее напряженные заостренные формы также предполагают ловушку, которая угрожает закрыть.

В 1933 году умер отец Джакометти. Джакометти ответил скульптурой монументальной культовой фигуры Невидимый объект 1934–35.Его источники, начиная от древнеегипетских предметов и заканчивая христианской скульптурой, много обсуждали искусствоведы; Считается, что титул «невидимый» относится к умершему. Самая абстрактная скульптура Джакометти Cube 1933–34 также, кажется, связана со смертью его отца, ее замкнутая геометрическая форма вдохновлена ​​гравюрой Melencolia I художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. Джакометти организовал выставки работ своего отца в Швейцарии и создал надгробие на его могиле в 1934 году.Вернувшись в Париж, он продолжил занятия головами.

Для сюрреалистов, окружавших Андре Бретон, эти «реалистичные» работы после моделей были сочтены предательством, и Джакометти покинул группу. Однако он согласился выставить свои скульптуры на таких выставках, как Международная выставка сюрреалистов в Лондоне в 1936 году. Британская пресса была очень критичной с заголовками, такими как «Сюрреалистическое искусство неуклюже и бессмысленно». Однако выставку посетили как публика, так и представители мира искусства.

Альберто Джакометти Очень маленькая фигурка c.1937-1939 Коллекция Fondation Alberto et Annette Giacometti, Париж (инв. 1994-0442) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Комната пять

Делая что-то высотой в полсантиметра, вы с большей вероятностью почувствуете вселенную, чем если вы попытаетесь сделать все небо.

В мае и июне 1940 года немецкая армия вторглась во Францию. Париж был оккупирован. Когда Джакометти поехал к своей матери в Женеву, ему было отказано в повторной визе во Францию, и он провел остаток войны в Швейцарии, в то время как Диего присматривал за студией в Париже. Живя и работая в гостиничном номере в Женеве, Джакометти регулярно встречался с друзьями, в том числе с издателем Альбертом Скирой, фотографом Эли Лотаром и художником Бальтусом. В 1943 году он познакомился с Аннетт Арм, молодой женщиной, которая работала в офисе Красного Креста.Через несколько лет она стала его женой и самой главной моделью-женщиной.

На протяжении всей войны Джакометти делал скульптуры, в том числе стоячие фигуры и портретные бюсты. Многие из них были очень маленькими, словно издалека улавливая присутствие человека. «Я хотел сделать скульптуру этой женщины, как когда-то видел ее на некотором расстоянии на улице», — вспоминал он позже, связывая эти работы с опытом наблюдения за своим другом, английской художницей Изабель Николас (позже Ламберт и Роусторн). на бульваре Сен-Мишель.

Номер шесть

Я хотел держаться определенной высоты, и они стали узкими […] Чем больше я хотел сделать их шире, тем уже они становились.

В 1945 году Джакометти вернулся в Париж в свою мастерскую на улице Ипполит-Майндрон, где начал производить удлиненные фигуры, характерные для его послевоенной скульптуры. Когда они были выставлены в галерее Пьера Матисса в Нью-Йорке в 1948 году, каталог включал эссе философа Жана-Поля Сартра под названием The Search for the Absolute .Вместе с атмосферными фотографиями студии Джакометти это эссе задало тон восприятия работ Джакометти. Сглаженные формы и изолированные фигуры интерпретировались как воплощение человеческих тревог и отчуждения. Путем крайней редукции Джакометти удалось создать мощный образ человечества, в котором поколение, травмированное войной, могло узнать себя.

Выставка этих работ в 1951 году в Galerie Maeght в Париже помогла ему добиться известности в Европе.В 1955 году одновременно были представлены две обширные выставки в галерее Arts Council в Лондоне и в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Вид инсталляции Женщин Венеции 1956 в Альберто Джакометти в галерее Тейт Модерн
Collection Fondation Alberto et Annette Giacometti, Париж
© Alberto Giacometti Estate, ACS / DACS, 2017
Предоставлено Tate Photography

Комната седьмая

Египетские статуи обладают величием, гармонией линий и форм, совершенной техникой […] И насколько оживлены их головы, как будто они действительно смотрят или разговаривают.

В детстве Джакометти регулярно копировал изображения с репродукций из книг и журналов своего отца. Он никогда не терял этой привычки и продолжал получать огромное удовольствие, делая зарисовки в свои тетради, журналы или книги. Он испытывал непреходящее увлечение египетской скульптурой и использовал ее как источник для своего собственного искусства, о чем свидетельствуют работы в этой комнате.

В 1956 году Джакометти представлял Францию ​​на Венецианской биеннале. Он создал расширенную серию скульптур: Венецианских женщин, 1956.Величественные продолговатые обнаженные фигуры с ярко выраженными базовыми ступнями, высотой более метра, были выставлены вместе с работами, сделанными ранее в его карьере. Они не только напоминают об интересе Джакометти к египетским скульптурам, но и отражают его пожизненные поиски адекватного изображения женской формы. Здесь показаны восемь из девяти сохранившихся гипсовых работ Венецианской женщины. Оригинальные гипсовые работы, пять из которых были отреставрированы Фондом Альберто и Аннетт Джакометти в Париже специально для этой выставки, воссоединены впервые за шестьдесят лет.

Альберто Джакометти Человек указывает 1947 © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS 2017

Комната восемь

У меня есть чувство или надежда, что я делаю успехи каждый день. Это то, что заставляет меня работать, когда я вынужден понимать суть жизни.

Живопись доминировала в ранние годы Джакометти, но когда он переехал в Париж в 1922 году, он сосредоточился на скульптуре. После Второй мировой войны живопись снова стала важной частью его практики. В этом номере есть портреты матери художника, писателя Жана Жене и японского философа Исаку Янаихара. В детстве Джакометти часто служил образцом для своего отца. Работа в непосредственной близости от живой модели впоследствии стала для него самой большой проблемой.Он работал как по модели, так и по памяти, одержимо стремясь изобразить человеческое присутствие.

Фигуры, такие как Идущий мужчина 1947, Мужчина указывает 1947 и Высокая женщина 1958 демонстрируют стремление Джакометти запечатлеть движение, а также неподвижность. The Nose 1947 и The Hand 1947 сочетают в себе тонкую человеческую форму с мистическим и жестоким языком, напоминающим сюрреалистическую фазу Джакометти. Нос и Голова на стержне 1947 можно рассматривать в связи с интересом Джакометти к смерти и превращению живого тела в неподвижный труп.Джакометти часто вспоминал, как он был свидетелем смерти попутчика в молодом возрасте, которая травмировала его зрение:

Через несколько часов Ван М. превратился в объект. Ничего. Это, конечно, означало, что смерть может прийти в любой момент ко мне, к другим.

Альберто Джакометти Бюст Аннет VII 1962 Коллекция Fondation Alberto et Annette Giacometti, Париж (инв.1994-0246) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Альберто Джакометти Бюст Диего ок. Коллекция 1956 г., Фонд Альберто и Аннетт Джакометти, Париж (инв. 1994-0275) © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Комната девять

Диего позировал мне десять тысяч раз.Когда он позирует, я его не узнаю. […] Когда моя жена позирует мне, через три дня она перестает быть похожей на себя. Я ее просто не узнаю.

Личные отношения всегда были важны для Джакометти, а его моделями обычно были друзья или семья. Этот зал посвящен портретам самых значительных моделей Джакометти: его брата Диего и его жены Аннетт.

Джакометти контролировал настройку студии и противостоял своим натурщикам с расстояния примерно трех метров в длинных, интенсивных сеансах портретной живописи.Он внимательно изучил и повторно исследовал черты лица, обрамляя их шквалом линий и следов кисти, непрерывно раскрашивая, перекрашивая и перекрашивая, моделируя и переделывая свои работы. Джакометти редко довольствовался конечным результатом, утверждая, что произведениям не хватает «сходства». Скульптуры и картины Диего и Аннетт демонстрируют интенсивное наблюдение Джакометти за человеческим лицом и фигурой, сосредотачиваясь на глазах своего сидящего и отслеживая их движения, пытаясь воплотить его восприятие человека в реальность нового художественного образа.

Альберто Джакометти Четыре фигурки на подставке 1950-1965, отливка около 1965-6 Тейт © Alberto Giacometti Estate, ACS + DACS, 2017

Комната десять

Меня не волнует, будет ли выставка успешной или неудачной.… У меня нет просьб, просто лихорадочно действовать.

Последние десять лет своей жизни Джакометти был известным и хорошо оплачиваемым художником. Однако его образ жизни остался неизменным. Он носил простую одежду, часто заляпанную гипсом, и работал до поздней ночи. Проснувшись около полудня, он пообедал в соседнем кафе, а по ночам часто посещал бары и ночные клубы Сен-Жермен-де-Пре и Монпарнаса.

Один из самых важных персонажей поздних картин Джакометти — молодая женщина, известная как Кэролайн, которая привлекла его внимание, когда их пути пересеклись в ночном клубе.Между 1960 и 1965 годами Джакометти написал множество портретов своей любовницы.

В 1965 году галерея Тейт организовала комплексную ретроспективу работ Джакометти, которую курировал критик Дэвид Сильвестр. Во время инсталляции Джакометти устроил студию в подвале галереи, где продолжил работу над скульптурами для выставки. Среди них была гипсовая Четыре фигурки на подставке, бронзовая версия которой была приобретена Тейт вместе с другими скульптурами и двумя картинами.Джакометти написал директору Норману Риду:

Могу я еще раз сказать вам, насколько мне понравились мои визиты в Лондон и как я тронут и благодарен за то, что вы выбрали так много работ для галереи Тейт […] Я надеюсь приехать в Лондон весной следующего года.

Прежде чем отправиться в путешествие, Джакометти умер 11 января 1966 года в возрасте шестидесяти шести лет после многих лет хронического бронхита. Его искусство продолжает выставляться по всему миру, оказывая влияние и вдохновляя художников последующих поколений.

Джакометти идет в галерее Тейт Модерн с 10 мая по 10 сентября 2017 года

Забронировать сейчас

Культура Нок | Национальное географическое общество

Культура Нок была одним из самых ранних известных обществ Западной Африки. Он существовал на территории современной Нигерии примерно с 500 г. до н. Э. до 200 года н.э.Нок выращивал посевы и использовал железные орудия. Историки и археологи называют эту культуру культурой Нок, потому что артефакты были впервые обнаружены недалеко от современного нигерийского города Нок.Культура Нок известна своими уникальными терракотовыми скульптурами и ранней обработкой железа.

В 1943 году в Нигерии к археологу Бернарду Фаггу пришел посетитель и обратил его внимание на некоторые уникальные на вид артефакты, которые, как в конце концов определили Фагг и его коллеги, принадлежали к тогда еще неизвестной культуре, ныне известной как Нок. Эти артефакты в основном представляют собой терракотовые скульптуры человеческих голов, человеческих фигур и животных. Одна из отличительных черт скульптур Нока — треугольные или овальные глаза на человеческих лицах.Человеческие фигуры также часто имеют сложные прически. Обычно людей изображают сидящими, положив руки на колени.

Археологи проанализировали глину, которую люди Нока использовали в своих скульптурах, и обнаружили, что вся глина, вероятно, происходила из одного и того же источника, что позволяет предположить, что поставка контролировалась центральной властью. Скульптуры Нока были найдены на площади более 78000 квадратных километров (30 116 квадратных миль), что позволяет предположить, что эти художники, хотя и получали глину из центрального источника, были частью обширной цивилизации.

Еще одна важная особенность культуры Нок — использование железных технологий. Есть свидетельства того, что в этом регионе обрабатывали железо, по крайней мере, с четвертого века до нашей эры, а возможно, даже раньше. В деревне Таруга в Нигерии археологи обнаружили не менее 13 чугуноплавильных печей. Археологи также обнаружили другие железные артефакты из Нока, такие как сельскохозяйственные орудия и оружие. Однако, хотя у Нок определенно была технология выплавки железа, они также использовали каменные инструменты, а также металл, что говорит о том, что металлические материалы были редкостью и не получили широкого распространения.Ноки важны тем, что являются одной из очень немногих цивилизаций в мире, которые перешли от каменных инструментов прямо к железным инструментам, не научившись сначала делать медные или бронзовые инструменты.

Наследие людей Нок трудно определить из-за тайны их личности и происхождения. Некоторые считают, что искусство Нока повлияло на прекрасные изделия из металла народа Ифе, который позже жил в районе Нигерии. Люди Ифе (жившие примерно в 11, ^-е, — 15, ^-е, вв.E.) славились детализированными и реалистичными металлическими скульптурами человеческих голов. Однако до сих пор неясно, повлияли ли искусство Нока и обработка металла на более поздние африканские общества, такие как Ифе. Помимо того, что мы можем узнать из их терракотовых произведений искусства, большинство деталей культуры, общества и социальной организации Нок остаются неизвестными.

Кинематографические корни глины

• Кинематографические корни глины

Кирстен Лепор, Move Mountain , 2013.

Привет! Меня зовут Элисон, в этом году я стажер Гетти Марроу в AMOCA.Недавно я окончил Университет Чепмена со степенью бакалавра истории искусств и со степенью антропологии.

Хотя все формы кино и дизайна считаются искусством, я уникальным образом связываюсь с глиной, потому что уже несколько лет я работаю с глиной в качестве художественного средства. Изучив историю пластилирования в AMOCA, я совершенно по-новому уважал время и усилия, потраченные на создание пленок для пластилинга. Сотни глиняных выражений лица могут потребоваться для каждого персонажа в фильме, а съемка одной минуты отснятого материала может занять до недели.

Было интересно узнать и посмотреть, как глина использовалась в раннем кинопроизводстве из-за ее пластичности и анимационных возможностей. Один из самых ранних примеров глиняной обработки можно найти в короткометражном фильме Уоллеса Маккатчеона 1908 года под названием «Кошмар скульптора», в котором глина видна, как сама по себе трансформируется, образуя скульптуры бюстов кандидатов в президенты 1908 года. Одной из женщин-пионеров в кино и пластилинге была Хелена Смит Дрейтон, которая создала произведение короткометражек, в том числе «Ромео и Джульетту» 1917 года.Подобные короткометражные фильмы чрезвычайно важны, потому что они отражают некоторые из самых ранних методов кинопроизводства и анимации. Глина, в частности пластилиновая глина, оказалась идеальной средой для покадровой анимации, начиная с начала 20 века из-за ее пластичности, которая была необходима при расположении фигур между съемками.

В последние годы, когда керамика приобрела новую волну популярности, современные создатели глиняной глины, такие как Кирстен Лепор, приобрели известность.Лепор, выпускница Калифорнийского института искусств, известна своими шортами, которые очаровывают даже взрослых, не склонных к анимации, такими как «Привет, незнакомец» (2016) и «Move Mountain» (2013). Натали Джурберг и Ханс Берг — арт-дуэт мультимедийных и видеоинсталляций, которые использовали глину и глиняную лепку в качестве средств развития своего искусства. Джурберг импульсивно создает и снимает сцены, посвященные сексуальности и связанным с ней эмоциям, опираясь на поп-культуру, в то время как Берг сочиняет музыку для шорт.

Сейчас цифровая анимация лидирует в киноиндустрии из-за того, насколько быстрее этот процесс, но как стажер, исследующий пластилин, я могу признать и оценить фильмы, которые выбрали работу с глиной. В художественных фильмах с пластилином, таких как Коралина (2009) и Моя жизнь как кабачок (2015) (два моих любимых фильма!), Есть определенный уровень глубины и текстуры, которые часто теряются в цифровой анимации.Клеймация способна вызвать чувство детской ностальгии, потому что концепция работы с глиной или различными пластилинами так знакома детям. С появлением смартфонов создание коротких пластилинов становится еще более доступным, и это отличный способ экспериментировать с кинопроизводством, как это делали первые пионеры кино.

• Хелена Смит Дейтон фигурирует в журнале Popular Science Monthly (февраль 1917 г.) «Статуи, которые бегают, танцуют и дерутся»: 257.
• Кирстен Лепор, «Движение горы» (2013 г.)
• Кирстен Лепор, «Движение горы» (2013 г.) )
• Натали Джурберг и Ханс Берг, Это рай (2019).Покадровая анимация. Предоставлено художником и галереей Тани Бонакдар, Нью-Йорк / Лос-Анджелес.

Элисон Брандес — выпускница Университета Чепмена и стажер бакалавриата Гетти Марроу 2020 года в AMOCA. Во время стажировки Брандес периодически пишет для AMOCA.org, а по вторникам публикует сообщения в Instagram и Facebook. Прочтите ее сообщения в блоге:

анимированных воспоминаний — Европейский союз

Великая война: Анимированные воспоминания / Grande guerre: Mémoires animées

от нескольких режиссеров
9 короткометражных анимационных фильмов — Франция — 75 мин.
25 апреля | 7:00 п.м

Действие происходит на фронте, в окопах и под обстрелом, или за линией фронта, с помощью женских писем и воспоминаний старейшин или коллективной памяти, откройте для себя увлекательные, чувствительные и трогательные фильмы опытных режиссеров, которые повторно посещают эту катастрофу с современная перспектива.
Используя различные техники, такие как 3D-анимация, рисунок, вырезки из бумаги, живопись или пластилин, режиссеры приглашают нас в свой воображаемый мир и еще раз демонстрируют богатство и энергию современных анимационных произведений.

La Détente , Пьер Дюко, Бертран Бей (Франция, 2011 г., 8 мин. 30)
1916 , Фабьен Бедуель (Франция, 2003 г., 7 мин. 40)
Поппи , Джеймс Каннигам (Новая Зеландия, 2009 г., 10 мин. 54)
Fire Waltz / Toile de Front , Marc Ménager (Франция, 2011, 5 мин 46)
The Trenches / La Tranchée , Claude Cloutier (Канада, 2010, 6 мин 55)
Lettres de femmes , Augusto Zanovello (Франция, 2013, 11 мин 25) )
Le jour de gloire , Bruno Collet (Франция, 2007, 6 мин. 30)
So close / De si après , Rémi Durin (Франция / Бельгия, 2009, 13 мин)
Trois petits points , Rémy Schaepman, Люкрес Андре, Алиса Дьедонне, Флориан Попугай, Трейси Новосин, Орнели Приуль (Франция, 2010, 3мин32)

Не рекомендуется детям до 12 лет.

Зарегистрируйтесь здесь

Представлено Культурной службой посольства Франции при поддержке Французской миссии столетней давности Премьер Герра Мондиаля, ответственной за празднование столетия Первой мировой войны во Франции. Эта программа одобрена Комиссией США по празднованию столетия Первой мировой войны в качестве памятного партнера, который признает приверженность обществу по вопросам Первой мировой войны и чествует тех, кто служил.

Эта серия стала возможной благодаря щедрой поддержке TV5 Monde и Французско-американского культурного фонда.

Magic, War and Plasticine Gore — Объявлен конкурс полнометражных фильмов OIAF

02 сент.2015 г. | Анонсы и обновления Новости фестиваля Анонсы и обзоры

WireService.ca Медиа-релиз (09.02.2015) ОТТАВА, ON — Международный фестиваль анимации в Оттаве (OIAF), ведущий фестиваль анимационных фильмов в Северной Америке, рад объявить об официальном отборе фильмов, претендующих на Гран-при в категории «Лучший». Анимационный фильм на фестивале этого года, который пройдет с 16 по 20 сентября.В этом году выбраны фильмы, снятые в США, Южной Корее, Румынии, Франции, Польше и Испании.

Всегда уделяя особое внимание резкости и независимости, команда программистов OIAF отбирает самые интересные, оригинальные анимационные фильмы со всего мира для показа на соревнованиях. Четыре (4) полнометражных фильма составляют официальную выборку этого года: La Montagne Magique, (Волшебная гора) , Pos Eso (Posolated) , Adama и Over The Garden Wall .

«Удивительно наблюдать за продолжающейся эволюцией и развитием художественной анимации, — говорит Крис Робинсон, художественный руководитель OIAF. «Такие фильмы, как Волшебная гора и Адама затрагивают сложные политические и исторические темы, но и делают это с использованием интригующего сочетания приемов. И даже более традиционные семейные ярмарки, такие как Poshibited и Over the Garden Wall , приближаются к жанрам с оригинальностью и разнообразием, которые редко можно увидеть в художественном мире.”

Конкурс открывается с La Montagne Magique (Волшебная гора) , среда, 16 сентября в 19:00. От режиссера Анки Дамиана ( Crulic — The Path to Beyond , 2011) Mountain — это анимационная документальная драма из Румынии, Франции и Польши. В нем рассказывается правдивая история Адама Яцека Винклера, польского беженца, бежавшего в Париж в 1960-х годах, а затем отправившегося на войну в Афганистане. Мотивированный изменением политического климата, авантюрная жизнь Винклера радикально изменилась в 1980-х годах, когда он покидает Францию, чтобы вместе с командующим Масудом сражаться против Советского Союза на афганском склоне гор. Mountain представляет собой заключительный разговор между Винклером и его дочерью Анией, и ему рассказывается более 87 беспокойных минут о технике и стиле. Презентация The Magic Mountain на бис состоится 19 сентября.

Волшебная гора следует за глиняной анимационной комедией ужасов Сэма Орти Pos Eso (Одержимость) в 11:00 в четверг, 17 сентября, и снова в 17:00. в субботу, 19 сентября. Часть Excorcist , часть Охотники за привидениями , Одержимые следует за подавленной Трини, всемирно известной танцовщицей фламенко, которая покинула сцену после смерти своего мужа и чей 8-летний сын, Дамиан, поворачивает к бунтарскому поведению, которого не может объяснить ни один врач.Единственное возможное объяснение — он одержим злым дьяволом, который заставляет его совершать самые кровавые и жестокие преступления. Из Испании Poshibited пробегают чуть более 82 минут. Это премьера в Онтарио.

В четверг, 17 сентября, в 19:00. а в субботу, 19 сентября, в 21:15 зрители смогут впервые в Северной Америке увидеть новаторские, сказочные визуальные стили Adama , дебютного полнометражного фильма французского писателя и режиссера Симона Руби. Соединяя темы духовности и общности с политическими и личными реалиями войны, Adama — это мощная история о 12-летнем герое с одноименным именем и его решении покинуть отдаленную западноафриканскую деревню, в которой он вырос, чтобы найти пропавшего старшего. брат Самба.За пределами деревни Адама путешествует по раздираемой войной Европе в ад на передовой, чтобы освободить Самбу, любовь к которой ведет его по неожиданным тропам в этом судьбоносном путешествии вдали от дома.

Официальное закрытие соревнований в пятницу 18 сентября в 19:00 и субботу 19 сентября в 15:00. это получивший признание критиков мини-сериал Over The Garden Wall (США, Южная Корея), в котором задействованы Элайджа Вуд, Кристофер Ллойд, Ширли Джонс, Джон Клиз и Тим Карри.Режиссер Патрик Макхейл, (Время приключений), Over The Garden Wall — это классическая приключенческая сказка о двух молодых братьях, Вирте и Греге, которые потерялись в странном лесу. С помощью синей птицы по имени Беатрис и безымянной лягушки Брет и Вирт путешествуют по волшебной стране одетых животных и танцующих тыкв по пути домой, пока их не настигает таинственный зверь. Ранее в этом году Over The Garden Wall был номинирован на премию Emmy® в категории «Выдающаяся анимационная программа.”

Все художественные фильмы будут представлены в историческом кинотеатре ByTowne Cinema (325 Rideau Street), главной городской площадке независимых и зарубежных фильмов. Входной билет начинается от 13 долларов для широкой публики или 9 долларов для детей, пожилых людей и членов Канадского института кино. Билеты и абонементы на фестиваль доступны на сайте www.animationfestival.ca.

** Режиссеры Сэм Орти (Одержимый) и Патрик Макхейл (За стеной сада) будут присутствовать на показах своих фильмов.**

Для получения дополнительной информации посетите animationfestival.ca или загрузите официальное приложение OIAF для получения последних обновлений и информации.

Международный фестиваль анимации в Оттаве

Международный фестиваль анимации в Оттаве (OIAF) — одно из ведущих анимационных мероприятий в мире, предлагающее показы, выставки, семинары и развлечения с 1976 года. OIAF — это ежегодное пятидневное мероприятие, объединяющее искусство и промышленность в оживленном центре и привлекающее более 28000 человек. художники, продюсеры, студенты и любители анимации со всего мира.В этом году OIAF проходит с 16 по 20 сентября. Для получения дополнительной информации посетите веб-сайт OIAF: www.