Отличия классицизма от барокко: Страница не найдена — IntHi

Классические стили в интерьере: история, архитектура, отличия, обстановка

Как мог бы жить античный мыслитель,в какой обстановке размышлял над своими великими планами Наполеон, можно ли почувствовать себя особой королевской крови в собственном доме? Для этого существуют стили барокко, рококо, классицизм: разберемся, в чем отличия.

Исторические стили интерьера — те, которые формировались веками и сохранили свою актуальность. К ним относятся: античный, романский, ренессанс готика, классицизм, ампир, барокко и рококо, эклектика. Последнее предполагает обдуманное объединение разных стилей в обстановке.

Подробнее об этом: Эклектика в интерьере: неповторимый и удивительный дизайн квартиры.

Барокко, рококо, классицизм, ампир — взаимодействующие стили. У каждого из них есть свои особенности. Первый стиль — контрастный, масштабный и пышный. Рококо — легкий, воздушный стиль в светлых тонах. В классицизме используются четкие и простые формы, в сравнении с другими стилями более строг и функционален ампир.

Барокко и рококо: разница между ними

Барокко симметричен. Его цветовая палитра варьируется от светлой до темной и насыщенной. Рококо строится на асимметрии. Цвета этого стиля отличаются плавностью переходов. Первый поражает объемом и масштабностью, второй делает акцент на деталях. Таковы отличия барокко и рококо в самых общих чертах. 

Barocco (ит. “неправильный”, “причудливый”) появился под конец XVI века. Родоначальником стиля считается Микеланджело. Пример в архитектуре: библиотека Лауренциана. Барокко в России — Зимний дворец.

Библиотека Медичи Лауренциана, читальный зал. Архитектор Микеланджело

Рококо зародился во Франции восемнадцатого столетия, преимущественно как интерьерный стиль. Его название — от “rocaille”, ракушка, или “рокайль”. Стал популярным по всей Европе, как более домашний и уютный, в противовес парадному барокко.

Классика и “вычурная жемчужина”

Классицизм появился в начале семнадцатого века: в 1755 году были открыты Помпеи.

Стиль стал возвращением к античным идеалам. В архитектуре его прославил Р. Адам, британский архитектор. В стиле неоклассики выполнен этот замок

Кедлстон-холл, Лондон, Англия (1765-1770). Архитектор Р.Адамс

В сравнении классицизм — это баланс и единство деталей, сдержанный декор. Так, в интерьере классической спальни наблюдается симметрия и гармония. 

Барокко направлен к роскоши и театральности, поэтому его сравнивают с жемчужиной фантастической формы. В целом вся барочная мода создавала определенную иллюзию как в обычной жизни, так и в искусстве. Композиторы и писатели периода работали по принципу “жизнь есть сон”. Это же проявилось и в интерьерах.

Имперская роскошь ампира 

Ампир — это конец XVIII столетия. Стил был сформирован Жаном Луи Давидом: для прославления и укрепления авторитета Наполеона. Поэтому стиль называется имперским. Если кратко, его отличает элегантность с большой буквы. В России распространился, как русский ампир, в 19-м столетии.

Можно сказать, что рококо — женский стиль, ампир — мужской, а барокко — королевский. 

Выбор из классических стилей: кто и почему

Классику обычно выбирают уравновешенные люди, которые хорошо знают, чего хотят. Они ценят удобство и красоту. У них отличный вкус и богатый жизненный опыт, когда не нужно что-то доказывать, а можно просто жить в свое удовольствие. Пример такого интерьера: столовая знаменитого модельера Валентина Юдашкина. 

Безупречная классика

Валентин Юдашкин в обстановке благородного классицизма

Столовая модельера оформлена в сдержанных пастельных тонах. Центральное место в помещении занимает большой круглый стол, за которым семья встречает праздники. Шторы и тюль бежевой расцветки делают пространство по-домашнему теплым и уютным. По классическому канону подобраны золотистые рамы для картин, изящная люстра с канделябрами. Мебель — белого цвета. Такая палитра гармонирует с остальными предметами. Такую эффектную комнату обустроить достаточно просто, следуя подсказке о том, как оформить кухню в неоклассическом стиле.

Барочная сказка на века

Барокко — это прежде всего статус. Желание поразить воображение. Его чаще всего выбирают люди, которым не хватает сказки в реальности. Личности яркие, необычные, талантливые. Часто — деятели искусств, артисты. В стиле испанского барокко выполнен дом известной исполнительницы и актрисы Бейонсе. Интерьер на фото:

Одна из спален в особняке Бейонсе

Элементы барокко в этом помещении — ниспадающие до пола шторы с ламбрекенами, богатая кровать с высокой спинкой, комод с ножками, стилизованными под звериные лапы. Хрустальная осовремененная люстра на потолке, бра на стенах. В целом комната выглядит и торжественно, и сдержанно. Можно сказать, что такое решение — микс барокко и классики.

Ракушка среди сокровищ

Стиль рококо выбирают в основном женщины. Личности мечтательные, экстравагантные. Люди, которые не боятся идти на риск. В манхэттенской квартире эпатажного дизайнера Айрис Апфель органично сочетаются восточные ткани, французские стулья, консоли барокко и китайские мотивы.  

Акцент в интерьере Айрис сделан на детали, которых — множество. Такие приметы стиля позволяют назвать его эклектичным рококо.

Интересно: совершенно новым декоративным элементом рококо стали аквариумы с рыбками, деревья, растущие прямо в помещении.

Гостиная дизайнера Айрис Апфель, стиль рококо

Интерьер дома Стаса Михайлова, “Пока все дома”

Ампир — достаточно трудоемкий по воплощению. Он требует простора во всех смыслах и в чистом виде встречается редко. Чаще его можно узнать по декору, отдельным предметам мебели. Стиль выбирают люди успешные, самолюбивые. Об их достижениях знает общество. 

Помещения в разных стилях: обстановка и декор

а) Гостиная барокко 

Убранство комнаты предполагает, что стены редко бывают гладкими: их украшают бордюрами, колоннами, виньетками, прочим архитектурным декором. Потолок — многоуровневый. Оформляется росписью, лепниной. На полу можно постелить ковер с затейливым узором, можно оставить блестящий паркет не закрытым.  

Меблировка — витые линии, золоченые ножки, выгнутые спинки. Столы, комоды, консоли с резьбой и богатыми накладками. Акцентом в гостиной можно сделать камин. Текстиль и декор: шелк, атлас, пейзажи, скульптуры, часы, обилие зеркал. Освещение: хрустальная массивная люстра, канделябры с подвесами, торшеры, настольные лампы.

Мебель и декор гостиной в стиле барокко

b) Спальни и детские

Стены оформляют штукатуркой с золоченым орнаментом, багетным молдингом. Потолок обычно белый, с отделкой, как и в гостиной. Кровать занимает центральное место в интерьере, делается из дерева дорогих пород, с богатым изголовьем и ножками. Постель декорируют подвесным балдахином, пологом. Мебель, украшенная резьбой, размещается симметрично. Текстиль — дорогие ткани, совпадающие по фактуре с остальным гарнитуром. Обязательные предметы интерьера: софа, объемное кресло, пуфы,резные скамьи, большое овальное или круглое зеркало в затейливой раме. 

Оформление детской в стиле барокко

Спальня в стиле барокко в одной из частных квартир

c) Кухня

Потолок кухонь и столовых барокко украшается цветочным орнаментом.

Окна и двустворчатые двери могут быть отделаны резьбой. Предметы обстановки повторяют архитектурные формы, свойственные стилю. Корпусную мебель дополняют массивные столы с мраморной столешницей, высокие стулья с мягкой спинкой и сиденьем.

Кухня в стиле барокко. Мебель, отделка, освещение

d) Прихожая 

Здесь главное создать впечатление пространства в небольшом помещении. Чаще всего — с помощью зеркал, предметов обстановки.В качестве подставки для зонтов можно использовать напольную вазу с широкой горловиной. Помещение может быть ограничено в размерах, но в рамках стиля будет казаться величественным, как во дворце. Мебели в помещении обычно немного: 

• шкаф,
• вешалка, 
• подзеркальный столик, 
• банкетки либо пуфики у стен.

Интерьер прихожей в стиле барокко

Эффект достигается за счет зеркал, колоновидных панелей, массивных накладок и декора.

e) Ванная комната

Для отделки ванных комнат используют светлые оттенки – шампань, слоновая кость, белый с перламутром, в сочетании с черным, золотым, бронзовым, бордовым, коричневым. В центре комнаты либо у стены находится просторная ванна на стилизованных ножках, с позолоченной фурнитурой.

Оформление ванной комнаты в стиле барокко

a) Гостиная рококо

В ней должно быть много простора и света. Мебель образует единую композицию. Уместны роскошные драпировки на окнах. Пол — мраморный или паркет. Цвета лучше использовать пастельные: белый, розовый, фисташковый, бежевый. Текстиль: шторы и обивка могут быть из жаккардовой ткани с бархатными и золотыми вставками, парчи, шелка. Цвет штор подбирают в тон к обоям. Картины размещают  асимметрично, пуфы и диванные подушки могут быть оформлены сюжетной вышивкой.

Мебель, текстиль и декор гостиной рококо

b) Спальни и детские комнаты

В них используют обои пастельных оттенков. Шторы — многоуровневые. Завесами оформляются и кровати — элегантного дизайна, сдержанных цветов. Обязателен туалетный столик, много зеркал, безделушки. Кроватку в детской закрывают балдахином, комнату не перегружают декором: ребенку он просто ни к чему.

Лучше поставить мягкую, уютную мебель, живописно расположить игрушки.

Мебель, текстиль и освещение в спальне стиля рококо

Обстановка, текстиль и декор в детской спальне рококо

c) Кухня и столовая

Для частных домов также важен достаточный размер помещения. Стены, потолок и пол на кухне выполняются в светлых тонах. Преобладающая палитра:молочный, жемчужный, кремовый, лавандовый. Освещение: изысканная люстра со свечами.  Кухонный гарнитур выбирается округлой формы без острых углов.Он может быть орнаментированным.

Кухня рококо: столешница, стулья, декор поверхностей, освещение

d) Прихожая 

В этом стиле оформляется редко: из-за того, что он рассчитан на интимность и более уместен во внутренних, частных помещениях. Для придания прихожей легкомысленной рокайльной атмосферы можно использовать аксессуары: статуэтки, ангелочки, вазочки, часы, пасторальные сюжеты. 

e) Ванная

Ванная этого стиля оформляется керамической или мраморной плиткой. Зеркала можно заключить в рамки-ракушки с росписью. Источники света должны быть защищены от влаги. 

Ванная комната рококо: ванна, комод, стул, декоративные этажерки

Классицизм  

a) Гостиная

 Стены классической гостиной оклеивают обоями с растительным орнаментом. В современных условиях допустимо сочетать штукатурку с драпировкой, деревянными либо зеркальными вставками. Картины и бра на стенах располагают по периметру комнаты. Композиция стиля может быть представлена диваном, парой кресел, оттоманкой или кушеткой. Цвет столов и поверхностей подбирают на пару тонов светлее или темнее обивки. Допускается камин — оригинальный или электрический. 

Гостиная стиля классицизм. Освещение, меблировка, текстиль

b) Спальня, детская

Центр спальни — кровать. Без балдахина, но роскошно убранная. Выбирайте богатое покрывало, подушки, чтобы получилась благородная изысканность. По обе стороны от кровати симметрично размещают прикроватные тумбочки. На них можно поставить невысокие лампы-торшеры. У изножья постели ставят скамеечку, обитую шелковой тканью. У изголовья можно повесить гобелен. Окна декорируют светлыми тяжелыми шторами. Детская оформляется аналогично: по правилам симметрии, без лишней мебели и акцентов. Цвета — белый, слоновая кость, бежевый.

Спальня стиля классицизм. Обстановка, текстиль, освещение, декор

с) Кухня, столовая

Для отделки пола кухни в классическом стиле используют крупный кафель, похожий на деревянный паркет. Оттенок подбирают натуральный, в коричневых тонах.. 

Важно: Кухонный гарнитур также подчиняется правилу “две стороны от центра”.

Наружная сторона мебели украшается лепниной, молдингами, пилястрами. Стены окрашиваются или обиваются винилом, имитирующим волокнистый текстиль. Обеденную зону оформляют легким  белым столом, стульями с перламутровой обивкой. Кухня столовая в современном стиле — более функциональна, оформляется по общим принципам классики. В таком интерьере хорошо смотрится лаконичная люстра Cassiel.

Современная столовая в классическом стиле. Обстановка, текстиль, освещение.

d) Прихожая

В классической прихожей используются светлые тона: молочный, белый, кремовый, бежевый. Так как коридор обычно — вытянутой формы, его можно зрительно  расширить за счет сочетания однотонной отделки снизу и тканевых обоев сверху. Границу двух разных фактур следует подчеркнуть. Современный шкаф-купе впишется в интерьер, если его поверхности украсить лепниной или резьбой. Используйте зеркала. Освещение: развешивают парные бра, симметрично расположенные на противоположных стенах.

Классическая прихожая: варианты, текстиль освещение, мебель

e) Ванная

Отделка классической ванной — керамическая плитка в зеленых тонах, пол и стены оливкового цвета. Раковина прячется в тумбу фисташкового тона. На стене вешают овальное зеркало в строгой раме. По обе стороны от него устанавливают четыре парных бра с двумя лампочками. Декор —  цветочный орнамент белого и зеленого цветов. Ванну ставят классической формы, на гнутых ножках. Закрывают ее шторами одного с тумбой цвета. Разбавляют палитру сочетаниями темно-коричневого и молочного цветов в других предметах обстановки. Можно оформить и таким образом:

Ванная комната в классическом стиле. Зеленые тона, плитка, зеркало, светильники, декоративная колонна, арка

Ампир: отдельные комнаты в общем стиле

a) Гостиная

В гостиной этого стиля чаще всего применяется зонирование: колоннами либо гипсовыми постаментами, которые чередуются с большими зеркалами-псише. Предметы должны быть расположены симметрично. Стены окрашивают насыщенным тоном или оклеивают тканевыми обоями. Бело-кремовый потолок декорируется лепниной и фресками вокруг хрустальной подвесной люстры. Либо — нескольких. Пол — паркетный или плиточный. Он может быть покрыт шерстяным ковром темного оттенка. 

Акцент делается на мебель:узкие серванты, трельяжи, комоды. Спинки диванов и кресел напоминают по форме лиру. Резные ножки стульев и низких столиков повторяют очертания римских колонн, пилястр,сфинксов, львиных лап. Антикварные предметы интерьера дополняют композицию: лакированные рамы для картин и зеркал, темный ковер из толстой шерсти.

Гостиная в стиле ампир. Потолок, мебель, текстиль, декор

b) Спальни и детские

Спальни и детские комнаты в стиле ампир отличаются неброской роскошью. Золотой и молочно-кофейный, фиолетовый цвет используют для стен. Они могут быть украшены растительным орнаментом. Пол — паркетный. Центральным элементом интерьера является большая кровать с изогнутыми спинкой и подножьем. Она декорируется подвесным балдахином или ламбрекеном, рамами на каркасе. Вокруг расставляют широкие пуфы или диванчики. Мягкая мебель обтягивается дорогой тканью, ее внешняя сторона отделана бронзой или золотом. В спальне обязательны туалетный столик и комоды. Наиболее яркое освещение делается на входе, дополнительное — около туалетного столика, настольные лампы или бра размещаются около кровати.  

Комната для сна в стиле ампир. Бежевые тона,зеркало, торшеры, текстиль, тумбы, комод, пуф, кресло, скамеечка у изножья кровати.

В детской стиля ампир кровать тоже — императорского стиля, с балдахином. Текстиль: роскошные шторы, покрывала, подушки и валики, отделанные кистями и бахромой.

Детская в стиле ампир. Фиолетовые тона, пышная кровать, комод, шкаф. текстиль и декор

c) Кухня, столовая

Кухни-столовые в стиле ампир оформляются светлыми бежево-молочными тонами, с более темными вставками. На стенах — текстильные обои или венецианская штукатурка.Пол покрывается плиткой или кафелем. Для освещения выбирают хрустальные люстры и бронзовые бра в количестве, которое кратно двум. Мебель подбирается по преимуществу темных контрастных оттенков. Это — кресла и стулья с высокой спинкой, их современным акцентом может быть оригинальный принт.. 

Ставятся высокий обеденный стол, шкафы и комоды. Фасад кухонного гарнитура может быть стеклянным или резным.

Кухня-столовая в стиле ампир. Потолок, колонны, гарнитур, освещение, декор

e) Ванная 

Стиль ванной комнаты “ампир” создается сочетанием белого и золотого цветов. Зонирование помещения выполняется при помощи  красного или густо -коричневого оттенков. Используются зеркала с симметричными канделябрами.

Кухня-столовая в стиле ампир. Потолок, колонны, гарнитур, освещение, декор

Заключение

Подводя итог, можно сказать, что классические стили — в буквальном смысле дорогое удовольствие. Но оно того стоит. Выбрав любой из подходящих, можно «погулять» по эпохам, создать игривое настроение, ощутить себя королевой или императором. Каждый стиль — это сцена, на которой можно воплотить свои самые сказочные фантазии. Творите, применяя лучшее из описанного в статье — пусть ваше жилое пространство будет неповторимым и самым красивым.

Таблица стилей: отличия

Параметры	Барокко	Рококо	Классицизм	Ампир
Отделка стен	Декоративная штукатурка; отделка парчой; панели из красного дерева; текстильные обои; фрески ; мозаика керамическая плитка с имитацией ткани, штукатурки, дерева; декорирование позолоченной лепниной	Тканевые обои; покраска глянцевой краской; отделка шелком или глянцевой тканью; деревянные резные панели; настенная живопись; керамическая плитка с имитацией тканей, покраски, дерева;  обои с имитацией ткани; лепнина	Фрески;  окрашивание в пастельные тона; декорирование текстилем — драпировка одной стены; растительные мотивы	Окрашивание матовой светлой краской; накладные колонны, молдинги; лепнина; зеркальные простенки; позолота; гобелены; роспись;
Отделка потолков	Фрески; объемные художественные полотна; натяжные потолки с художественной росписью; рельефная позолоченная лепнина	Окрашивание в белый или небесно-голубой цвет; художественная роспись; натяжные потолки с художественной росписью; рельефная лепнина (позолоченная или белая)	Сдержанная лепнина; матовый цвет; строгий орнамент	Окрашивание в белый цвет; прямая или купольная форма; роспись с античными мотивам; позолота
Отделка полов	Мрамор; художественный паркет; керамическая плитка с имитацией мрамор; дерево	Узорный паркет; мрамор; керамическая плитка под дерево и мрамор	Паркет-мозаика с рисунком из подобранных пород светлого дерева	Паркет  с симметричным узором от центра; разные породы дерева
Материалы	Ценные породы дерева; ценные металлы; мрамор	Дорогая древесина; мрамор; керамика	Дерево; камень; мрамор; золото; бронза	дерево; металл; , натуральные камни
Цвета	Светлые теплые тона — белый, бежевый, кремовый, песочные оттенки, карамельный; насыщенные темные – синий, бордо, шоколадный, горчичный; прохладные серебристые оттенки – жемчужный, перламутровый; золотой	Преобладают пастельные тона; распространены сочетания белого с розовым, голубым или зеленым;  используют золотой, перламутровый, жемчужный, лиловый оттенки	Белый, зеленый, розовый, голубой, пурпурный с золотыми акцентами; дополняются желтыми и лиловыми оттенками	Белый; винный; синий; бежевый; золотой
Мебель	Из ценных пород дерева, массивная, под старину, с богатой отделкой;  мягкая мебель; антикварная	Позолоченная деревянная мебель с резьбой; мягкая мебель; Антикварные предметы	Из дерева  вишня, орех, липа, оттеняется накладками из дорогого камня, бронзы, вставками из фарфора и фаянса, неброским цветочным орнаментом и античными сюжетами, резьбой с позолотой; столы и стулья выбираются с ножками — в виде сужающихся к низу колонн. Основу  мебели декорируют мозаикой – маркетри:(инкрустация из кусочков шпона разных пород дерева	Натуральное дерево; сдержанный узор; позолота и золотое шитье; античные мотивы
Текстиль	Натуральные бархат; парча; атлас; шелк	Шелк; атлас; парча	Шелк; хлопок; атлас; тафта; с жаккардовым орнаментом; вуаль; органза	Шелк; бархат; сатин; батист
Освещение	Паникадила — люстры из хрусталя; светильники; Торшеры; свечи	Люстры с лампочками в виде свечек и хрустальными подвесками; настенные бра в форме морских раковин или чаш; свечи	Большие хрустальные или из дорогого камня люстры, плафоны обтянуты тканью или выполнены  в форме свечей, с бронзовой или позолоченной фурнитурой. Настенные бра подбираются под стиль люстры	Хрустальные и стеклянные люстры, бра. Бронзовые, медные и серебряные светильники

фотографии роскошных гостиных и полезные советы с практическими рекомендациями по оформлению зала — Cтроительство загородных домов, благоустройство территории, заборы, ворота

Сколь стремительно не изменялся бы мир, классика в искусстве, музыке, одежде и интерьере всегда остается в моде. Грациозность и плавность, роскошность и выдержанность доставляют эстетическое удовольствие во все времена. Сегодня речь пойдет о двух схожих и в то же время отличных стилях интерьера гостиной – барокко и рококо.

Различия между барокко и рококо

Барокко как стиль живописи, литературы и архитектуры появился в Европе в начале 17 века, сменив собой искусство эпохи Возрождения. Он существовал и развивался параллельно с классицизмом и в противовес ему. Рококо же, по сути, стал продолжением барокко, и реализовался, преимущественно, во внутреннем убранстве замков.

Далее мы расскажем более подробно о гостиных в стиле рококо и барокко. Тем более, что они хоть и являются «старинными» стилями, сегодня находятся на пике популярности.

Белая гостиная  в стиле рококо

Особенности интерьеров

В барочных интерьерах во всем чувствуется размах.

• Помещения – просторные с высокими потолками, украшенными лепниной.
• На стенах – живопись, тяжелые золоченые рамы с зеркалами, в комнатах – массивная мебель с причудливыми ножками, широкие кровати с балдахинами, на окнах – тяжелые шторы из дорогих материй. Все это выполнено в сочных, преимущественно темных тонах.
• В фаворе контрасты и игра со светотенью.

В рококо причудливость сохраняется, но масштабы мельчают.

• Отдается предпочтение небольшим, светлым и уютным комнатам.
• Резьба становиться тоньше, материалы – проще.
• В качестве покрытия стен теперь используется дерево и текстиль.
• Контрастность испаряется, а все детали интерьера сливаются в один сюжет.
• На полах появляются ковры, входит в моду цветной паркет.
• Атмосфера становиться легче. Темные, мрачные цвета исчезают, уступая место светлым, пастельным тонам.
• Легче становится мебель. На смену статуям приходят статуэтки.

Современная гостиная  в стиле барокко

Как отличить друг от друга

Рококо, появившись позже, стал приемником барокко, унаследовав, но значительно смягчив его черты и уменьшив масштабы. Для наглядности подаем основные характеристики данных стилей в таблице.

Сравнительная таблица стилей барокко и рококо

Барокко в интерьере зала

В наше время интерьеры барокко в чистом виде представлены, пожалуй, в старинных дворцах, ставших сейчас музеями. Стилизацию же не редко можно встретить и в современных домах и квартирах. Разумеется, со временем в этот стиль были привнесены некоторые новшества, но основная концепция сохранилась.

Следующее видео поможет вам разобраться в особенностях оформления комнаты в стиле барокко:

Особенности стиля гостиной

Главными особенностями барокко, сохранившимися и в его современной версии, являются роскошь, масштабность и помпезность. Осуществить эти заветы можно лишь в просторной гостиной с высокими потолками, позволяющими повесить один из основных элементов барочного декора – громоздкую, вычурную позолоченную люстру.

Специалисты отмечают, что лучше всего барокко подходит для оформления спальни, поскольку в этом стиле огромное значение уделяется богатому убранству широких кроватей с балдахинами. Однако применимы барочные приемы и в гостиной.

Обязательными элементами интерьера являются тяжелые шторы, выполненные из дорогой материи насыщенных темных цветов, лепной потолок, паркет на полу, золоченые рамы, тяжелая темная мебель с гнутыми ножками и уже упомянутая люстра.

Фото интерьера гостиной в стиле барокко

Мебель

Поскольку колонны и лепнину на потолке в интерьерах современных жилых помещений реализовать удается не всегда, главный акцент в гостиной барокко переносится на мебель.

Итак, к предметам мебели  в гостиную в стиле барокко выдвигаются следующие требования:

• Она должна быть крупной, тяжелой и помпезной. Кресла и диваны должны быть мягкими и удобными;
• Выбирайте темные насыщенные тона. Наиболее правдоподобно будет смотреться малиновая, красная, золотая обивка. Узоры на ткани должны быть причудливыми и витиеватыми;
• Один из ключевых моментов – изогнутые, фигурные, резные ножки;
• Подлокотники кресел и поверхности столов и комодов должны быть глянцевыми: лакированными или позолоченными;
• В зале должны присутствовать разные виды мебели: тумбы, кресла, пуфы, этажерки, комоды, диваны и пр.

Следующее видео ознакомит вас с примерами мебели как для барокко, так и для рококо:

Материалы

Сразу стоит оговориться, гостиная в стиле барокко – удовольствие не из дешевых. Для создания подобного интерьера используются только качественные дорогие и, желательно, натуральные материалы:

• мрамор,
• слоновая кость,
• элитные сорта дерева (дуб, красное дерево),
• драгоценные металлы.

Конечно же, можно использовать и пластик, имитирующий дерево, но если цветовую гамму и формы воспроизвести таким способом не сложно, то массивности добиться явно не удастся.

Не стоит, также, забывать о текстиле. Гостиная барокко немыслима без штор и гобеленов из дорогих и тяжелых тканей: бархата, атласа, парчи и шелка. Шика добавят кисточки, драпировки, золотистая бахрома.

Роскошное барокко в оформлении зала

Приемы оформления

Итак, чтобы добиться эффекта барочной гостиной, следует на всех этапах оформления комнаты соблюдать установленные данным стилем принципы.

• В отделке стен – это лепнина и украшения в виде живописи и зеркал в массивных рамах. Пол уместнее всего покрыть паркетом.
• Не забывайте, однако, что все детали интерьера должны сочетаться. Украшений должно быть много, но все они должны выглядеть естественно, иначе гостиная из парадной комнаты превратится в хранилище раритетных вещей.

Фото дизайна гостиной в стиле барокко

Рококо в интерьере зала

Если Вы не любите темные тона, громоздкую мебель и слишком уж пафосные архитектурные элементы, типа лепнины и колонн, но хотите окружить себя роскошью, элементы дизайна в стиле рококо придутся Вам по вкусу.

Особенности оформления гостиной

Зал в стиле рококо будет выглядеть роскошно, но более уютно. Здесь вы не найдете ничего массивного и тяжелого. Отсутствуют в такой обстановке и контрасты. Светлые, пастельные тона (голубой, фисташковый, кремовый, бледно-розовый, белый) плавно перетекают друг в друга, собираясь в одну, довольно легкую и идиллическую картинку.

Гостиная рококо ассоциируется не с официальным, торжественным приемом, как это бывает в случае с барокко, а со встречей в кругу равных. Интерьер не подавляет гостя своей помпезностью, а дает почувствовать ему, что он пришел к уважаемому человеку, изящному и обладающему тонким вкусом.

Главную роль в интерьере рококо играют детали. Нельзя помыслить себе, чтобы в таком зале не было фигурных статуэток, различных вазочек, декоративной посуды, драпировок, занавесок, всевозможных светильников и прочих изящных украшений.

Узнать стиль барокко получше вам поможет следующий видеосюжет:

Мебель

Основным отличием мебели рококо является отсутствие прямых линий. Все, от кровати до комода, становиться витиеватым и извилистым, не зря ведь название этого стиля переводится как «раковина».

Предметы гарнитура украшаются резьбой и бронзовыми накладками, покрывающими тщательно отполированную и лакированную цветную поверхность.  Важно, также, чтобы вся мебель представляла собой единый ансамбль, а незаконченная линия одной вещи находила продолжение в контурах другой.

Особую пикантность и интимность придают интерьеру рококо предметы мебели, считающиеся исключительно женскими: картоньерки, секретеры на высоких и, конечно же, резных ножках, мягкие низкие пуфы, туалетные столики и прочие атрибуты кокетливой хозяйки.

Поскольку цель стиля рококо – создание комфортного для хозяев интерьера, даже гостиная не обходится без мягкой и удобной софы.

Современное «готическое» рококо

Материалы

• В качестве обивки и украшений для мебели, а также для пошива штор и драпировок в рококо, как и в барокко, используются достаточно дорогие материалы: красное дерево, бронза, бархат, атлас, парча и т.д.
• Отлично вписывается в подобный интерьер мраморный камин.
• Кроме того, особую ценность в рококо имеет китайский фарфор, из которого изготавливаются изысканные вазочки и декоративная посуда.
• Не обходится зал в стиле рококо и без хрустальной люстры.

Минималистическое рококо в интерьере гостиной

Приемы оформления и фотографии роскошных гостиных в стиле рококо

Пытаясь воссоздать в современных гостиных стиль рококо, дизайнеры прибегают к следующим приемам:

• Закругление стен (в рококо резкие переходы не приемлемы) и покрытие их текстилем (в идеале – шелком) светлых оттеков, резными деревянными панелями и зеркалами в причудливых рамах. Пространство должно визуально расширяться;
• В качестве материала для пола может быть избрана керамика, мрамор или дерево. Главное, чтобы плинтусы были высокими и изогнутыми;
• Довольно значимым объектом становится мраморный камин, полку которого украшают статуэтки, часы, посуда и всевозможные фигурки из бронзы, фарфора, керамики и дерева;
• Освещение должно быть ярким, поэтому помимо висячей хрустальной люстры, состоящей из множества деталей, в гостиной должны присутствовать бра и торшеры, а также подсвечники и канделябры (в этой роли могут выступать и стилизованные светильники).

Фотографии роскошных гостиных в стиле рококо

С камином

Светлый интерьер

Итак, можно смело утверждать, что общей чертой барокко и рококо является стремление к роскошности убранства, изяществу линий, вычурности мебели и декораций. При этом главное различие заключается в масштабности и цветовых решениях: если барокко – это одиозность и контраст, то рококо – изящество и плавность линий.

барокко, готика, классицизм, минимализм, модерн

Барокко Дизайн квартиры, выполненный в таком стиле, обладает величавыми и пышными формами, элементы такого интерьера обычно массивны. Богатство и динамичность форм, разнообразные эффекты освещения и кривые линии, находящиеся в беспорядочном ритме — основные черты барокко. Интерьер в стиле барокко отличает обилие ярких красок, сложные ломаные черты элементов и необычная игра светотени. Даже столь привычный и простой элемент, как стена, в стиле барокко теряет свои привычные характеристики, становясь необычайно пластичной и динамичной частью интерьера. В целом барокко можно охарактеризовать как «изысканную усложненность». Этот стиль сочетают кривые, необычные линии, сложные и красивые инкрустации, эффектные камины, огромные зеркала, доходящие до самого пола, в спальнях – кровати-шатры, имеющие балдахины. Барокко делает комнату утонченно-роскошной, похожей на покои дворцов восемнадцатого столетия. В немалой степени этот эффект обеспечивают декоративные элементы (барельефы, вазы, картуши, скульптуры и т.д.). Готика Этот стиль характеризуется подчеркнуто изысканными и утонченными элементами. В готике главную роль играют не используемые материалы и их расцветка, а общая сочетаемость элементов. Готический стиль невозможен без стилевого единства предметов домашнего обихода, все старинные предметы должны сочетаться с современными. Квартиры в готическом стиле украшают картинами, обрамленными широкими рамами. Зеркала вставлены в позолоченные багеты, ковры – изысканные, гобелены – выразительные, для отделки стен используют ткани, а гардины красиво драпируют. Классический стиль Классицизм – стиль, черпающий вдохновение в античности. Он характеризуется чистыми, геометрически правильными формами. Классический декор квартиры во Всеволожске порой аскетичен, а материалы используются качественные и дорогие: шелк, камень, натуральное дерево. Нередко помещения в классическом стиле украшают лепниной и скульптурами. Классический стиль навевает спокойствие, чувство надежности и основательности, радуя глаза правильными формами. Дизайн не перегружен обилием мелочей, отличается скромностью, точностью и симметричностью. Правильно развешанные картины в классическом интерьере выглядят очень красиво. Качественно сделанная классическая мебель, как и картины, со временем только дорожает. Делают ее из натурального дерева (карельской березы, ореха, вишни, кедра и пр.), после чего ее покрывают резьбой, золотят, инкрустируют бронзой, перламутром и ценными породами деревьев. Модерн Этот стиль внес в дизайн интерьера абсолютно новые декоративные элементы. Модерн отличается плавными изгибами форм и стилизованными растительными узорами. В современном дизайне модерн – один из самых популярных стилей, несмотря на почтенный возраст, он не теряет актуальности благодаря изящности и красоте. Классический модерн отлично подходит для дизайна загородных домов, таунхаусов в Санкт-Петербурге, и квартир. Посредством модерна можно придать помещению обстановку домов начала двадцатого века. Модерн характеризуют растительные узоры, находящиеся на стенах, полу, потолке и мебели, а также красиво выполненные линейные плетения. Минимализм Девиз минимализма – «ничего лишнего». Отделанное в таком стиле помещение отличается идеальными формами и пропорциями. Внутреннее пространство комнаты создается игрой светотени, без применения сложных элементов декора. Предметы обстановки делают из качественных материалов, а расставлены они очень лаконично. Поверхности у предметов мебели – гладкие, зеркальные и цельные. Это вызывает иллюзию невесомости и большого пространства. Минимализм обладает большой выразительностью – это достигается за счет контраста материалов и их расцветки, нестандартностью образов и их асимметричностью. Нередко в помещениях в стиле минимализм пол, стены и потолок связаны друг с другом посредством цветовой гаммы, будучи выкрашенными в различные цвета, например в черный, серый и белый. Редкие же предметы интерьера обладают яркими, насыщенными цветами. Обычно в этом стиле доминируют черные и белые цвета и большие плоскости, обстановка обладает четкостью и простотой, ему присуща геометричность, хотя немного искривленные линии могут присутствовать. Чаще всего в этом стиле применяют хром, сталь, алюминий, натуральное дерево, матовое стекло, пластик и натуральный камень. Этот стиль побуждает отказаться от всего лишнего в жизни, приобрести свободу в быту и мышлении. Белый цвет является основным в данном стиле, он преобладает в обстановке, порой лишь незначительно меняя оттенки. Нередко в интерьере применяют светильники-призмы, дающие ровный мягкий свет. Делают их из бумаги, матового стекла или пластика, что придает светильнику «прозрачность».

Украшения в стиле барокко и рококо — а также стиль классицизм и ампир в ювелирных украшениях

Стиль — это не только чутьё в подборе гардероба. Стиль отражает этапы развития истории в искусстве. Проще — это сумма изобразительных приёмов определённого времени и направления.

Стили сменяли друг друга — иногда благодаря сильным мира сего (Людовик XV, Наполеон Бонапарт, королева Виктория, Людвиг Баварский), а порой просто по причине спада интереса у публики. Стили, отдалённые от нас столетиями, принято считать «историческими» (готика, ренессанс, барокко, классицизм, романтизм). А отстоящие от нас лет на 70 и ближе, пожалуй, можно считать «актуальными» стилями (кубизм, примитивизм, стимпанк и тому подобное). Об актуальных стилях будет наша следующая статья.

Описывая признаки стиля, используют следующие понятия: композиция, линия, цветовая гамма, материалы; в исторических стилях — орнамент и его элементы. Кстати про исторические стили: «иногда они возвращаются» в виде неостилей — порой с большим успехом (технологии ведь совершенствуются). Яркий пример – та же готика. Кстати, свои названия стили получали очень и очень «задним числом», зачастую в разных странах различные.

Например, на западе (в Англии и странах, бывших под влиянием Соединенного Королевства) принята такая классификация ювелирных стилей:

• Georgian (1714-1837) —«георгианский стиль» — эпоха правления королей Георга 1, 2, 3 и 4
• Victorian (1837-1901) — «викторианский стиль« — эпоха правления королевы Виктории (1837-1890)
  • the Romantic Period (1837-1861) («романтический» период)
  • the Grand Period (1861-1880) («гранд»)
  • the Aesthetic Period (1880-1901) («эстетический»)
• Arts & Crafts (1860-1910) — движение «искусств и ремесел» внутри викторианской эпохи, выработка предметов декоративно-прикладного искусства, идеализация работы самобытных ремесленников средневековья, некий аналог русского художественного содружества Абрамцево
• Art Nouveau (1890-1915)
• Edwardian (1901-1915) — «эдвардианский стиль» -правления короля Эдуарда VII (1901-1910)
• Art Deco (1920-1935)
• Retro (1935-1950) (ретро)
• Mid-Century (1950-1970) (середина века)
• Modern (1970-1995) (модерн)
• Contemporary (1990-Present) (современный)

Итак, с надеждой оглядываясь на историческое кино («Елизавета: Золотой век», «Пираты карибского моря», «Гардемарины» и подобные), попробуем начать с основных исторических стилей — барокко, рококо, классицизм и ампир.

 По западной классификации, все эти стили практически укладываются в господствующую в те времена Георгианскую эпоху.

Стиль барокко и его ювелирное наследие

Живописный и величественный стиль барокко (англ. Baroque) — «причудливый», «неправильный» в переводе с португальского — возник в 16 веке в Италии. «Кино-гиды» по стилю — «Фаринелли», «Девушка с жемчужной серёжкой». Визитная карточка этого стиля – забавные украшения с неправильной формы «барочной» морской жемчужиной.

Применительно к ювелирному искусству этой эпохи, принято выделять Раннее барокко (1600-1660), Позднее барокко (1660-1725), и Рококо (1725-1775). Мы в данной статье рассматриваем рококо как самостоятельный стиль.

Причины появления и корни этого стиля, пожалуй, следующие: папство решило ударить дубиной искусства (в монументальном и пышном барочном исполнении) по испанцам и французам, диктовавшим тогда условия политики итальянцам. Знать Италии компенсировала утрату власти демонстрацией трубящей роскоши (недопустимой в рамках предыдущего стиля — ренессанса). Барокко — это буйство оптимизма, подчинённое симметрии.

Чертам барокко присущи:

• ясная конструктивность (когда масса выпуклых мелких элементов компонуется в ясно читаемый симметричный силуэт)
• ритмичная композиция (соподчинение элементов друг другу и всему замыслу художника)
• чёткие выпуклые рельефы
• «плотный»растительный орнамент, яркость цвета

Барочная архитектура отличается симметричностью и «скульптурными», волнообразными линиями, где вместо круга скорее – овал, а формы – преувеличены. Многие архитекторы эпохи барокко начинали скульпторами.

  

Украшения в стиле барокко

В ювелирных изделиях эпохи барокко самыми типичными были такие элементы как золото (реже – серебро), разноцветные эмали и яркие драгоценные камни или крупные жемчужины. Жемчужины были в моде морские, необычной, в том числе, вытянутой формы. Позднее за таким типом жемчуга закрепилось название «барочный жемчуг».

  

Представители знати носили длинные многорядные нити жемчуга, многодельные серьги «жирандоль» (англ. Girandole или Chandelier – (люстры) earrings) с тремя жемчужными подвесками. Крупными, или же небольшими брошами украшали декольте корсажа, талию. Жемчуг и камни нашивали на платье вместе с лентами.

Ажурные броши-склаважи крепили к шейной ленте или на глубоком декольте (смотрите также фото колье-склаваж в статье о видах колье). Характерны были крупные броши-букеты или переплетенные ветви. Брошь-бант с подвеской назовут «брошь де Севинье» (портрет самой мадам де Севинье — чуть выше). Одежду и обувь украшали драгоценные пряжки.

 

      

Стиль рококо – французская утонченность

На слух рококо (англ. Rococo) похоже на барокко, но на вид имеет внятные отличия. Родина рококо (или рокайля) — Франция начала 18 века (фильм «Прощай, моя королева»о Марии-Антуанетте(2012г) — киногид по этому стилю).

Корни этого стиля — чисто французские: тоска по интиму. В отличие от итальянцев, французы не нуждались в иллюзии могущества; рокайль (в переводе «раковина») — камерный стиль. Сохранив живописность барокко, рокайль отошёл от цветовой яркости, масштабности, симметричности. Линии стали плавными и асимметричными, часто напоминающими завитки раковин и латинскую S.

 

Украшения времен рококо

Черты рококо — асимметрия, плавность, пастельные тона, утончённость и камерность. По сравнению с ювелирным искусством времен барокко, в эпоху рококо украшения становятся более «фривольными» и воздушными. Создается ощущение, будто мотивы украшений просто не умещаются в заданную форму и стремятся оттуда вырваться.

   

Ювелиры переходят к «бриллиантовой» огранке алмазов (автором ее считают венецианца Винченцо Перуцци). Бриллиант первенствует. Теперь в моде оправлять его не в золото, а в серебро, пользуясь способом закрепки «паве» (pave) (когда изделие усыпано бриллиантами, точно бублик маком). В моду входят парюры (комплекты украшений, сходных по материалу, работе, рисунку). Популярны серьги «бриолез» (brioles) — с подвижно закрепленными длинными подвесками- «каплями» и «звёздами». Создают драгоценные «букеты», — XVIII столетие называют «веком цветка и алмаза».

   

 

 

Причёски дам весьма замысловаты. В моде подвижные ажурные шпильки -«цитернадель» (от нем. zittern — дрожать и nadel — булавка). Асимметричные эгреты (aigrettes) (головное украшение с пером, от латинского — Egretta, род белых цапель), изящные перья, а иногда и яркие бабочки. Появились «портбукеты» (ювелирные «вазы» для букетов из живых цветов). Не отставали и мужчины, украшая бриллиантами различные ордена, пряжки одежды и обуви, рукоятки шпаг, множество брелков.

 

   

Но витиеватый рокайль уже имел в себе зёрна грядущего классицизма. Например — медальоны с эмалевыми миниатюрами; круглые или овальные, сдержанного декора.

Стиль классицизм: лёгкость и игривость заменяется отсылкой к античности

Классицизм (англ. Classicism — Neoclassicism) пришёл второй половине 18 века как спокойная уравновешенность форм, гармоничность пропорций, сдержанность и упорядоченность декора (словом, никакого буйства, даже симметричного). Киногид по стилю — «Гордость и предубеждение»1995г. Применительно к ювелирному искусству, эпохой классицизма считается период примерно с 1760 по 1830 гг.

Причины появления этого стиля — усталость от придворной роскоши и мотовства, количественный рост представителей класса буржуазии, а также вполне конкретный импульс — раскопки в 1750-1760 гг. Геркуланума и Помпеи, погубленных Везувием.

Черты классицизма в декоре — это греческий меандр, листья аканта и лавра или дуба, геометрически выверенные розетки и пальметты, медальоны и другие античные мотивы.

   

Классицизм в украшениях своего времени

(не путать с современными ювелирными изделиями в «классическом стиле»)

В эпоху расцвета классицизма с женщин схлынуло обилие драгоценностей, но иные виды украшений весьма ценились. Скажем, круглые и овальные броши — ими закалывали модные кашемировые шали (носимые поверх тончайших одежд). В золотые оправы брошей вставляли античные камеи (резной камень или раковина; брошь из такого камня или раковины), или эмалевые портретные миниатюры (в окружении мелких бриллиантов или жемчужин). Очень большую роль в украшениях того времени сыграла наполеоновская война — после нее появился отдельный вид «траурных» украшений, например медальоны с вплетенными волосами умерших родственников, либо эмалевые медальоны и кольца с мотивами скорби и памяти.

 

   

     

      

Большой ажиотаж вызывали старинные геммы (драгоценные камни с углублённой или выпуклой резьбой) из археологических раскопок того времени. Находки вставляли в броши, в кольца, серьги, пряжки, пояса и даже в ожерелья и диадемы. Кольца носили помногу, а на светских раутах порою на всех пальцах рук. Нагие руки украшали множеством золотых обручей, часто с меандром.

Голову украшали золотыми обручами, часто с гравированным меандром. В особых случаях надевали роскошные диадемы с бриллиантами и жемчугом. Диадема (в то время — доминанта парюры) задавала тон декору всех украшений комплекта. В начале XIX века в Европе и России, возродилась техника ажурной филиграни. Из скани составляли ожерелья, плели сетки для волос, собирали на филигрань детали браслетов и колье. Популярны были золотые и серебряные сканые серьги с грушевидной подвеской.

  

Стиль ампир – «имперский» классицизм

Ампир называют завершающей фазой классицизма (первое десятилетие 19 века). Название происходит от французского empire — империя; это стиль империи Наполеона Бонапарта ( в этом факте смутно угадывается причина появления этого стиля). Стиль ампир — это практически калька с декоративных элементов Римской Империи. Если рокайль уходил от помпезности барокко, то ампир пренебрегал сдержанностью классицизма.

Черты ампира — рельефные детали в виде четко прорисованных пальметт, львиных масок, грифонов, сфинксов, египетских мотивов или разнообразных эмблем военной тематики (спирали, щиты, дуги, орлы). Из флористики — гирлянды, лавровые и дубовые листья, колосья и снопы. Стиль уверенного величия в рамках художественной гармонии. Не случайно ампир многократно (и почти повсеместно) подхватывался са-а-мыми разными правителями.

Ювелирные изделия в эпоху ампира

Как и всегда, ювелирные изделия — очень наглядный знак величия. Ныне основные владельцы драгоценностей в стиле ампир -царствующие фамилии. Коронационный обруч Наполеона имел вид античного венца. Придворный ювелир Наполеона Этьен Нито (основатель известной и теперь фирмы «Шоме») — автор парюр для императрицы Марии-Луизы. Эти парюры поражали роскошью и совершенством.

Во времена расцвета ампира очень ценились диадемы, как драгоценные, так и более скромные — в виде золотых лавровых венков либо венков из колосьев или дубовых листьев. По-прежнему большое значение имели камеи (не только античные, но и более позднего времени).

 

Волосы, уши, шея, руки, пальцы светской дамы и — всё,что было можно, украшалось драгоценностями. Ожерелья и браслеты, драгоценные кольца, тяжелые серьги с подвесками.. В волосах — эгреты в виде двух симметричных перьев, скрепленных дорогим камнем, или гребень, убранный камнями либо камеями. Грудь подчеркивал драгоценный пояс, модные шали скрепляли брошью.

Ампир ушёл вместе с империей Наполеона, уступив место романтизму. Именно об эпохе романтизма 19 века — наша следующая статья.

Автор: Эльвира Свиридова, специально для ЮВЕЛИРУМ

Подробно об эгретах — в Живом Журнале la gatta ciara

ЮВЕЛИРНЫЕ ТЕХНИКИ И СТИЛИ | Украшения в викторианском стиле | Украшения в стиле ар нуво (модерн) | Украшения ар деко | Украшения в авангардных стилях — кубизм, конструктивизм, абстракционизм, футуризм и хайтек | Украшения в стиле стимпанк | Современные украшения в классическом стиле | Отчет с лекции Васильева об истории ювелирных украшений | Первые российские часы. Русские часы разных эпох | Геометрические украшения | Ювелирный стиль примитивизм

Поделитесь статьей с друзьями

Работы дизайнеров из каталога ЮВЕЛИРУМ

Как легко и просто разбираться в архитектурных стилях

Большинство из нас не слишком разбирается в архитектурных стилях, хотя все понимают, что именно они определяют облик любого города. Между тем, запомнить названия самых основных архитектурных стилей и их приметы совсем несложно. Узнавать те или иные образы и идеи, воплощенные в элементах зданий – вполне посильная задача, если знать, на что обращать внимание.

Мы подготовили для вас советы, с помощью которых вы сможете легко прослыть знатоком архитектуры, невзначай определяя, к какому стилю принадлежит то или иное здание или сооружение в любом из городов мира.

Романский стиль

В этом стиле было построено множество крепостей, массивных замков, а также похожих на крепости соборов и аббатств из строгого серого камня. Это самый первый из выраженных архитектурных стилей со времен античности, господствовавший практически на всей территории Западной и Восточной Европы с X по XII век.

Как узнать

Характерные черты романского стиля – мощные стены с узкими окнами, почти лишенные украшений, массивные башни с шатровыми вершинами, полукруглые арки. Простота и строгость линий подчеркивает устремленность вверх.

Внутренний интерьер романских храмов и замков мрачный, с шероховатыми плоскостями стен и однообразными рядами колонн и полукруглых арок, подпирающих свод. Из украшений – только растительные орнаменты, отраженные в барельефах, настенных росписях и в скульптурном декоре. Везде простые массивные формы, мощь и устойчивость. Романский храм всегда рождает ощущение торжественного и сурового спокойствия.

Где посмотреть

Представителями этого стиля являются почти все сохранившиеся до наших дней замки и соборы Европы, построенные в XI–XII веках. Например, Лиссабонский собор (Португалия), Сен-Савен-сюр-Гартамп (Франция), собор в Клонферте (Ирландия), собор Модены (Италия), замок Данноттар, Абердиншир (Шотландия).

Готика

Готика заменила собой романский стиль и властвовала в Европе с конца XII по XVI век. Здания стали легче, выше и сложнее. Многие из самых известных соборов, аббатств и административных зданий Европы выстроены именно в готическом стиле.

Как узнать

Готику вы без труда распознаете по устремленности ввысь и великому множеству стрельчатых арок и каменного декора, о который, кажется, можно поцарапаться. Человек кажется сам себе ничтожным рядом с величием этих сооружений.

Этот стиль потрясает воображение благодаря изобилию витражей, стрельчатых окон, тысячам скульптур, статуй, лепнине. Стены готических зданий украшают фигуры библейских царей, апостолов, святых, пророков, ангелов. А также в противовес им – изображениями горгулий, грифонов и прочих страшилок, и барельефами со сценами мук грешников, терзаемых в аду.

Где посмотреть

Классикой готической архитектуры является, к примеру, собор Парижской Богоматери (Франция), собор Святого Стефана (Австрия), собор Антверпенской Богоматери (Бельгия), Кельнский собор (Германия), собор Святого Вита (Чехия), Вестминстерское аббатство (Англия).

ТАКЖЕ ЧИТАЙТЕ Усадьба Быково: готическая церковь и дворец-диспансер в ближайшем Подмосковье (ФОТО)

Классицизм

Этот стиль господствовал с XVII по начало XIX века. Подобных зданий очень много в Западной Европе и в России. Это имперский стиль: все новорожденные империи, которые хотели обставить свое величие должным образом, ориентировались на него.

Как узнать

Строгость, симметричность, монументальность – вот его признаки. Если вы видите множество круглых колонн, строгую геометричность планировки и симметрию, при этом никаких завитков, «взбитых сливок», складок и прочих архитектурных излишеств, то это классицизм.

Где посмотреть

Наиболее яркие представители – садово-парковый ансамбль Версаля, собор Святого Павла в Лондоне, а в Москве – дом Пашкова на Воздвиженке. Санкт–Петербург и вовсе считается подлинным музеем классицизма под открытым небом, взять хотя бы Адмиралтейство, здание Главного штаба и Казанский собор.

Барокко

Название этого художественного и архитектурного стиля дословно переводится как «жемчужина с пороком». И действительно – что-то роскошное и порочное в нем есть. Он развивался в противовес классицизму и почти одновременно с ним. Центром этого направления стала Италия.

Барокко все приукрашивает, делает пышнее и манернее. Для него характерна текучесть криволинейных форм, помпезность и избыточность декора. Торт со взбитыми сливками – вот что напоминают наиболее яркие архитектурные представители этого стиля.

Как узнать

Характерные детали барокко – это обильная лепнина, вычурные украшения, балкончики и эркеры. А еще большое число раскреповок (это когда отрезок стены выдвигается вперед или назад со всеми частями сверху до низу). Плюс изобилие атлантов, кариатид и вообще многообразие скульптурных украшений на фасаде и в интерьерах. Приметами барокко также является богатая цветовая палитра (от изумрудного до бордо), хотя все же самым популярным сочетанием является белый с золотом.

Где посмотреть

Самые характерные представители этого стиля – дворцовый комплекс в Петергофе, собор Святого Петра в Риме (Италия). кафедральный собор в Берлине (Германия), королевский дворец в Мадриде (Испания).

Фото: A.Savin, Wikimedia Commons

Модерн

Этот стиль возник в западной культуре в конце XIX века. В каждой стране он имел свое наименование: его называли «ар нуво» во Франции, Бельгии, Голландии, Англии и США, «югендштилем» в Германии, «либерти» в Италии, «модерном» в России.

Модерн – это стремление изменить взгляд на архитектурную эстетику, поэтизация обыденных вещей.

Как узнать

Определить его можно по тому, что углы и прямые линии в модерне практически отсутствуют – они заменены на чуть изогнутые плавные очертания фасадов, окон, конструктивных элементов.

Арочные оконные конструкции часто напоминают своей формой и размахом витрины. Большое внимание уделяется деталям: двери часто декорируются мозаичным узором, лестницы и столбы представляют собой дизайнерские произведения. В интерьере используется эмаль, медь и латунь.

Один из важных признаков стиля модерн – приглушенность цвета и их изысканность. Самые любимые цвета модерна — жумчужно-серый, цвет увядшей розы, серо-голубой, табачный и темно-сиреневый.

Где посмотреть

Примеров этого стиля по всей Европе и в России множество. Самыми яркими считаются Каса Мила и Каса Батло в Барселоне (Испания), особняк Сольве в Брюсселе (Бельгия). А в Москве – доходный дом Тарховой в Подсосенском переулке, особняк Рябушинского на Малой Никитской, особняк Листа в Глазовском переулке.

ТАКЖЕ ЧИТАЙТЕ Особняк Рябушинского в Москве: от подводного царства к звездам

Ар-деко

Это также стиль первой половины ХХ века, активно развивавшийся в США и менее активно – в Европе. Ар-деко – стиль, выражавший откровенное наслаждение намеренно дорогими и солидными вещами, проповедовавший уверенность в завтрашнем дне. Стиль благополучной респектабельной жизни – вот что это такое.

Для этого стиля важны размах и эклектика, любовь к неожиданным геометрическим формам, ломаным линиям, многогранникам, ступенчатым завершениям, странным, выпуклым кривым.

Как узнать

Для ар-деко характерно использование дорогих добротных материалов, особенно сочетание изысканной фактуры редких пород камня или дерева со сверкающим полированным металлом. Цвета – насыщенные, контрастные: белый с черным, золотой с коричневым. В декоре особенно любимы яркие вкрапления ярко-красного, -зеленого, -синего. Да такие, чтобы сверкали, как драгоценности. Но это не выглядит дешевой подделкой, а усиливает общее впечатление.

Среди украшений используются стилизованные изображения животных и новейшей техники: машин или аэропланов. А также исторические темы, восточная экзотика и элементы современного искусства, особенно кубизма.

Где посмотреть

Звезды Голливуда и в жизни и в кино жили в окружении этого стиля. Множество развлекательных заведений и казино по всему миру созданы под его влиянием. Символом ар-деко считается Крайслер билдинг в Нью-Йорке. У нас в этом стиле выполнена станция «Маяковская» Московского метрополитена.

Деконструктивизм

Это молодой архитектурный стиль, сформировавшийся в самом конце прошлого века. Это попытка «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс.

Как узнать

Его легко определить по полному нарушению всего привычного в архитектуре. Если мы видим изломанные формы, как будто какой-то гигант взял и смял здание, выкрутил его или поиграл в огромные кубики, то такое здание, скорее всего, окажется представителем деконструктивизма. Часто ощущение от него остается как от чего-то непрочного, сломавшегося или готового развалиться на части.

Где посмотреть

Яркие представители этого стиля – Танцующий дом в Праге (Чехия) и здание музея Гуггенхайма в Бильбао (Испания).

Хай-тек

Этот архитектурный стиль возник в 80-х годах ХХ века и продолжает развиваться в наши дни. Этот стиль любит серебристый цвет, зеркальные поверхности и современные материалы: металл, пластик, бетон, разнообразные полимерные покрытия. Здания нарочито простых форм, часто с элементами кубизма, просторные и хорошо освещенные.

Как узнать

Если все, что раньше пряталось (коммуникации и технические детали здания, такие, как лифты, лестницы, вентиляционные шахты, трубопроводы) нарочито выставлено напоказ, да еще и превращено в элементы дизайна, например, выкрашено в контрастные цвета, то вы, скорее всего имеете дело с хай-теком.

Где посмотреть

В качестве примеров этого стиля можно вспомнить здание Fuji TV в Японии, Пацифик дизайн центр в США, центр Помпиду во Франции.

Био-тек

Био-тек развивается параллельно с хай-теком и тоже использует стекло, металл и бетон, зеркальные поверхности и часто – игру отражений. Архитектура этого направления экспериментирует с экологичными материалами и энергоэффективностью, пытается создать новейшее пространство для проживания человека: экодома, в которых есть автономные системы жизнеобеспечения и озелененные террасы, используются естественное освещение, солнечные батареи, накопители влаги и прочие достижения цивилизации.

Как узнать

Био-тек чаще всего лишен углов и симметричности, имеет замысловатые формы, навеянные живой и неживой природой. Здания, построенные в стиле био-тек, напоминают то паутину, то соты, то раковины, то живых обитателей моря или суши.

Если вы видите нечто невообразимых обтекаемых форм, которые переливаются друг в друга, блестят и отражают окружающий мир, то перед вами представитель стиля био-тек. К нему относятся также здания более лаконичных форм, например, похожие на бутон, но всегда мягких округлых линий.

Где посмотреть

Яркие представители био-тека – город искусств и наук в Валенсии, Фред Олсен Центр в Лондоне. А в Москве – гостиница Майкла Соркина, спроектированная в виде медузы.

Татьяна Рублева

БАРОККО, ЛИТЕРАТУРА | Энциклопедия Кругосвет

БАРОККО, ЛИТЕРАТУРА – литература идейного и культурного движения, известного под именем барокко, затронувшего разные сферы духовной жизни и сложившегося в особую художественную систему.

Переход от Возрождения к барокко представлял собой длительный и неоднозначный процесс, и многие черты барокко уже вызревали в маньеризме (стилевом течении позднего Ренессанса). Происхождение термина не вполне ясно. Иногда его возводят к португальскому термину, который означает «жемчужина причудливой формы», иногда к понятию, обозначающему один из видов логического силлогизма. Нет единого мнения о содержании данного понятия, сохраняется неоднозначность трактовки: его определяют как культурную эпоху, но нередко и ограничивают понятием «художественный стиль». В отечественной науке утверждается трактовка барокко как культурного направления, характеризующегося наличием определенного миросозерцания и художественной системы.

Возникновение барокко определялось новым мироощущением, кризисом ренессансного миросозерцания, отказом от его великой идеи гармоничной и грандиозной универсальной личности. Уже в силу этого возникновение барокко не могло быть связано только с формами религии или характером власти. В основе же новых представлений, определивших суть барокко, лежало понимание многосложности мира, его глубокой противоречивости, драматизма бытия и предназначения человека, в какой-то мере на эти представления оказывало влияние и усиление религиозных исканий эпохи. Особенности барокко определяли различия в мироощущении и художественной деятельности целого ряда его представителей, а внутри сложившейся художественной системы сосуществовали весьма мало схожие друг с другом художественные течения.

Литература барокко, как и все движение, отличается тенденцией к сложности форм и стремлением к величавости и пышности. В барочной литературе осмысляется дисгармония мира и человека, их трагическое противостояние, как и внутренние борения в душе отдельного человека. В силу этого видение мира и человека чаще всего пессимистично. Вместе с тем барокко в целом и его литературу в частности пронизывает вера в реальность духовного начала, величие Бога.

Сомнение в прочности и непоколебимости мира приводило к его переосмыслению, и в культуре барокко средневековое учение о бренности мира и человека причудливо сочеталось с достижениями новой науки. Представления о бесконечности пространства привели к коренному изменению видения картины мира, который приобретает грандиозные космические масштабы. В барокко мир понимается как вечная и величественная природа, а человек – ничтожная песчинка – одновременно слит с нею и противостоит ей. Он словно растворяется в мире и становится частицей, подчиненной законам мира и общества. Вместе с тем, человек в представлении деятелей барокко подвержен необузданным страстям, которые ведут его ко злу.

Преувеличенная аффектированность, крайняя экзальтация чувств, стремление познать запредельное, элементы фантастики – все это причудливо сплетается в мироощущении и художественной практике. Мир в понимании художников эпохи – разорван и беспорядочен, человек – всего лишь жалкая игрушка в руках недоступных сил, его жизнь – цепь случайностей и уже в силу этого представляет собой хаос. А потому мир пребывает в состоянии неустойчивости, ему присуще имманентное состояние перемен, а закономерности его трудноуловимы, если вообще постижимы. Барокко как бы раскалывает мир: в нем рядом с небесным сосуществует земное, рядом с возвышенным – низменное. Для этого динамичного, стремительно меняющегося мира характерны не только непостоянство и быстротечность, но и необычайная интенсивность бытия и накал тревожных страстей, соединение полярных явлений – грандиозности зла и величия добра. Для барокко была характерна и другая черта – оно стремилось выявить и обобщить закономерности бытия. Помимо признания трагичности и противоречивости жизни, представители барокко полагали, что существует некая высшая божественная разумность и во всем имеется скрытый смысл. Следовательно, надо смириться с миропорядком.

В этой культуре, и в особенности в литературе, кроме концентрации на проблеме зла и бренности мира возникало также стремление преодолеть кризис, осмыслить высшую разумность, сочетающую и доброе и злое начало. Тем самым делалась попытка снять противоречия, место человека в необъятных просторах мироздания определялось созидательной мощью его мысли и возможностью чуда. Бог при подобном подходе представал как воплощение идеи справедливости, милосердия и высшего разума.

Отчетливее эти черты проявились в литературе и изобразительном искусстве. Художественное творчество тяготело к монументальности, в нем сильно выражено не только трагическое начало, но также религиозные мотивы, темы смерти и обреченности. Многим художникам были присущи сомнения, ощущение бренности бытия и скепсис. Характерны рассуждения о том, что загробное бытие предпочтительнее страданиям на грешной земле. Эти черты литературы (да и всей культуры барокко) в течение длительного времени позволяли трактовать данное явление как проявление контрреформации, связывать с феодально-католической реакцией. Теперь такая трактовка решительно отброшена.

Вместе с тем в барокко, и прежде всего в литературе, отчетливо проявились различные стилевые тенденции, и отдельные течения достаточно далеко расходились. Переосмысление в новейшем литературоведении характера литературы барокко (как и самой культуры барокко) привело к тому, что в нем выделяется две основных стилевых линии. Прежде всего, в литературе возникает аристократическое барокко, в котором проявилась тенденция к элитарности, к созданию произведений для «избранных». Было и другое, демократическое, т.н. «низовое» барокко, в котором отразилось душевное потрясение широких масс населения в рассматриваемую эпоху. Именно в низовом барокко жизнь рисуется во всем ее трагическом противоречии, для данного течения характерна грубоватость и нередко обыгрывание низменных сюжетов и мотивов, что нередко приводило к пародии.

Особое значение приобретает описательность: художники стремились детально изобразить и изложить не только противоречия мира и человека, но и противоречивость самой человеческой природы и даже абстрактные идеи.

Представление об изменчивости мира породило необычайную экспрессивность художественных средств. Характерной чертой барочной литературы становится смешение жанров. Внутренняя противоречивость определила характер изображения мира: раскрывались его контрасты, взамен ренессансной гармонии появилась асимметрия. Подчеркнутая внимательность к душевному строю человека выявила такую черту, как экзальтация чувств, подчеркнутая выразительность, показ глубочайшего страдания. Для искусства и литературы барокко характерна предельная эмоциональная напряженность. Другим важным приемом становится динамика, которая вытекала из понимания изменчивости мира. Литература барокко не знает покоя и статики, мир и все его элементы меняются постоянно. Для нее барокко становится типичен страдающий герой, пребывающий в состоянии дисгармонии, мученик долга или чести, страдание оказывается едва ли не основным его свойством, появляется ощущение тщетности земной борьбы и ощущение обреченности: человек становится игрушкой в руках неведомых и недоступных его пониманию сил.

В литературе нередко можно встретить выражение страха перед судьбой и неизведанным, тревожное ожидание смерти, ощущение всевластия злобы и жестокости. Характерно выражение идеи существования божественного всеобщего закона, и людской произвол в конечном счете сдерживается его установлением. В силу этого меняется и драматический конфликт по сравнению с литературой Возрождения и маньеризма: он представляет собой не столько борьбу героя с окружающим миром, сколько попытку в столкновении с жизнью постичь божественные предначертания. Герой оказывается рефлектирующим, обращенным к своему собственному внутреннему миру.

Литература барокко настаивала на свободе выражения в творчестве, ей присущ безудержный полет фантазии. Барокко стремилось к чрезмерности во всем. В силу этого – подчеркнутая, нарочитая усложненность образов и языка, соединенная со стремлением к красивости и аффектации чувств. Язык барокко предельно усложнен, используются непривычные и даже нарочитые приемы, появляется вычурность и даже напыщенность. Ощущение иллюзорности жизни и недостоверности знаний привело к широкому использованию символов, сложной метафоричности, декоративности и театральности, определило появление аллегорий. Литература барокко постоянно сталкивает подлинное и мнимое, желаемое и действительное, проблема «быть или казаться» становится одной из важнейших. Накал страстей привел к тому, что чувства потеснили разум в культуре и искусстве. Наконец, для барокко характерно смешение самых различных чувств и появление иронии, «не существует явления ни столь серьезного, ни столь печального, чтобы оно не могло превратиться в шутку». Пессимистическое мировосприятие породило не только иронию, но и едкий сарказм, гротеск и гиперболу.

Стремление обобщить мир раздвинуло границы художественного творчества: литература барокко, подобно изобразительному искусству, тяготела к грандиозным ансамблям, вместе с тем можно заметить и тенденцию к процессу «окультуривания» природного начала в человеке и самой природы, подчинения ее воле художника.

Типологические черты барокко определили и жанровую систему, которой была присуща подвижность. Характерно выдвижение на передний план, с одной стороны, романа и драматургии (в особенности жанра трагедии), с другой, культивирование сложной по концепции и языку поэзии. Преобладающими становится пастораль, трагикомедия, роман (героический, комический, философский). Особым жанром является бурлеск – комедия, пародирующая высокие жанры, грубо приземляющая образы, конфликт и сюжетные ходы этих пьес. В целом во всех жанрах выстраивалась «мозаичная» картина мира, причем в этой картине играло особую роль воображение, и нередко совмещались несовместимые явления, используется метафоричность и аллегория.

Литература барокко имела свою национальную специфику. Она во многом определила возникновение отдельных литературных школ и течений – маринизм в Италии, консепсьонизм и культизм в Испании, метафизическая школа в Англии, прециозность, либертинаж во Франции.

Прежде всего барокко возникло в тех странах, где наиболее усилилась мощь католической церкви: Италии и Испании.

Применительно к литературе Италии можно говорить о зарождении и становлении литературы барокко. Итальянское барокко нашло свое выражение раньше всего в поэзии. Его родоначальником в Италии стал Джанбатиста Марино (1569–1625). Уроженец Неаполя, он прожил бурную, авантюрную жизнь и приобрел европейскую славу. Его мироощущению было присуще принципиально иное по сравнению с Ренессансом видение мира: он был достаточно индифферентен в вопросах религии, полагал, что мир состоит из противоречий, которые и создают единство. Человек же рожден и обречен на страдания и гибель. Марино использовал привычные литературные формы Ренессанса, прежде всего, сонет, но наполнял его другим содержанием, одновременно вел поиск новых языковых средств с целью поразить и ошеломить читателя. Его поэзия использовала неожиданные метафоры, сравнения и образы. Особый прием – сочетание противоречивых понятий типа «ученый невежда» или «богатый нищий», присуща Марино и такая черта барокко, как понимание грандиозности мира природы, стремление соединить космическое начало с человеческим (сборник Лира). Наиболее крупные его произведения – поэма Адонис (1623) и Избиение младенцев. И мифологические, и библейские сюжеты трактовались автором подчеркнуто динамично, были усложнены психологическими коллизиями и драматичны. Как теоретик барокко Марино пропагандировал идею единства и единосущность всех искусств. Его поэзия вызвала к жизни школу маринизма и получила широкий отклик за Альпами. Марино связывал итальянскую и французскую культуры, и его воздействие на французскую литературу таково, что его испытали не только последователи барокко во Франции, но даже один из основоположников французского классицизма Ф.Малерб.

Особое значение барокко приобретает в Испании, где барочная культура проявилась практически во всех сферах художественного творчества и коснулась всех художников. Испания, в 17 в. переживавшая упадок, пребывавшая под властью не столько короля, сколько церкви, дала особый настрой барочной литературе: здесь барокко приобрело не только религиозный, но и фанатический характер, активно проявлялось стремление к потустороннему, подчеркнутый аскетизм. Однако именно здесь ощущается влияние народной культуры.

Испанское барокко оказалось необычайно мощным направлением в испанской культуре в силу особых художественных и культурных связей Италии и Испании, специфических внутренних условий, особенностей исторического пути в 16–17 вв. Золотой век испанской культуры был связан, прежде всего, с барокко, и в максимальной мере оно проявилось в литературе, ориентировалось на интеллектуальную элиту (см. ИСПАНСКАЯ ЛИТЕРАТУРА). Некоторые приемы использовались уже художниками позднего Ренессанса. В испанской литературе барокко нашло свое выражение и в поэзии, и в прозе, и в драматургии. В испанской поэзии 17 в. барокко породило два течения, боровшиеся между собой – культизм и консептизм. Сторонники первого противопоставляли отвратительный и неприемлемый реальный мир совершенному и прекрасного миру, созданному человеческим воображением, который постичь дано только немногим. Приверженцы культизма обратились к итальянскому, т.н. «темному стилю», для которого характерны сложные метафоры и синтаксис, обращался к мифологической системы. Последователи консептизма использовали столь же сложный язык, и в эту форму облекалась сложная мысль, отсюда многозначность каждого слова, отсюда характерная для консептистов игра слов и использование каламбуров. Если к первому принадлежал Гонгора, то ко второму – Кеведо.

Раньше всего барокко проявилось в творчестве Луиса де Гонгора-и-Арготе, чьи сочинения были напечатаны только после его смерти (Сочинения в стихах испанского Гомера, 1627) и принесли ему славу величайшего поэта Испании. Крупнейший мастер испанского барокко, он – основатель «культизма» с его учеными латинскими словами и сложностью форм при очень простых сюжетах. Поэтика Гонгоры отличалась стремлением к многосмыслию, стиль его изобилует метафорами и гиперболами. Он достигает исключительной виртуозности, и темы его обычно просты, но раскрыты предельно усложнено, сложность, по мысли поэта, является художественным средством усиления воздействия поэзии на читателя, причем не только на его чувства, но и на интеллект. В своих произведениях (Сказание о Полифеме и Галатее, Одиночествах) он создал стиль испанского барокко. Поэзия Гонгоры быстро приобрела новых сторонников, хотя в оппозиции к ней находился Лопе де Вега. Не менее значительно для развития испанского барокко прозаическое наследие Ф.Кеведо (1580–1645), оставившего большое количество сатирических произведений, где показан отвратительный безобразный мир, приобретающий искаженный характер благодаря использованию гротеска. Мир этот находится в состоянии движения, фантастичен, ирреален и убог. Особое значение в испанском барокко приобретает драматургия. По преимуществу барочные мастера работали в жанре трагедии или драмы. Значительный вклад в развитие испанской драматургии внес Тирсо де Молина (фрей Гaбриэль Тельес). Он создал около 300 пьес (сохранилось 86), по преимуществу религиозных драм (ауто) и комедий нравов. Мастер виртуозно разработанной интриги, Тирсо де Молина стал первым автором, обработавшим в мировой литературе образ Дон-Жуана. Его Севильский озорник или каменный гость не только является первой разработкой этого сюжета, но и выдержан в духе барокко с предельным натурализмом в последней сцене. Творчество Тирсо де Молина как бы перебрасывало мостик от маньеризма к барокко, во многом он открывал путь, по которому пошли драматурги школы Кальдерона, выстраивая свою художественную систему, синтез маньеризма и барокко.

Классическим мастером драматургии барокко стал Кальдерон. Во всех своих драмах использовал логически стройную и до малейших деталей продуманную композицию, предельно усиливал интенсивность действия, концентрируя его вокруг одного из персонажей, экспрессивный язык. Его наследие связано с драматургией барокко. В его творчестве нашло свое предельное выражение пессимистическое начало, прежде всего, в религиозных и морально-философских сочинениях. Вершиной является пьеса Жизнь есть сон, где барочное мироощущение получило наиболее полное выражение. Кальдерон показывал трагические противоречия жизни человека, из которых нет выхода, за исключением обращения к богу. Жизнь изображается как мучительное страдание, любые земные блага призрачны, границы реального мира и сна размыты. Человеческие страсти бренны, и только осознание этой бренности и дает познание человеку.

Испанский 17 век в литературе был полностью барочным, как и в Италии. Он в известной степени резюмирует, усиливает и подчеркивает опыт всей барочной Европы.

В Нидерландах барокко утверждается почти безраздельно, но здесь почти отсутствует черта, характерная для Италии и Испании: устремленность к Богу, религиозная исступленность. Фламандское барокко более телесно и грубовато, пронизано впечатлениями окружающего бытового вещного мира или же обращено к противоречивому и сложному духовному миру человека.

Гораздо более глубоко барокко затронуло немецкую культуру и литературу. Художественные приемы, мироощущение барокко распространились в Германии под влиянием двух факторов. 1) Атмосфера княжеских дворов 17 в., во всем следовавших элитарной моде Италии. Барокко было обусловлено вкусами, потребностями и настроениями немецкого дворянства. 2) На немецкое барокко оказала влияние трагическая ситуация Тридцатилетней войны. В силу этого в Германии существовало аристократическое барокко наряду с народным барокко (поэты Логау и Грифиус, прозаик Гриммельсгаузен). Крупнейшим поэтом Германии стали Мартин Опиц (1597–1639), поэзия которого достаточна близка к стихотворным формам барокко, и Андреас Грифиус (1616–1664), в творчестве которого отразились и трагические пертурбации войны, и типичная для литературы барокко тема бренности и тщетности всех земных радостей. Его поэзия была многозначна, использовала метафоры, в ней отразилась глубокая религиозность автора. С барокко связан крупнейший немецкий роман 17 в. Симплициссимус Х.Гриммельсгаузена, где с потрясающей силой и трагизмом были запечатлены страдания народа в годы войны. Барочные черты в нем отразились в полной мере. Мир в романе – не просто царство зла, он беспорядочен и изменчив, причем изменения происходят только к худшему. Хаос мира определяет и предназначение человека. Судьба человека трагична, человек – воплощение изменчивости мира и бытия. Еще в большей мере мироощущение барокко проявилось в немецкой драматургии, где трагедия кровава и изображает самые дикие преступления. Жизнь и здесь видится как юдоль скорби и страдания, где тщетны любые человеческие начинания.

Гораздо меньше барокко было присуще литературе Англии, Франции, Голландской республики. Во Франции элементы барокко отчетливо проявились в первой половине 17 в., но после Фронды барокко во французской литературе вытесняется классицизмом, а в итоге создается так называемый «большой стиль». Барокко во Франции приняло столь специфические формы, что до сих пор ведутся споры о том, существовало ли оно там вообще. Его элементы присущи уже творчеству Агриппы д’Обинье, который в Трагических поэмах выразил ужас и протест против жестокости окружающего мира и в Приключениях барона Фенеста поставил проблему «быть или казаться». В дальнейшем во французском барокко почти полностью отсутствует любование и даже изображение жестокости и трагичности мира. Практически барокко во Франции оказалось связано, прежде всего, с такой общей чертой (унаследованной от маньеризма), как стремление к иллюзорности. Французские авторы стремились создать вымышленный мир, далекий от грубости и нелепости реальной действительности. Литература барокко оказалась связана с маньеризмом и восходит к роману О.д’Юрфе Астрея (1610). Возникала прециозная литература, которая требовала максимального отвлечения от всего низменного и грубого в реальной жизни, была отрешена от прозаической действительности. Принципы пасторали утверждались в прециозном романе, равно как и подчеркнуто изысканная усложненная и цветистая речь. Язык прециозной литературы широко использовал метафоры, гиперболы, антитезы и перифразы. Сложился этот язык явно под влиянием Марино, посещавшим французский двор. Проводником прециозного, выспреннего языка стали литературные салоны. К представителям этого направления можно отнести, прежде всего, М.де Скюдери, автора романов Артамен или великий Кир (1649) и Клелия. Иную жизнь барокко получает во времена Фронды, в творчестве так называемых поэтов вольнодумцев, в котором переплетаются черты маньеризма и барокко (Сирано де Бержерак, Теофиль де Вио). Широко распространяется бурлескная поэма, где присутствует диссонанс стиля и содержания (возвышенные герои при низменных, грубых обстоятельствах). Барочные тенденции проявились в драматургии первой половины 17 в., где торжествовали пасторали и трагикомедии, где отразились представления о многообразии и изменчивости бытия и обращение к драматическим конфликтам(А.Арди).

Во Франции барокко нашло свое выражение в творчестве одного из крупнейших философов 17 в., мыслителя и стилиста Б.Паскаля. Он выразил во Франции весь трагизм миросозерцания барокко и его возвышенный пафос. Паскаль – гениальный ученый-естествоиспытатель – в 1646 обратился к янсенизму (течению в католицизме, осужденному церковью) и издал серию памфлетов Письма провинциала. В 1670 были изданы его Мысли, где он говорил о двойственной природе человека, проявляющейся и в проблесках величия, и в ничтожности, вопиющем противоречии его натуры. Величие человека создается его мыслью. Мироощущение Паскаля трагично, он говорит о безграничных пространствах мира, твердо верит в целесообразность миропорядка и противопоставляет величию мира слабость человека. Именно ему принадлежит знаменитый барочный образ – «Человек – тростник, но это тростник мыслящий».

В Англии барочные тенденции отчетливее всего проявились в театре после Шекспира и литературе. Здесь сложился особый вариант, в котором сочетаются элементы литературы барокко и классицизма. Барочные мотивы и элементы в наибольшей мере затронули поэзию и драматургию. Английский театр 17 в. не дал миру барочных драматургов, которых можно было сравнить с испанскими, и даже в самой Англии их творчество несопоставимо по своим масштабам с талантами поэта Дж.Донна или Р.Бэртона. В драматургии ренессансные идеалы постепенно сочетались с идеями маньеризма, а с эстетикой барокко оказались тесно связаны последние драматурги предреволюционной эпохи. Барочные черты можно найти в поздней драматургии, в особенности у Фр.Бомонта и Дж.Флетчера, Дж.Форда (Разбитое сердце, Перкин Уорбек), Ф.Мэссинджера (Герцог Миланский), у отдельных драматургов эпохи Реставрации, в частности в Спасенной Венеции Т.Отуэя, где обнаруживается экзальтация страсти, а героям присущи черты барочных мучеников. В поэтическом наследии под воздействием барокко складывалась так называемая «метафизическая школа. Основателем ее стал один из крупнейших поэтов эпохи Дж.Донн. Для него и его последователей были характерны склонность к мистицизму и изощренно изысканному сложному языку. Для большей выразительности парадоксальных и вычурных образов использовались не только метафоры, но и специфическая техника стихосложения (использование диссонансов и т.п.). Интеллектуальная сложность при внутренней смятенности и драматизме чувства определила отказ от социальной проблематики и элитарность этой поэзии. После революции в эпоху Реставрации в английской литературе сосуществуют и барокко, и классицизм, нередко в творчестве отдельных авторов сочетаются элементы обеих художественных систем. Это характерно, например, для важнейшего произведения крупнейшего из английских поэтов 17 в. – Потерянного рая Дж.Мильтона. Эпическая поэма Потерянный рай (1667) отличалась невиданной для литературы эпохи грандиозностью и во времени, и в пространстве, а образ Сатаны – бунтовщика против установленного миропорядка характеризовался исполинской страстностью, непокорностью и гордостью. Подчеркнутый драматизм, необычайная эмоциональная выразительность, аллегоризм поэмы, динамизм, широкое использование контрастов и противопоставлений – все эти черты Потерянного рая приближали поэму к барокко.

Литература барокко создала свою эстетическую и литературную теорию, которая обобщала уже имевшийся художественный опыт. Наиболее известны сочинения Б.Грасиана Остроумие или искусство изощренного ума (1642) и Подзорная труба Аристотеля Э.Тезауро (1655). В последнем, в частности, отмечается исключительная роль метафоры, театральность и яркость, символичность, способность сочетать полярные явления.

Ирина Эльфонд

Стили живописи — Академизм — Возрождение — Барокко — Классицизм — Романтизм — Реализм — Импрессионизм

Стили живописи часто не имеют выраженных границ и могут переходить из одного в другой, развиваясь, смешиваясь и противоречить.

Абстракционизм (лат.abstractio— удаление, отвлечение)— направление не фигуративного искусства, отказавшегося от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма— достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Важным слагаемым современного языка абстракции стал белый цвет, высшее напряжение цвета вообще наполнено бесконечными вариативными возможностями, позволяющими использовать и метафизические представления о духовном, и оптические законы отражения света. Пространство как понятийная категория обладает в современном искусстве разной смысловой нагрузкой. Например, существует пространство знака, символа, возникшего из глубины архаического сознания, иногда преображенного в структуру, напоминающую иероглиф.

Абстрактный экспрессионизм (англ.abstract expressionism)— школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.
Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением. Выражение «абстрактный экспрессионизм» впервые возникло на немецком языке в 1919 году на страницах журнала «DerSturm». В 1929году Альфред Барр впервые использовал этот термин по отношению к картинам Василия Кандинского, который около 1911года отбросил всякие попытки копировать мир объектов.

Авангардизм (фр. avant-garde — передовой отряд), авангардизм — обобщающее название течений в мировом, прежде всего в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков. Термин в его фигуральном значении использовался в работах французских социалистических утопистов. В их же работах термин впервые получил следующий, художественный смысл — основатель школы утопического социализма Анри Сен-Симон в статье «Художник, ученый и рабочий», вышедшей в год его смерти в 1825 году, в союзе художника, ученого и рабочего ведущую роль отвёл художнику. Художник, по Сен-Симону, наделен воображением и должен воспользоваться силой искусства для пропаганды передовых идей: «Это мы, художники, будем служить вам авангардом».
Долгое время термин сохранял свое политическое значение, а художник наделялся особой политической миссией. Последователи Сен-Симона, продолжая вслед за ним акцентировать ведущую роль художника в политических процессах, фактически оставляли в стороне социальные цели искусства, обязывающие его быть утилитарным, дидактическим, понятным широким массам, и тем самым парадоксально сближали политический авангард с «искусством для искусства» (фр. l’art pour l’art) как революционной идеей.

Академизм (фр.academisme)— направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.
Академизм помогал компоновке объектов в художественном образовании, воплощал в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

Акционизм — форма современного искусства, возникшая в 1960-е годы в Западной Европе. Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит к поискам новых способов художественного выражения, придающих динамику произведению, вовлекая его в какое-либо действие. В акционизме художник как правило становится субъектом и/или объектом художественного произведения.

Ампир (фр. Empire — империя) — стиль в  изобразительном искусстве, завершивший развитие классицизма. Стиль опирался на художественное наследие архаической Греции и императорского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величественной мощи: монументальные массивные портики, военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре.

Аналитическое искусство  — метод, разработанный и обоснованный русским художником Павлом Филоновым (1881—1941) в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910-1920 годов. Отталкиваясь от принципов кубизма, Филонов считал необходимым обогатить его ограниченный рационализмом метод принципом «органического роста» художественной формы и «сделанности» картин по принципу «от частного к общему», где картина развивается из точки, подобно прорастающему зерну.

Анахронизм — в исторической науке, литературе, кино — ошибочное, намеренное или условное отнесение событий, явлений, предметов, личностей к другому времени, эпохе относительно фактической хронологии. В переносном смысле — что-либо несовременное, пережиток старины.
В живописи анахронизмы обычны в эпохи средневековья, Возрождения и отчасти классицизма, когда античные и библейские персонажи изображались в костюмах и антураже эпохи, современной художникам. Анахронисты, или «культурные художники», вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.

Андерграунд (от англ. underground— подполье, подпольный; under — под, ниже, ground — земля, площадка, пол) — совокупность творческих направлений в современном искусстве (музыке, литературе, кино, изобразительном искусстве и др.), противопоставляющихся массовой культуре, мейнстриму и официальному искусству.
Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики, проблемы маргинальных групп.

Ар брют (фр.Art Brut— грубое искусство, здесь— необработанное, неограненное искусство)— термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключенные, чудаки— одиночки, медиумы ит.п.). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов.
В частности, Ар брют не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов ит.д. Большое влияние на концепцию Ар брют оказали две монографии— немецкого психиатра Ханса Принцхорна «Художественное творчество душевнобольных» и швейцарского психотерапевта Вальтера Моргенталера «Душевнобольной как художник». Они привлекли внимание сюрреалистов и Дюбюффе, последний собрал крупную коллекцию произведений Ар брют, с 1976 находящуюся в Лозанне. Авангардное искусство ХХ в. (дадаизм, сюрреализм, футуризм и др.) активно обращается к опыту Ар брют.

Ар-деко, также арт-деко (фр.art dеco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств— влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны.
Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма. Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм, конструктивизм и футуризм. Отличительные черты— строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, шик.

Арте повера (итал. Arte Povera — бедное искусство) — термин, введенный в 1967 году искусствоведом и куратором Джермано Челантом для определения художественного течения, объединившего художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине 1960-х — 1970.
Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера.
Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности. Некоторые из художников арте повера, которые принадлежали к разным поколениям, были уже хорошо известны в арт-кругах Италии.

Барокко, или барочная живопись,— живописные произведения периода барокко в культуре XVI—XVII веков, тогда как в политическом плане исторический период разделяется на абсолютизм и контрреформацию. Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плоскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко— броская цветистость и динамичность.
Микеланджело Меризи, которого по месту рождения близ Милана прозвали Караваджо, считают самым значительным мастером среди итальянских художников, создавших в конце XVI века новый стиль в живописи. Его картины, написанные на религиозные сюжеты, напоминают реалистичные сцены современной автору жизни, создавая контраст времен поздней античности и Нового времени. Герои изображены в полумраке, из которого лучи света выхватывают выразительные жесты персонажей, контрастно выписывая их характерность. Последователи и подражатели Караваджо, которых поначалу называли караваджистами, а само течение караваджизмом, переняли буйство чувств и характерность манеры Караваджо, так же как и его натурализм в изображении людей и событий.
Во Франции барочные черты присущи парадным портретам Иасента Риго. Творчество Симона Вуэ и Шарля Лебрена, придворных художников, работавших в жанре парадного портрета, характеризуют как «барочный классицизм». Настоящее превращение барокко в классицизм наблюдается в полотнах Никола Пуссена.
Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера и Сурбаран. Они придерживались принципов реализма. Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.
Период расцвета фламандского барокко приходится на 1 пол. XVII века и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Законодателем в новом стиле стал Питер Пауль Рубенс. В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса— в Харлеме, Рембрандта— в Амстердаме, Вермеера— в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни.
Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Баухауз (нем. Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung — Высшая школа строительства и художественного конструирования, или Staatliches Bauhaus) — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933 годы, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре.

 

Бидермейер (Бидермайер; нем.Biedermeier)— художественный стиль, направление в немецком и австрийском искусстве, (архитектуре и дизайне), распространённый в 1815—1848 годах. Стиль получил свое название по псевдониму «Готлиб Бидермейер», который взял себе немецкий поэт Людвиг Айхродт, и под которым печатал в журналах эпиграммы.
Слово Bieder переводится как «простодушный, обывательский». Бидермейер является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют «смесь ампира с романтизмом». В бидермейере отразились представления «бюргерской» среды, формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для бидермейера характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. В начале XX века бидермейер оценивался негативно. Его понимали как «пошлый, мещанский». Ему действительно были присущи такие черты, как интимность, камерность, сентиментальность, поэтизация вещей, что и привело к такой оценке.

Веризм (итал.il verismo, от слова vero— истинный, правдивый)— реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возродился во второй половине XIX века как обозначение реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве.

 

Возрождение, или Ренессанс (фр.Renaissance, итал.Rinascimento; от «re/ri»— «снова» или «заново» и «nasci»— «рожденный»)— эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре Нового времени.
Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям. Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чем проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Геометрическая абстракция — форма абстрактного искусства, основанная на использовании геометрических форм, иногда, хотя и не всегда, расположенных вне иллюзорного пространства и объединенных в беспредметные, абстрактные композиции. В основе абстрактных композиций лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

Гиперманьеризм (другое название— анахронизм)— одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Гиперманьеризм возник в Италии в конце 70-х, а в начале 80-х— во Франции. Его важнейшим идейным источником стало творчество Джорджо де Кирико. Гиперманьеристы вдохновляются искусством мастеров прошлого (Возрождения, маньеризма, барокко), которых они перефразируют, пародируют. По сути своей, гиперманьеристы— стилизаторы, обратившиеся к анализу искусства прошлого. Идея, концепция, цитата— основа диалога художника с прошлым.

Гиперреализм (др.-греч. Ὑπερ — над, сверх; лат. realis — вещественный) — термин, который используется для обозначения:
а) течения в современном искусстве (живописи, скульптуре и кинематографии) второй половины XX — XXI века;
б) творчества европейских фотореалистов 1970-х годов.
Цель гиперреализма – изображение повседневных реалий, а главные темы – обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. Его сюжеты нарочито банальны, а образы – подчеркнуто объективны. Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии.
Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна. Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: диапроекция, лессировка, аэрограф вместо кисти, эмульсионное покрытие и т.д. Применение таких технологий было не случайным: оно подчеркивало механистичность , устраняло из процесса создания человеческое присутствие, как бы стараясь не допустить собственное, личное видение мира художником. Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью.

Граффити или граффити (в контексте исторических надписей единственное число— изображения, рисунки или надписи, выцарапанные, написанные или нарисованные краской или чернилами на стенах и других поверхностях. К граффити можно отнести любой вид уличного раскрашивания стен, на которых можно найти все: от простых написанных слов до изысканных рисунков.

Граффитизм (англ. graffiti art) — течение в современном искусстве 1970—80-х годов, возникшее в Америке. Характеризуется переносом приемов и образов граффити в станковую живопись и графику. Буйная фантазия, яркая самобытность сочетающая в себе элементы городской субкультуры с искусством этнических групп были отличительными чертами этого искусства, быстро вошедшего в моду.

Готика — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV—XVI века. Готика пришла на смену романскому стилю, постепенно вытесняя его. Термин «готика» чаще всего применяется к известному стилю архитектурных сооружений, который можно кратко охарактеризовать как «устрашающе величественный». Готическое направление в живописи развилось спустя несколько десятилетий после появления элементов стиля в архитектуре и скульптуре. В Англии и Франции переход от романского стиля к готическому произошел в Германии— в 1220-х гг., а в Италии позднее всего— около 1300г.

Дадаизм , или дада— авангардистское течение в изобразительном искусстве. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе. Существовало с 1916 по 1922годы. В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии— с экспрессионизмом.
Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берет свое начало постмодернизм. Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики.
Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего». Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж— технический прием создания произведения из определенным образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т.д. В дадаизме можно выделить три ветви развития коллажа: цюрихский «случайный» коллаж, берлинский манифестационный коллаж и кельнско-ганноверский поэтический коллаж.

Дивизионизм или Пуантилизм (фр.Pointillisme, буквально «точечность», фр.point— точка), — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта. Возникновение пуантилизма связано с увлечением молодого художника Жоржа Сра теорией цвета, им были изучены труды Шарля Блана, Эжена Шеврля, Огдена Руда и удачно применены на практике.

Иероглифический абстракционизм – течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии. Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: свободно нанесенные мягкой кистью мазки уподобляются знакам восточной письменности, идеограммам, сграффити, клинописным иероглифам. Совмещая, стилизуя, интерпретируя их, художник создавал свою форму письменности, с помощью которой писал послание людям.

Импрессионизм (фр.impressionnisme, от impression— впечатление)— направление в искусстве последней трети XIX— начала XXвеков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.
Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли свое воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Интимизм (от лат.intimus— самый глубокий, тайный, сокровенный, искренний, задушевный)— разновидность жанровой живописи, возникшая на рубеже XIX—XXвв. в среде неоимпрессионистов. К числу художников-интимистов, как правило, относят членов группы «Наби»: Пьера Боннара, Эдуара Вюйара, Кер-Ксавье Русселя и Феликса Валлоттона. Основные сюжеты работ интимистов— сцены повседневной жизни, при этом на первый план выносятся не люди, а цвет и композиция. Интимизму присуще необычные ракурсы и декоративные приемы (например, изображение на переднем плане картины натюрморта).

Информализм, информель (фр.art informel)— направление в искусстве, возникшее во второй половине 40-х годов XX века во Франции (в Париже). Обычно под этим понятием объединяют различные течения в абстрактном искусстве, возникшие в послевоенной Европе.
Понятие «информализм» применимо как собирательное для многочисленных течений в абстракционизме 50-х годов. Информализм организуется в 1945—1946 годах в Париже, в рамках «Парижской школы», как противоположность геометрическому абстракционизму. Название этого художественного направления восходит к парижской выставке под наименованием signifiance de l’informel. Согласно представлениям художников-информалистов, эмоциональность и спонтанность художественных произведений важнее их совершенства и разумности, отвергаются также любые правила, любая регламентация. Художники отказываются от изображения как людей, так и предметов, даже в абстрактной форме.
Сильное влияние на становление и развитие информального искусства оказал сюрреализм, особенно в форме автоматизма. Из информального искусства в Европе развился ташизм. Оба понятия часто употребляются как европейские параллели американскому искусству действия (Action Painting). Близкими по духу к информализму являются также живопись цветового поля и ар брют.

Классицизм (фр.classicisme, от лат.classicus— образцовый)— художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII—XIXвв. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания.
Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Интерес к искусству античной Греции и Рима проявился еще в эпоху Возрождения, которая после столетий средневековья обратилась к формам, мотивам и сюжетам античности. Величайший теоретик Ренессанса, Леон Батиста Альберти, еще в XV в. выразил идеи, предвещавшие отдельные принципы классицизма и в полной мере проявившиеся во фреске Рафаэля «Афинская школа».

Клуазонизм (от фр.cloison— перегородка)— термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства, обозначает особую манеру письма, разработанную Э.Бернаром и Л.Анкетеном в 1887г., воспринятую П.Гогеном и ставшую основой живописного «синтетического» символизма.
Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в эмалях пластинками или в витражах— свинцовыми перегородками (профилем). Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени.
Очень близок клуазонизм синтетизму, воспроизводящему тот или иной мотив по памяти или из глубин воображения, а потому не требующему детальной его прорисовки.

Конструктивизм — советский авангардистский метод (направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920— первой половине 1930 годов.

 

Костумбризм (исп. costumbrismo, от costumbre— нрав, обычай)— направление в литературе и изобразительном искусстве Испании и Латинской Америки XIX и начала ХХ столетия. Костумбризм зародился в Испании в конце XVIII века и позже распространился по испаноязычным странам Северной, Центральной и Южной Америки. Костумбризм характеризуется особым интересом к народным типам, национальному колориту, а также стремлением к почти документальному описанию природы и быта простых людей. Костумбризм в изобразительном искусстве (особенно в странах Латинской Америки) начался с этнографических и географических зарисовок, постепенно переходя в жанровую и пейзажную живопись. Хотя зачастую костумбристы идеализировали патриархальные нравы и обычаи, а этнографические мотивы превращались у них в идилличные жанровые сцены, однако в целом костумбризм сыграл положительную роль в становлении национально-художественных школ во многих странах.

Кубиизм (фр.Cubisme) — модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века во Франции и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 годами и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
Термин «кубизм» появился в 1908году, после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами». Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913—1914).

Кубофутуризм — направление авангарда начала ХХ века в живописи и поэзии, соединившее в себе наработки французских кубистов и итальянских футуристов. Кубофутуризм был особенно популярен в русском авангарде.

 

Концептуалиизм — литературно — художественное направление постмодернизма, оформившееся в конце 60-х — начале 70-х годов ХХ века в Америке и Европе. В концептуализме концепция произведения важнее его физического выражения, цель искусства — в передаче идеи. Концептуальные объекты могут существовать в виде фраз, текстов, схем, графиков, чертежей, фотографий, аудио- и видео- материалов. Объектом искусства может стать любой предмет, явление, процесс, поскольку концептуальное искусство представляет собой чистый художественный жест.
Один из основоположников течения, американский художник Джозеф Кошут, видел значение концептуализма в «коренном переосмыслении того, каким образом функционирует произведение искусства — или как функционирует сама культура … искусство — это сила идеи, а не материала». Концептуальное искусство обращается не к эмоциональному восприятию, а к интеллектуальному осмыслению увиденного.

Лирическая абстракция — одно из течений абстрактного искусства, для которого характерны стремление к прямому выражению эмоциональных и психических состояний художника и импровизационность исполнения. Произведения лирического абстракционизма— воплощение субъективных цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, запечатленный в цвете. Европейская критика часто использовала термин в качестве синонима неформального искусства или ташизма, американцы— выхолощенной формы абстрактного экспрессионизма.

Луминизм (нидерл. Luminisme) — одно из художественных направлений в живописи. Луминизм разделяет акцент на эффектах света с импрессионизмом. Луминизм предшествовал импрессионизму, и художники, которые писали в стиле луминизма, никоим образом не были под влиянием импрессионизма.

Лучизм (районизм, от фр. rayon — «луч») — направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, одно из ранних направлений абстракционизма.

 

Люминизмом называется направление в котором особое внимание уделяется отображению световых эффектов.

 

Магический реализм— это художественный метод, в котором магические элементы включены в реалистическую картину мира. В современном значении этот термин скорее описательный, чем точный. Первоначально термин «магический реализм» использовался немецким критиком Францем Рохом для описания «новой вещественности— жанра живописи. стиль изобразительного искусства, который использует реализм в сочетании с некоторой кажущейся аберрацией зрения художника при изображении повседневных сюжетов.
В живописи этот термин иногда взаимозаменяем с постэкспрессионизмом. В 1925 году критик Франц Рох использовал этот термин для описания картины, которая положила начало возвращения к реализму после экстравагантности экспрессионистов, которые изменяли внешний вид объектов для проявления их внутренней сущности. Согласно определению Роха, другие важные аспекты магического реализма в живописи включают: Возвращение к повседневным объектам в противоположность фантастическим. Наложение движения вперед с ощущением расстояния, в противоположность экспрессионистской тенденции укорачивания объекта; Использование миниатюрных деталей даже в очень больших картинах, например, больших ландшафтах.

Маньеризм (от итальянского maniera, манера)— западноевропейский литературно-художественный стиль XVI— первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нем раннюю фазу барокко.

Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм», как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития— от античности до современности.

Максимализм — это превышеные претензии к жизни, бескомпромиссность в решениях, видение и вера только в чем-то конкретном и видимо, видение жизни в черном и белом цветах, не обращая внимания на оттенки. Максимализм является едва ли не лучшим стимулом для выполнения определенной цели жизни. Термин в искусстве для определения крайних форм и средств проявления того или иного явления.

Метареализм  (греч. meta — между, после, через и геalis — вещественный, действительный) — реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свернутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола — способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Метафизическая живопись (итал. Pittura metafisica)— направление в итальянской живописи начала Xxвека. В метафизическом движении выделились две тенденции: одна особенно богата символическими и литературными смыслами и реминисценциями, вторая менее доктринерская, но более обусловленная живописной фантазией. Движение не создало ни своей школы, ни определенной группы, оно скорее было реакцией на футуризм, выражением его кризиса, и именно в этом качестве имело влияние в Италии, где схожую эстетику в это время стали исповедовать некоторые другие художники, а также во всей Европе.

Минимал-арт (англ.Minimal art), также Минимализм (англ.Minimalism), Искусство ABC (англ.ABC Art)— художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. В теории искусства обычно рассматривается как реакция на художественные формы абстрактного экспрессионизма, а также на связанные с ним дискурс, институции и идеологии.
Искусство минимал-арта обычно включало в себя геометрические формы, очищенные от всякого символизма и метафоричности, повторяемость, монохромность, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

Мизерабилизм (от фр.miserable— несчастный; англ.miserabiliste, фр.misérabilisme, польск. mizerabilizm)— направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире.
Творчество мизерабилистов явилось своего рода изобразительной параллелью к философии экзистенциализма. Для живописи мизерабилизма типичны мотивы одинокой фигуры в интерьере. Истощенные, удрученно поникшие, освещенные холодным сумеречным светом, и затерявшиеся в пустом пространстве. Настроения неудовлетворенности и разочарования, выраженные в аскетичной живописи мизерабилистов, были весьма популярны в послевоенной Франции.

Моголов стиль особый стиль Южной Азии живописи , как правило, приурочены к миниатюры либо, как книжные иллюстрации или отдельных работ, которые необходимо иметь в альбомах, которые возникли из Персидского миниатюрной живописи, с индийской индуистской, Джейн, и буддийских влияний, и создавались, в основном в суд империи Великих Моголов (16 — 19 вв), а затем распространился на другие индийские суды, как мусульмане, так и индусы, и позже сикхов.

Модерн (от фр.moderne— современный), ар-нуво (фр.art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем.Jugendstil— «молодой стиль»)— художественное направление в искусстве, наиболее распространенное в последней декаде XIX— начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.
Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В модерне выделяются два основных направления: конструктивное (Австрия, Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). Кроме того, в Италии и России сильное влияние на него оказали национальные традиции: в этих странах образцы модерна носили отпечаток традиционных форм. В качестве примера можно привести неорусский стиль в архитектуре России (не путать с псевдорусским стилем, который относился к периоду эклектики). При этом следует иметь в виду, что разделение искусства модерна на отдельные периоды и стили условно.
Модерн, как ни один из других стилей, впитал в себя столько различных направлений и подвергся влиянию стольких национальных культур и традиций, что даже специалистам сложно определить, где заканчивается эклектика и начинается модерн и где заканчивается модерн и начинается ар-деко. Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники модерна брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. Картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Модернизм (итал.modernismo— «современное течение»; от лат.modernus— «современный, недавний»)— направление в искусстве конца XIX— начала XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые, нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлеченностью) стиля.
Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй половине века она была подвергнута развернутой критике. Совокупность художественных направлений в искусстве второй половины XIX— середины XX столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения— абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций.
В широком смысле модернизм— «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка, нередко сопровождающиеся эпатажем и определенным вызовом устоявшимся канонам.

Мурализм — художественное движение монументальной живописи в Мексике 1920–1960-х гг. В 1920–1921 гг. молодые художники, вдохновленные мексиканской революцией, провозгласили новые идеи. Искусство должно было обращаться к народу и поднимать его на революционную борьбу, быть национальным, возрождать древнюю культуру индейцев и быть массовым. Так звучали положения «Декларации революционного синдиката работников техники и искусства», который учредили Сикейрос, Ривера, Ороско, Герреро, и др. В 1930-е гг. мурализм приобрел воздействие на искусство других стран Латинской Америки.

Наби (фр. Nabis от др.-евр. נביא‎ — «пророк», «избранный»; название предложено поэтом Анри Казалисом) — французская художественная группа, основана Полем Серюзье, существовала в Париже в 1890—1905 годах. Набиды, наравне с импрессионистами, представляли собой одно из главных направлений искусства конца XIX — начала XX веков.
Художники-набиды создали своеобразный вариант стиля «модерн» под влиянием Поля Гогена и понт-авенской школы. Их творчество близко литературному символизму и характеризуется главенством цветового начала, декоративной обобщенностью форм, мягкой музыкальностью ритмов, плоскостной стилизацией мотивов искусства разных народов: французского народного искусства, японской гравюры и итальянских примитивистов.

Нанга (南 лит «Южный картина» ), также известный как Bunjinga (文人 лит литераторов живописи » ), школа японской живописи , которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеArt Nouveauллектуалами. В то время как каждый из этих артистов был почти по определению, уникальный и независимый, все они разделяли восхищение традиционной китайской культурой. Их картины, как правило, в монохромном черными чернилами, иногда с светлым цветом, и почти всегда с изображением китайских пейзажей или подобных предметов были по образцу китайской литературной живописи.

Натурализм (от лат. nаturа— «природа»)— поздний этап развития французской реалистической живописи, пришедшийся на 1870-е годы. Натуралистами называли бывших художников-академистов, которые стремились как можно более точно, фотографично запечатлеть современную действительность, в частности, повседневную жизнь крестьянства и рабочего класса. В сравнении с произведениями Курбе социально-критическая и сатирическая составляющие в произведениях натуралистов отошли на второй план.
До появления термина «импрессионизм» его представителей причисляли к натуралистам. По мере того, как импрессионисты получали все большее признание, интерес к натурализму сходил на нет. Задачи бесстрастного фиксирования реальности, которые ставили перед собой художники этого направления, с успехом выполняла фотография.

Необароко (от греч. Neos — «новый», см. Барокко) — один из неостилей, сложившийся в европейском искусстве XIX века. Как стилистическое направление имел относительно небольшой срок существования. Имел несколько фаз развития и различные региональные варианты. Это объясняется тем, что оригинальный стиль барокко в искусстве Италии сложился в конце XVI-начале XVII в. на основе переработки элементов архитектуры периода Высокого Возрождения начала XVI в. В других странах, например в Германии XVIII в..
Стиль барокко позаимствовал кое-что от поздней готики, собственного варианта маньеризма и соединялся с элементами рококо. Разобщены и разбитые княжества Германии в 17 в. после Тридцатилетней войны трудно восстанавливали свою экономику и только усваивали стилистику, уже произведенную и распространенную в Италии, во Франции, Швеции и в Речи Посполитой. С некоторым опозданием получило развитие и барокко Австро-Венгрии, образцы которого больше ориентувалисть мастера немецких княжеств. Поэтому в XIX в. необарокко (в архитектуре и в интерьерах), ориентированное на различные исторические прототипы, приобрело эклектичный характер.

Неодадаизм ( нео-дада)— термин, обозначающий различные стили, направления и произведения искусства, в которых угадываются возрожденные идеалы или методы дадаизма. Движение дало толчок к возникновению поп-арта.

Неоимпрессионизм — течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г. Его основными представителями были Ж. Сера и П. Синьяк. Развивая художественно-эстетические принципы позднего импрессионизма, проявлявшего повышенный интерес к оптическим явлениям в природе, неоимпрессионисты стремились довести до логического завершения эмпирические находки предшественников на основе научных достижений, передать с помощью живописных приемов все богатство оптических эффектов.
Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм – система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками. На основе дивизионизма Сера и Синьяк разработали необычную технику письма – пуантилизм, которая заключалась в том, что краски   наносились на полотно в виде маленьких   точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы.

Неоклассицизм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и первой четверти XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке— также и эпохи барокко).
В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII— первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода. Неоклассицизм предвосхищался уже в творчестве прерафаэлитов с середины XIX века, однако он окончательно сложился к концу 1870-х гг. в Германии.
«Неоидеалисты» стремились возродить монументальность и пластичную четкость классического искусства. Большое распространение неоклассицизм получил в конце XIX— начале XX веков, явившись одной из разновидностей реакции на импрессионизм. Он сочетал в общем русле определенные позднеакадемические тенденции, в той или иной степени программное следование принципам античного искусства, реже— искусства Возрождения и классицизма, наконец, соприкосновение со стилистикой модерна.

Неоэкспрессионизм (Neo-expressionism)— направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Нео-образное искусство описывает экспрессионистской возрождение в современной форме изобразительного искусства.

Нео-минимализм аморфного арт-движение конца 20 и начала 21 веков. Он альтернативно называют «нео-геометрического» или «нео-гео» искусство. Другие термины включают: Нео-концептуализм, нео-футуризм , нео-Op, нео-поп, новых абстракция, Poptometry, пост-абстракционизма, симуляционизм.

Неопластицизм — введенное Питом Мондрианом обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl». Для «Стиля» характерны четкие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.

Нео-поп-арт — направление, возникшие в 80-е годы ХХ столетия как реакция на концептуализм и минимализм. Не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени.
Нео-поп-арт в значительной степени зависит от средств массовой информации и как источника вдохновения, и как средства для продвижения. В творчестве многих художников нео-попа помимо поп-арта можно обнаружить влияние минимализма, концептуального искусства и фотореализма.

Неореализм ( ит. Neorealisme – новый реализм) – художественное направление в искусстве послевоенной Италии, ярче всего проявившее себя в кинематографе и изобразительном искусстве, литературе. Главной темой неореализма стало изображение послевоенной Италии, жизнь рабочих и крестьян, их борьба за свои права. Для живописи неореализма характерны динамичная композиция, энергичная моделировка объемов, насыщенный цвет и экспрессивная манера письма. Художественные течения, близкие итальянскому неореализму, проявились в искусстве ряда стран Европы и Америки.

Неорококо (англ. Neo-rococo) — стилистическое направление 19 века в пределах эклектики (стиль историзм). Наиболее яркими и довольно цельными были две линии историзма — неоготика и неорококо. Именно в 19 веке в разных странах Европы взялись за достройки древних готических соборов, заброшенных недостроенных.
Неорококо станет известным стилевому направлению в декоре интерьеров достаточно состоятельных заказчиков и в создании вещей декоративно-прикладного искусства. В отличие от недавнего классицизма, неорококо отказывалось от ордерной системы. Фееричность и помпезность, преувеличения неорококо хорошо сосуществовали с эпохой сентиментальных венских вальсов, легкого и беззаботного досуга богатых дворян, коронованных особ, нуворишей и буржуазных дельцов, успели быстро обогатиться и жадно поглощали недоступные ранее роскоши привилегированных слоев населения.

Неоромантизм— течение в искусстве (прежде всего, в литературе) рубежа XIX—XX веков, возникающее как реакция на реалистические и натуралистические тенденции второй половины XIX века. В общем смысле слова может быть определен как возрождение литературных настроений первой половины XIX века в Европе. Может пониматься как ранняя фаза или одно из крыльев модернизма.

Нихонга (日本 нихонга ) или буквально » Японские картины «являются картины, которые были сделаны в соответствии с традиционными японскими художественными конвенциями, технологиями и материаллами. Будучи основан на традициях более тысячи лет, термин был придуман в Мэйдзи в императорской Японии , чтобы отличать такие произведения живописи западного стиля, или йога (洋 йога).

Новая вещественность (нем. Neue Sachlichkeit) — художественное течение в Германии 1920-х годов, охватившее живопись, литературу, архитектуру, фотографию, кино, музыку. Участники движения стремясь противопоставить тревожной экстатичности экспрессионизма, провозгласили возврат к позитивной и конкретной реальности.
Эстетическая концепция направления строилась на утверждении ложности реального мира, поэтому главной целью становится адекватное выражение неадекватности мира, реалистически зафиксированное отсутствие реальности, а смыслом художественного творчества – практически фотографическая точность изображения, не ставящая своей целью скрыть за художественной декоративностью неприглядность реальности.

Новая европейская живопись — появилась в 1980-х годах и достигла критической точки в 1990-х годах. Картины создают новый диалог между историческим архивом, американской абстракцией и формой.

 

 

Новеченто (итал. Novecento — «ХХ век») — итальянская художественная группа. Члены группы представляли различные направления в живописи, однако их объединяло признание ведущей роли модернизма в художественном творчестве. В то же время работы этого направления должны были пониматься как «возвращение к порядку» и в значительной степени сюжетный материал для них брался из истории Средневековья и Возрождения.

Новые дикие (нем. Neue Wilde, Новые фовисты) — течение немецкого постмодернизма в живописи. Течение возникло на волне новой моды на экспрессионизм и фовизм (отсюда само название, напоминающее о фовистах как «старых диких»). Тяготели к импульсивной эмоциональности самовыражения, противостоящей концептуальному искусству или гиперреализму.

Новый реализм (фр. Nouveau Réalisme)— движение, объединяющее художников, которые вместе с критиком и теоретиком Пьером Рестани подписали манифест 27 октября 1960 в Париже. Члены поставили перед собой цель интегрировать реальность повседневной жизни в искусство, используя новые методы и материалы. Тем самым они внесли значительный вклад в развитие объектного искусства и ранних форм акционизма.

Оп-арт (англ. op art (optical art)) — стиль современного искусства, который широко использует оптические иллюзии. Художники оп-арта достигают создания иллюзий движения или мерцание неподвижных объектов из изображения периодических структур и точное использование цветов и форм. Обычно произведения оп-арта носят абстрактный характер.

 

Ориентализм — определенная тенденция в проявлениях той или иной культурной традиции, опирающаяся по ряду признаков на экзотические относительно самой этой традиции особенности, свойственные восточному мировоззрению в тех или иных его формах. К ориентализму, благодаря этнографическим реалиям относят и следование североафриканским образцам.
 

Орфизм или Орфическое кубизм, термин, введенный французским поэтом Гийом Аполлинер в 1912 году, был ответвлением кубизма , который сосредоточился на чистой абстракции и ярких цветах, под влиянием фовизма. Это движение, считается ключевым в процессе перехода от кубизма к абстрактному искусству.

 

Пикториализм (англ.pictorialism, от англ.pictorial— живописный)— течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX— начала ХХ вв., подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, арт-нуво и др.). Для достижения подобного эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати.

Питтура кольта (ит. Pittura colta, букв. – ученая, просвещенная живопись) – художественное течение в европейской живописи постмодернизма, возникшее в Италии во второй половине 1970-х гг. Постмодернизм как художественное и культурное движение явился результатом отрицания: модернизм отрицал классическое искусство, однако сам в свою очередь став традицией, привел к своему отрицанию и к возврату предмодернистских форм и стилей.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления.

Постимпрессионизм (фр.postimpressionisme, от лат. post— «после» и «импрессионизм»)— художественное направление, условное собирательное обозначение неоднородной совокупности основных направлений в европейской (главным образом— французской) живописи; термин, принятый в искусствознании для обозначения магистральной линии развития французского искусства начиная со второй пол. 1880-х гг. до нач. ХХ в.
Художники этого направления отказывались изображать только зримую действительность (как реалисты), или сиюминутное впечатление (как импрессионисты), а стремились изображать ее основные, закономерные элементы, длительные состояния окружающего мира, сущностные состояния жизни, при этом подчас прибегая к декоративной стилизации.

Постживописная абстракция (англ.Post-painterly Abstraction), хроматическая абстракция— течение в живописи, зародившееся в Америке в 1950-е гг. Термин введен критиком Клементом Гринбергом для обозначения направления, представленного на курируемой им выставке 1964 года в Los Angeles County Museum of Art.
Постживописная абстракция отталкивается от абстрактного экспрессионизма, фовизма и постимпрессионизма. Основные признаки: четкие края, свободный мазок, гармония (или контраст) простых форм, монументальность, созерцательно-меланхолический склад живописи, аскетичность. Постживописная абстракция также является потомком Геометрической абстракции, округляя и смягчая ее.

Постминимализм — искусствоведческий термин, вошедший в оборот в начале 1970-х годов для описания особой тенденции в различных сферах искусства, которая отталкивалась от предшествующего ей минимализма — как в стремлении его развить (через сохранение приверженности формальной простоте), так и наоборот преодолеть (стремясь к более широкому смысловому наполнению).
 

Постмодернизм (фр. postmodernisme — после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины XX века. Постмодернизм явился результатом отрицания отрицания. В свое время модернизм отверг классическое, академическое искусство и обратился к новым художественным формам. Однако по прошествии множества лет сам стал классикой, которая привела к отрицанию традиций модернизма и возникновению нового этапа художественного развития в образе постмодернизма, провозгласившего возврат к предмодернистским формам и стилям на новом уровне.

Прецизионизм, или пресижинизм (англ.precision — точность, четкость) — направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов — изображение города, его пластическая визуализация в четких геометрических формах. Отсюда, главные герои картин: мосты, небоскребы, фабрики, элеваторы и другие индустриальные достижения цивилизации. Язык форм пресижинистов геометрически выверен, до предела механистичен.
Пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нем нет человека. В то же время такая пустота подчеркивает вневременный характер изображения. Главная тема — механистическая эстетика — роднит прецизионистов с итальянскими футуристами.

Примитивизм — стиль живописи, зародившийся в XIXвеке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен. По мнению некоторых искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под определение «примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе— стилизованную живопись профессионалов.

Пуантилизм (фр. Pointillisme, буквально «точечность», фр. point — точка), или дивизионизм — стилистическое направление в живописи неоимпрессионизма, возникшее во Франции около 1885 года, в основе которого лежит манера письма раздельными (неизолированными) мазками правильной, точечной или прямоугольной формы. Характеризуется отказом от физического смешения красок ради оптического эффекта.

Пуризм (от фр. pur— чистый)— направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Пуристы преследовали цель в создании простой, функциональной живописи и архитектуры, в которых эстетическое соединяется с механическим миром, подобным миру машин. Наиболее рациональным считается использование точного соединения геометрических орнаментов. Идеальной пропорцией в отображении рассматривается золотое сечение. Декоративность и манерность отвергаются.

Районизм (Лучизм)— направление в живописи русского авангарда в искусстве 1910-х годов, основанное на смещении световых спектров и светопередачи. Одно из ранних направлений абстракционизма. Основывался также на идее возникновения пространств, форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения». Лучи на полотне передаются с помощью цветных линий. Основателем и теоретиком течения был художник Михаил Ларионов.

Реализм — эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво. Его границы изменчивы и неопределенны; стилистически он многолик и многовариантен. Под реализмом в узком смысле понимают позитивизм как направление в изобразительном искусстве 2-й половины XIX века. Термин «реализм» впервые употребил французский литературный критик Ж. Шанфлери в 50-х годах XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму.

Регионализм (англ.Regionalism от regional— местный)— течение в американской живописи 1930-х годов. Движение обращалось к изображению образов и эпизодов из жизни американского Среднего Запада. Термин часто используется в том же значении, что и американская жанровая живопись, но регионализм является западноамериканским ответвлением этого более общего направления.
Регионалисты стремились создать подлинно американское искусство и обратились к местным темам. Регионалистами двигали ностальгические чувства к «подлинной Америке», стремление запечатлеть жизнь американской деревни и маленьких городков, что стало причиной их большой популярности. Период наибольшего расцвета движения связан с Великой депрессией, когда на фоне глубокой национальной неуверенности художники возрождали веру Америки в свои силы, развивая идею национальной исключительности и самобытности развития.

Рококо (фр.rococo, от фр.rocaille— дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо)— стиль в искусстве, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.
Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля— вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек.

Романский стиль или романика (от лат. Roma — Рим) принято называть период в европейском искусстве, начиная примерно с 1000 года и вплоть до возникновения готического стиля в XIII веке или позже, в зависимости от региона. Этот термин распространился в XIX веке среди историков искусства, особенно применительно к романской архитектуре, которая сохранила многие характерные черты римского архитектурного стиля, в первую очередь круглоголовые арки, а также цилиндрические своды, апсиды и украшения в виде листьев-акантов, но также внедрила очень много своих специфических элементов.

Романтизм (фр.romantisme)— идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века— первой половины XIX века. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворенной и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли все странное, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В начале XIX века романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению. Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма.
Романтики укоряли своих предшественников в «холодной рассудочности» и отсутствии «движения жизни». В 20-30-х годах работы многих художников отличались патетикой, нервной возбужденностью; в них наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения, способного увести от «тусклой повседневности». Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия.Одним из ответвлений романтизма в живописи является стиль бидермейер.

Северное Возрождение— термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее— во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.
Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определенные специфические черты. В основе сезанновской живописи – рисунок, цвет и контрасты. Цвет – это ведущее формообразующее начало. Его краски – это градация (по его выражению, модуляции) трех основных цветов – зеленого, голубого, охристого – и белого, а с помощью контрастов и соотношений тонов художник лепит объемы, добиваясь ощущения их плотности, весомости и придавая предметам особую значительность.

Сезаннизм ( по имени Поля Сезанна, крупнейшего живописца, представителя постимпрессионизма) – течение в живописи первой четверти 20 в., ориентирующееся на методы П.Сезанна, на построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на ее обобщение и геометричность.
 

Сентиментализм (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”.

Символизм (фр.Symbolisme)— одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России.
Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Все «природное» представлялось лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения.

Синтетизм (от фр. synthétiser— охватывать, объединять)— художественное течение внутри постимпрессионизма. Синтетизм возник из объединения техник таких различных художественных стилей, как клуазонизм и символизм и развивался в направлении, противоположном пуантилизму. Синтетизм появился и проявился около 1888года.
Как новое течение в искусстве получил известность после организованной Гогеном выставки в парижском кафе Вольпини, приуроченной к Всемирной выставке 1889года. Художники, принадлежавшие к синтетическому течению, пытались в своих произведениях «синтезировать» три понятия: Внешний вид изображаемого; Свои собственные чувства в отношении изображаемого; Эстетичность линии, цвета и формы изображения. Таким образом, речь идет о синтезе видимого и воображаемого миров, зачастую создаваемого на полотне по воспоминаниям об некогда увиденном. Поэтому допускалось упрощение изображения, излишняя декоративность, также часто изображаемое передавалось яркими, необычно сияющими красками.

Синтетический кубизм — стиль изобразительного искусства. Поздняя фаза кубизма, характеризуется главным образом более широкому использованию цвета и имитации или введения в широком диапазоне текстур и материалов в живописи.

Синхромизм (англ.Synchromism; от греч. σύν— «вместе», «с» и χρωμος— «цвет»)— художественное направление в живописи, основанное в 1912 году американскими художниками Морганом Расселлом и Стэнтоном Макдональдом-Райтом; одно из первых в современном искусстве США.
Отличительными чертами полотен синхромистов являлись насыщенные, яркие цвета и геометрические формы с ярко выраженными гранями. Работая над написанием картин, синхромисты, по их собственному признанию, использовали цвета по аналогии с музыкальными нотами, превращая свои произведения в «симфонии на холсте».

Соц-арт — одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1970-х годах в рамках так называемой альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода, возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом.

Социалистический реализм — стиль реалистического искусства , которая была разработана в Советском Союзе и стал доминирующим стилем в других социалистических странах. Социалистический реализм телеологически -ориентированной стиль, имеющий своей целью достижением целей социализма и коммунизма. Хотя и родственных, это не следует путать с соцреализма, в более широком вида искусства, что реально изображает предметы социального характера. В отличие от соцреализма, социалистический реализм часто прославляет роли кроткого и рабочего класса и борьбы за свое освобождение.

Спациализм (итал.Movimento spaziale, от итал.spazio— пространство)— направление в искусстве, рассматривающее живопись и скульптуру как один вид искусства, объединяющий цвет, звук, пространство, движение и время. Спациализм сочетает в себе элементы конкретизма, дадаизма и ташизма. Основателем спациализма является итальянский художник и скульптор Лючио Фонтана, отстаивавший принципы синтеза искусств на на основе современных научно-технических достижений.

Стакизм (Stuckism)— международное художественное движение, основанное в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишем и Чарли Томсоном для продвижения фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству.

 

Сын-Ханга (то есть «Новая гравюра») — художественное течение в Японии, которая существовала с перерывом до 1989 года. Бушующее художественная жизнь Японии начальных десятилетий 20 в. характеризовалось горячими дискуссиями и не менее напряженными поисками. Одни художники настаивали на скорейшем освоении художественного опыта Западной Европы и США, как это делалось в промышленном производстве по усвоению новых технологий, другие декларировали сохранение традиционных жанров и технологий, которые имели национальную окраску и национальные технологии.

Супрематизм (от лат.supremus— наивысший)— направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х годов К.С.Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции. На начальном этапе этот термин, восходивший к латинскому корню suprem, означал доминирование, превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи.

Сюрреалиизм (фр.surrеalisme— сверхреализм)— направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием иллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность— совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made».
Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.
Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления.

Ташизм (фр.Tachisme, от Tache — пятно) — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
К ташизму близки европейская группа «КОБРА» и японская группа «Гутаи» (Gutai). Одним из полных синонимов ташизма с точки зрения творческого метода и идеологии является абстрактный экспрессионизм, однако время появления, география распространения и персональный состав этих течений совпадает не полностью.>

Тенебризм (от итальянского , tenebroso (темная)), также называемый драматическиое освещение, используя ярко выраженную светотень, где есть жесткие контрасты света и тени, и где темнота становится доминантой образа. Методика была разработана, чтобы добавить драмы изображению через эффект прожектора, и был популярен в стиле барокко.

Тонализм (Tonalism) — направление в изобразительном искусстве США, появившееся в 1880-х годах и характеризующееся изображением пейзажей с доминирующим тоном воздушного пространства или тумана. С 1880 по 1915 в работах тоналистов доминировали темные и нейтральные тона — черный, серый, коричневый, темно-синий. В 1890-х годах американские критики начали называть подобные работы «тональными». Термин «тонализм» также иногда используется для обозначения американских пейзажей, созданных под влиянием Барбизонской школы. Позже тонализм был поглощён импрессионизмом и модернизмом.

Трансавтоматизм — современный стиль живописи, основанный Фриденсрайха Хундертвассера. Это своего рода сюрреализма , ориентируясь на фантазии зрителя, а не объективной интерпретации. Различные люди видят разные вещи на одной и той же картине. Трансавтоматизм основывается на различных стилях, разработанных Хундертвассера, например, спирали и капли.

Трансавангард— течение в европейской живописи, итальянский вариант нео-экспрессионизма. Термин «трансавангард» был введен в 1979 году итальянским критиком Акилле Бонито Олива и буквально означал «после авангарда».

 

Узор и украшения арт-движение находится в Соединенных Штатах с середины 1970-х годов до начала 1980-х годов. Движение иногда называют «P & D» или в качестве новой декоративности.

Укие-э (яп. 浮世絵, картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Слово укие, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Гравюры в стиле укие-э— основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо во второй половине XVII века.
Основоположником укие-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу. Изначально гравюры были черно-белыми— использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»). Для укие-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

Фантастический реализм — термин, применяемый к различным явлениям в искусстве. С 1948 существует «Венская школа фантастического реализма» в живописи, носившая ярко выраженный мистико-религиозный характер, обращающаяся к вневременным и вечным темам, исследованиям потаенных уголков человеческой души и ориентированная на традиции немецкого Возрождения.

Фовизм (от фр.fauve— дикий)— направление во французской живописи конца XIX— начала XX века. Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр.les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения.
Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго— примерно с 1898 по 1908 год. Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом.

Футурзм (лат.futurum — будущее)— общее название художественных авангардистских движений 1910-х— начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Футуристов интересовало не столько содержание, сколько форма стихосложения. Они придумывали новые слова, использовали вульгарную лексику, профессиональный жаргон, язык документа, плаката и афиш.
В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.
Главные художественные принципы— скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приемами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, где движение передается путем наложения последовательных фаз на одно изображение— так называемый принцип симультанности.

Экспрессионизм (от лат.expressio, «выражение»)— течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.
Экспрессионизм возник как острейшая, болезненная реакция на уродства капиталистической цивилизации, Первую мировую войну и революционные движения. Поколение, травмированное бойней мировой войны, воспринимало действительность крайне субъективно, через призму таких эмоций, как разочарование, тревога, страх.
Эстетизму и натурализму старшего поколения они противопоставляли идею непосредственного эмоционального воздействия на публику. Для экспрессионистов превыше всего субъективность творческого акта. Принцип выражения преобладает над изображением, очень распространены мотивы боли и крика.
Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX века, открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувства раздражения, отвращения, тревоги и фрустрации, которые они передавали при помощи угловатых, искореженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным с тем, чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Малопримечательные, на первый взгляд, картины современной уличной жизни получали под кистью экспрессионистов бьющую через край эмоциональную окраску.

Ямато-э (яп. 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией.

 

Японизм (от франц. Japonisme)— направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии укие-э и художественных ремесел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве таких мастеров, как Мане, Гоген, Винсент ван Гог и других импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.
Импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например изображения отдельно стоящего, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углубленные вдаль диагонали; ««зарешеченность» картины при помощи деревьев и пр. В Великобритании важнейшим представителем японизма следует считать жившего и работавшего там американского художника Уистлера.

‹‹ к списку статей

Хронология классической музыки

| Признательность музыки

Переходный период между барокко и классикой ок. 1730–1760

Глюк, деталь портрета Йозефа Дюплесси, датированного 1775 годом (Художественно-исторический музей, Вена)

Сначала новый стиль принял формы барокко — тройную da capo aria и sinfonia и Concerto — но составленный с более простыми частями, более заметным орнаментом и более выразительным разделением на части.Однако со временем новая эстетика привела к радикальным изменениям в том, как собирались части, и изменились основные макеты. Композиторы этого периода стремились к драматическим эффектам, ярким мелодиям и более четким текстурам. Итальянский композитор Доменико Скарлатти сыграл важную роль в переходе от барокко к классике. Его уникальный композиционный стиль тесно связан со стилем ранней классики. Он наиболее известен тем, что написал более пятисот одночастных клавишных сонат.В Испании Антонио Солер также написал ценные клавишные сонаты, более разнообразные по форме, чем у Скарлатти, с некоторыми пьесами в трех или четырех частях.

Музыка барокко обычно использует множество гармонических фантазий и не уделяет так много внимания структуре музыкального произведения, музыкальным фразам и мотивам. В классический период гармонические функции проще. Однако структура произведения, фразы и мотивы в мелодиях гораздо важнее, чем в эпоху барокко.

Еще одним важным разрывом с прошлым стал радикальный пересмотр оперы Кристофом Виллибальдом Глюком, который убрал много слоев и импровизационного орнамента и сосредоточился на точках модуляции и перехода. Сделав эти моменты, когда гармония меняется, более акцентированной, он обеспечил мощные драматические сдвиги в эмоциональной окраске музыки. Чтобы выделить эти эпизоды, он использовал изменения в инструментах, мелодии и моде. Среди самых успешных композиторов своего времени Глюк породил множество эмуляторов, одним из которых был Антонио Сальери.Их упор на доступность принес огромный успех в опере и вокальной музыке в более широком смысле: песнях, ораториях и припевах. Они считались наиболее важными видами музыки для исполнения и поэтому пользовались наибольшим успехом в общественном мнении.

Фаза между барокко и расцветом классики, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий. Иногда его называют g alant , r ococo , или pre-classic , а иногда ранней классикой .Это период, когда некоторые композиторы, все еще работающие в стиле барокко, процветают, хотя иногда их считают скорее прошлым, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман сочиняли далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в по восходящей. Музыкальная культура оказалась на перепутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового. Это одна из причин, по которой К. П. Э. Баха пользовались таким большим уважением: он достаточно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новой одежде с увеличенным разнообразием форм.

Около 1750–1775

Портрет Гайдна Томаса Харди, 1792

К концу 1750-х годов процветающие центры нового стиля были в Италии, Вене, Мангейме и Париже; Были сочинены десятки симфоний и были оркестры артистов, связанных с театрами. Опера или другая вокальная музыка была характерной чертой большинства музыкальных мероприятий, причем концерты и симфонии (возникающие из увертюры) служили инструментальными интермедиями и вступлениями к операм и церковным службам.В течение классического периода симфонии и концерты развивались и исполнялись независимо от вокальной музыки.

«Нормальный» ансамбль — совокупность струн, дополненных ветрами — и движения особого ритмического характера были созданы к концу 1750-х годов в Вене. Однако длина и вес произведений все же были заданы с некоторыми особенностями барокко: отдельные движения все еще были сосредоточены на одном «аффекте» или имели только одну резко контрастирующую среднюю часть, а их длина не была значительно больше, чем у барочных движений.Еще не было четко сформулированной теории о том, как сочинять в новом стиле. Настал момент для прорыва.

Многие считают, что этот прорыв был сделан К. П. Э. Бахом, Глюком и некоторыми другими. Действительно, К. П. Э. Баха и Глюка часто считают основоположниками классического стиля.

Первым великим мастером стиля был композитор Йозеф Гайдн. В конце 1750-х годов он начал сочинять симфонии, а к 1761 году написал триптих ( Утро , Полдень и Вечер ), основанный на современном стиле.В качестве вице-капельмейстера, а затем и капельмейстера, его творчество расширилось: только в 1760-х годах он сочинил более сорока симфоний. И хотя его слава росла, его оркестр расширялся, а его сочинения копировались и распространялись, его голос был лишь одним из многих.

Хотя некоторые предполагают, что его затмили Моцарт и Бетховен, трудно переоценить центральную роль Гайдна в новом стиле и, следовательно, в будущем западной художественной музыки в целом. В то время, до превосходства Моцарта или Бетховена и с Иоганном Себастьяном Бахом, известным в первую очередь ценителям клавишной музыки, Гайдн достиг в музыке такого места, которое поставило его над всеми другими композиторами, за исключением, возможно, Джорджа Фридриха Генделя.Он взял существующие идеи и радикально изменил то, как они функционировали, заработав титулы «отец симфонии» и «отец струнного квартета».

Одной из сил, которые послужили толчком для его продвижения вперед, было первое движение того, что позже будет называться романтизмом — Sturm und Drang , или фаза «шторма и стресса» в искусстве, короткий период, когда очевидна эмоциональность было стилистическим предпочтением. Соответственно, Гайдн хотел более драматического контраста и более эмоционально привлекательных мелодий, с отточенным характером и индивидуальностью.Этот период исчез в музыке и литературе: однако он повлиял на то, что пришло позже, и в конечном итоге станет компонентом эстетического вкуса в последующие десятилетия.

Прощальная симфония , № 45 фа минор, иллюстрирует интеграцию Гайдном различных требований нового стиля с удивительно резкими поворотами и длинным адажио в завершение произведения. В 1772 году Гайдн завершил свой набор из шести струнных квартетов Opus 20, в котором он применил полифонические техники, собранные им из предыдущей эпохи, чтобы обеспечить структурную согласованность, способную удержать вместе его мелодические идеи.Для некоторых это знаменует начало «зрелого» классического стиля, в котором период реакции на сложность позднего барокко уступил место периоду интеграции барочных и классических элементов.

Около 1775–1790

Вольфганг Амадей Моцарт, картина Барбары Крафт, посмертная 1819

Гайдн, проработавший более десяти лет музыкальным руководителем принца, имел гораздо больше ресурсов и возможностей для сочинения, чем большинство других, а также способность формировать силы, которые будут играть его музыку.Эта возможность не была упущена, так как Гайдн, начиная довольно рано в своей карьере, стремился продвигать технику построения идей в музыке. Его следующим важным прорывом стали струнные квартеты Opus 33 (1781), в которых мелодические и гармонические роли переходят между инструментами: часто на мгновение непонятно, что такое мелодия, а что гармония. Это меняет способ работы ансамбля между драматическими переходными моментами и кульминационными моментами: музыка течет плавно и без явных перерывов.Затем он взял этот интегрированный стиль и начал применять его к оркестровой и вокальной музыке.

Дар Гайдна музыке был способом сочинения, способом структурирования произведений, который в то же время соответствовал основной эстетике нового стиля. Однако более молодой современник, Вольфганг Амадей Моцарт, привнес свой гений в идеи Гайдна и применил их к двум основным жанрам того времени: опере и виртуозному концерту. В то время как Гайдн провел большую часть своей трудовой жизни придворным композитором, Моцарт хотел общественного успеха в концертной жизни городов.Это означало оперу, и это значило виртуозное выступление. Гайдн не был виртуозом на международном гастрольном уровне; при этом он не стремился создавать оперные произведения, которые можно было бы разыгрывать в течение многих вечеров перед большой аудиторией. Моцарт хотел и того, и другого. Более того, Моцарт также имел склонность к большему количеству хроматических аккордов (и большим контрастам в гармоническом языке в целом), большей любви к созданию беспорядка мелодий в одном произведении и большей итальянской чувствительности в музыке в целом. Он нашел в музыке Гайдна, а затем в своем исследовании полифонии Баха, средства дисциплинировать и обогатить свои способности.

Семья Моцарта около 1780 года. Портрет на стене матери Моцарта.

Моцарт быстро привлек внимание Гайдна, который приветствовал нового композитора, изучил его произведения и считал молодого человека своим единственным истинным сверстником в музыке. В Моцарте Гайдн обнаружил более широкий диапазон инструментовки, драматического эффекта и мелодического ресурса; отношения обучения двигались в двух направлениях.

Прибытие Моцарта в Вену в 1780 году ускорило развитие классического стиля.Там Моцарт впитал в себя сочетание итальянского блеска и германской сплоченности, которое назревало в течение предыдущих 20 лет. Его собственный вкус к блеску, ритмически сложным мелодиям и фигурам, длинным мелодиям кантилен и виртуозным росчеркам был объединен с признанием формальной связности и внутренней связанности. Именно в этот момент война и инфляция остановили тенденцию к созданию более крупных оркестров и вынудили распустить или сократить многие театральные оркестры. Это подтолкнуло классический стиль внутрь себя: к поиску большего ансамбля и технических проблем — например, рассредоточение мелодии на деревянных духовых или использование третей для выделения мелодии, взятой ими.Этот процесс сделал ставку на камерную музыку для более публичного выступления, что дало дополнительный импульс струнному квартету и другим небольшим ансамблевым группам.

Это было в течение этого десятилетия, когда общественный вкус начал все больше признавать, что Гайдн и Моцарт достигли более высокого уровня композиции. К тому времени, когда Моцарту исполнилось 25 лет, в 1781 году, доминирующие стили Вены были явно связаны с возникновением в 1750-х годах раннего классического стиля. К концу 1780-х годов у композиторов, подражавших Моцарту и Гайдну, утвердились изменения в исполнительской практике, относительное положение инструментальной и вокальной музыки, технические требования к музыкантам и стилистическое единство.В течение этого десятилетия Моцарт написал свои самые известные оперы, шесть поздних симфоний, которые помогли переопределить жанр, и ряд фортепианных концертов, которые до сих пор являются вершиной этих форм.

Один из композиторов, оказавших влияние на распространение более серьезного стиля, который сформировали Моцарт и Гайдн, — это Муцио Клементи, одаренный пианист-виртуоз, который вступил с Моцартом в музыкальную «дуэль» перед императором, в которой каждый из них импровизировал и исполнил свои композиции. Сонаты Клементи для фортепиано получили широкое распространение, и он стал самым успешным композитором Лондона 1780-х годов.Также в это время в Лондоне находился Ян Ладислав Дуссек, который, как и Клементи, призвал производителей фортепиано расширять диапазон и другие характеристики своих инструментов, а затем полностью использовал вновь открывшиеся возможности. Важность Лондона в классический период часто упускается из виду, но он служил домом для фабрики Бродвуда по производству фортепиано и базой для композиторов, которые, хотя и менее заметны, чем «Венская школа», оказали решающее влияние на то, что произошло. позже. Они были составителями многих прекрасных произведений, заслуживающих внимания сами по себе.Пристрастие Лондона к виртуозности вполне могло способствовать проработке сложных пассажей и расширенных утверждений о тонике и доминанте.

Около 1790–1820 гг.

Когда Гайдн и Моцарт начали сочинять, симфонии игрались как отдельные части — до, между или в качестве интермедий внутри других произведений — и многие из них длились всего десять или двенадцать минут; у инструментальных групп были разные стандарты игры, и континуо было центральной частью создания музыки.

За прошедшие годы в социальном мире музыки произошли драматические изменения.Стремительно выросли международные публикации и гастроли, образовались концертные общества. Обозначения стали более конкретными, наглядными, а схемы произведений упростились (но стали более разнообразными в их точном исполнении). В 1790 году, незадолго до смерти Моцарта, когда его репутация быстро распространялась, Гайдн был готов к ряду успехов, особенно к его поздним ораториям и «лондонским» симфониям. Композиторы Парижа, Рима и всей Германии обращались к Гайдну и Моцарту за своими идеями о форме.

Портрет Бетховена работы Йозефа Карла Стилера, 1820 г.

Время снова настало для драматических перемен. В 1790-х годах появилось новое поколение композиторов, родившихся около 1770 года. Хотя они выросли на более ранних стилях, в недавних работах Гайдна и Моцарта они услышали средство для большей выразительности. В 1788 году Луиджи Керубини поселился в Париже и в 1791 году написал оперу « Лодойска », которая принесла ему известность. Его стиль явно отражает зрелых Гайдна и Моцарта, а его инструменты придали ему вес, который еще не ощущался в большой опере.Его современник Этьен Мехул расширил инструментальные эффекты своей оперой 1790 года Евфрозин и Корадин , из которой последовал ряд успехов.

Самым роковым представителем нового поколения стал Людвиг ван Бетховен, который начал свои пронумерованные произведения в 1794 году набором из трех фортепианных трио, которые остались в репертуаре. Несколько моложе других, хотя и не менее образованный благодаря юношеской учебе у Моцарта и его природной виртуозности, был Иоганн Непомук Хуммель.Хуммель также учился у Гайдна; он был другом Бетховена и Франца Шуберта. Он сконцентрировался на фортепиано больше, чем на любом другом инструменте, и его время в Лондоне в 1791 и 1792 годах привело к составлению и публикации в 1793 году трех фортепианных сонат, opus 2, в которых идиоматически использовались техники Моцарта по уходу от ожидаемой каденции, а иногда и модально — техника Клементи. неопределенная виртуозная фигура. Взятые вместе, этих композиторов можно рассматривать как авангард широких изменений стиля и центр музыки.Они изучали произведения друг друга, копировали жесты друг друга в музыке и иногда вели себя как сварливые соперники.

Хаммель 1814 г.

Важнейшие отличия от предыдущей волны можно увидеть в сдвиге мелодий вниз, увеличении продолжительности движений, принятии Моцарта и Гайдна как парадигматических, более широком использовании клавишных ресурсов, переходе от «вокального» письма к «пианистическому». письмо, растущее притяжение минора и модальной двусмысленности, а также возрастающее значение различных сопровождающих фигур для продвижения «текстуры» как элемента в музыке.Короче говоря, поздняя классика искала музыку, которая была бы внутренне более сложной. Рост концертных обществ и любительских оркестров, отмечая важность музыки как части жизни среднего класса, способствовал бурному росту рынка фортепиано, фортепианной музыки и виртуозов, которые служили образцами. Хуммель, Бетховен и Клементи были известны своей импровизацией.

Непосредственное влияние барокко продолжало исчезать: фигурный бас становился все менее заметным как средство удержания исполнения, практика исполнения середины 18 века продолжала исчезать.Однако в то же время стали доступны полные издания мастеров барокко, и влияние стиля барокко продолжало расти, особенно во все более широком использовании латуни. Еще одна особенность того периода — рост числа спектаклей, в которых композитор не присутствовал. Это привело к повышению детализации и конкретности обозначений; например, было меньше «необязательных» частей, стоящих отдельно от основной партитуры.

Сила этих сдвигов стала очевидна в 3-й симфонии Бетховена, которую композитор назвал Eroica , что в переводе с итальянского означает «героический».Как и в случае с The Rite of Spring Стравинского, он, возможно, не был первым во всех своих нововведениях, но его агрессивное использование каждой части классического стиля отличает его от современных работ: по длине, амбициям и гармоничным ресурсам. также.

Хронология классических композиторов

Понимание различий между жанрами современной классической музыки

Помните безмятежные дни, когда музыкальные жанры имели четкие границы? Никто не ожидал услышать клавесин в классическом сочинении.Границы были четкими. Конечно, каждый должен был четко различать «классическую музыку» (с середины 1700-х до начала 1800-х годов) и «классическую музыку» (инструментальная музыка от периода барокко до наших дней), но с этим можно было справиться.

Сегодняшний мир бесчисленных музыкальных жанров может сбивать с толку. Люди не согласны с тем, как их определять. Постмодернистская композиция — это временные рамки или стиль? Есть ли разница между полистилизмом и эклектизмом, или это синонимы?

Кроме того, современные композиторы часто отказываются от классификации.Они работают в разных стилях, в различных средах и опираются на широкий спектр идей, не все из которых основаны на музыке.

Итак, вот наша небольшая попытка пролить свет на некоторые жанры современной классической музыки. Нам пришлось очертить собственные границы. Мы определяем «современную» классическую музыку как период времени, начавшийся примерно с 1975 года. Тем не менее, наш обзор будет начинаться с «модернизма» из-за его влияния на современную классическую музыку посредством его отказа или повторного изобретения.

Модернизм

Мы коснемся модернизма, так как он определяет современную классическую композицию. Период модернизма в классической музыке начался в 1890-е годы, время значительных художественных новшеств, отражавших технологические достижения того времени. Этот период имеет ряд различных собственных композиционных стилей, но их можно в общих чертах отнести к стилям, сознательно нарушающим классическую композиционную структуру прошлого, чтобы исследовать более широкие идеи того, что составляло музыку.Одним из величайших разрывов с традициями была разработка атональных или политональных моделей, которые, казалось, были созданы для того, чтобы бросить вызов тому, требует ли хорошая композиция приятной эстетики. Композитор Арнольд Шенберг и его 12-тональная техника (также называемая «12-тональный сериализм») являются типичным примером такого отношения. Шенберг оказал большое влияние на других композиторов, а также подвергся резкой критике.

Постмодернизм

В то время как модернизм был разрывом с предшествующей традицией, постмодернизм выступает как отказ как от более раннего традиционализма, так и от сложных экспериментов с модернизмом.Многие музыковеды утверждают, что постмодернистская классическая музыка — это не особый стиль, а скорее философия композиции, которая отвергает идею объективных стандартов в пользу концепции реальности, которая всегда конструируется социально и лично. Другие предполагают, что это название просто очерчивает музыку, написанную в годы после модернизма, хотя они спорят, начался ли постмодернистский период в конце 1940-х или 1960-х.

Профессор музыки Дэниел Олбрайт приписал постмодернистской композиции стилистические атрибуты, хотя не все обязательно должны присутствовать в одном произведении.

• Расширение круга предметов, из которых можно было бы создавать музыку, от таких вещей, как использование звуков движения или изменение того, как играли на инструментах.
• Внесение случайности в процесс композиции, например, использование тишины для выделения случайных звуков, как это сделал Джон Кейдж в 4 ’33”.
• Принятие полистилизма, которое сознательно использует целый ряд музыкальных стилей и традиций и смешивает их в единую композицию. Это широко определено, поэтому композитор Александр Данилевский, который любил черпать музыкальные традиции из Средневековья, является композитором-постмодернистом.

В самом деле, каждый из следующих жанров, перечисленных ниже, может считаться постмодернистской классической школой, но, поскольку этот термин зашел слишком далеко, эти жанры сильно отличаются друг от друга.

Минимализм и постминимализм

Стиль минимализма возник как отказ от сильно фактурных модернистских композиций. Минимализм характеризуется равномерной динамикой, отсутствием украшений и ограниченным количеством материалов, будь то используемые инструменты или играемые ноты.Вот струнный квартет Филиппа Гласса № 3 «Мисима», VI как образец минималистической композиции.

Пост-минимализм — это расширение минимализма, но отличается от него менее линейным подходом к композиции. В то время как минимализм в значительной степени полагается на повторение и итерацию, постминималисты открыты для широкого спектра культурных традиций, не только музыкальных, и, следовательно, имеют более обширную музыкальную палитру. Опера постминималистического композитора Элоди Лаутен «Смерть Дон Жуана» — хороший пример этого стиля.

Полистилизм

Как следует из названия, этот жанр осознанно определяется своим подходом к смешению различных культурных и исторических влияний в музыкальной композиции. Он может привлекать неклассические музыкальные стили, такие как джаз, рок и фолк. Композитор Джадд Гринштейн, который объединяет разные стили и инструменты, часто в очень ритмичное произведение, является хорошим примером жанра полистилизма.

Тем не менее, полистилизм настолько широк, что он также включает композиторов и произведения, основанные на немузыкальных элементах.Примеры включают композитора Эндрю Нормана, на которого сильно повлияла архитектура. Среди его работ «Фарнсворт: четыре портрета дома» и «Дом Фрэнка» со ссылкой на архитектора Фрэнка Гери.

Здесь вы можете познакомиться с произведениями современных композиторов. Можете ли вы определить, в каком жанре они работают? Они придерживаются одного жанра? Возможно, определяющей характеристикой современной классической музыки является отказ от жесткой категоризации.

Верхнее фото Филипа Гласса, созданное MITO SettembreMusica

ИСКУССТВО 17 ВЕКА между барокко и классицизмом

Понимание искусства в 17 веке означает открытие двух великих художественных течений: барокко и классицизма.
Два разных способа общения и творчества, о которых я расскажу в этом посте.

Караваджо, Мальчик с корзиной фруктов

Искусство 17-го, ^-го, -го века, , включает работы художников, которые были великими новаторами.
После поста, посвященного Искусство в 16 веке , я продолжу описание того, что произошло в следующем столетии, составив список особенностей искусства в 17 ^-е века и его главных художников .

ИСКУССТВО 17 ВЕКА: ХУДОЖНИКИ

В 17 веке выделялись некоторые деятели искусства, навсегда изменившие историю итальянского и европейского искусства.
В начале века в Риме одновременно работали два великих художника: Аннибале Карраччи, , который работал над оформлением Галереи Фарнезе, и Караваджо, , который писал картины в капелле Контарелли. в церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези.
Карраччи в своем стиле суммирует наиболее важные завоевания эпохи Возрождения, но придает своим картинам оптическую иллюзию, которую может достичь только интеграция архитектуры, живописи и скульптуры.Караваджо не создает иллюзию перспективы, но в своих рассказах и портретах создает мрачную и темную атмосферу, где контраст между светом и темнотой является настоящим главным героем. Они не могут быть более разными!

Карраччи основал школу , и его помощники (включая, например, Доменикино и Гвидо Рени) доминировали в художественной комиссии до середины 17 века; Караваджо , вместо этого не основал школу, но его последователи и поклонники (например, Орацио и Артемизия Джентилески и Валантин де Баулонь) использовали его стиль в своих картинах.

ИСКУССТВО 17 ВЕКА МЕЖДУ КЛАССИЦИЗМ И БАРОКОМ

Искусство 17 века характеризует не только деятельность великих художников, но и рождение двух очень важных художественных течений: классицизма и барокко.
Барокко находит свое высшее выражение в работах Джан Лоренцо Бернини, который может передать то, что могут понять только чувства: желание, страх, насилие, боль, экстаз и чувственность.
Бернини и художники барокко были способны придать форму тому, что нельзя объяснить, а только почувствовать.
Классицизм , напротив, представляет собой чистую красоту и подчеркивает разум, а не чувства, создавая прекрасные произведения искусства без недостатков, где эмоции контролируются, а ориентиром является классическое искусство.

Аполлон и Дафна Бернини

ИСКУССТВО 17 ВЕКА: КОЛЛЕКЦИИ ИСКУССТВА

Галерея Фарнезе , которой посвятил себя Аннибале Карраччи, станет важной художественной мастерской для искусства в 17 веке , а также моделью для будущих художественных галерей, которые лежат в основе современных музеев.
Фактически, в XVII веке многие меценаты и коллекционеры были готовы потратить большие деньги на то, чтобы заказывать художникам своего времени произведения искусства для выставок в их галереях, небольших помещениях или дворцах, полностью занятых их коллекциями. Среди наиболее важных галерей мы должны помнить Галерею Фарнезе, Коллекцию Альдобрандини, Галерею Боргезе, Галерею Дориа Памфили, Галерею Медичи во Флоренции, Галерею Савойи в Турине и Коллекцию Федерико Борромео в Милане.

Эволюция классической музыки: обзор | Лейса Мишель | Моцарт Для маглов

Это снова то время! Добро пожаловать в серию «Моцарт для маглов», в которой рассказывается о классической музыке для людей, которые ее просто не понимают. Здесь мы сохраняем простоту. Никакого жаргона, никаких технических терминов и очень мало теории. Просто много хорошей музыки!

В следующие несколько недель мы рассмотрим эволюцию западной классической музыки на протяжении всей ее истории. Ну, от периода барокко до наших дней.Я мало что знаю о музыке до 1600 года. Но если кто-то захочет выступить и написать обзор музыки эпохи Возрождения или Средневековья, вы станете настоящим героем!

Музыка, как и искусство, является отражением борьбы и идеалов человечества. Музыка не просто заставляет нас чувствовать себя хорошо, это не просто что-то веселое и занимательное, она обычно наполнена значимостью и смыслом.

Когда мы слушаем любое музыкальное произведение, мы получаем представление о композиторе или музыканте .Мы чувствуем, что было важно для них и, соответственно, что было важно для их аудитории. Если песня или музыкальное произведение популярны, это означает, что музыка (и ее послание) находят отклик у людей того времени. Это касается не только классической музыки, но и современной популярной музыки!

Итак, когда мы видим широкую картину схожих музыкальных стилей в определенный период времени, мы можем делать предположения и обобщения о людях, которые жили в этот период. Что меня больше всего увлекает, так это то, что популярная музыка, искусство, литература и философия, кажется, всегда меняются вместе.Мы не будем вдаваться в подробности этого краткого обзора, но можете быть уверены, что мы поговорим об этом в следующих статьях!

Итак, приступим к делу. Проще говоря, в истории западной классической музыки есть четыре периода: барокко, классика, романтика и ХХ век.

1600–1750

Грубо говоря, период барокко длится с 1600–1750 годов. Некоторыми известными композиторами этого периода были Бах, Гендель и Вивальди.

Слово «барокко» происходит от португальского «barroco», что означает «жемчужина неправильной формы».Музыкальные критики 1800-х годов считали музыку барокко преувеличенной и неестественной, а композиторы слишком старались. Обилие лязгающих клавесинов в музыке не очень помогает Баху. Так вот откуда взялось странное название.

В эпоху Возрождения существовало два популярных способа создания музыки: 1) одна мелодия игралась, а аккомпанемент (фоновая музыка) импровизировался, и 2) несколько мелодий игрались одновременно. Музыканты и композиторы эпохи барокко начали это менять.Опера была придумана в это время из желания сделать солистку и отдельную мелодию более заметной.

Музыка барокко — это когда «тональность» вошла в моду. Вы ведь слышали о чешуе? Шкала состоит из 7 нот, расположенных в определенном порядке. Тональная музыка выбирает гамму, придерживается ее и имеет одну ноту («тонику»), которая является самой важной. Тональная музыка есть, действительно грубо поставили , музыка которая звучит хорошо. Бетховен, Битлз и Бруно Марс пишут тональную музыку. Шенберг — нет.Барток — нет.

Если вы помните из своего урока истории, протестантизм в то время был на подъеме. Кальвинисты не любили музыку, в отличие от многих других протестантов. Многие состоятельные люди стали покровителями Баха и других композиторов. В итоге церкви заказали много музыки.

В период барокко есть еще много интересного, но мы поговорим об этом в следующей статье!

Канон D Пахельбеля — образец музыки барокко.

Хор «Аллилуйя» Генделя из «Мессии» также является очень известным произведением в стиле барокко.

1750–1820

Пора громко поблагодарить Гайдна, Моцарта и Бетховена, важнейших композиторов-классиков!

Мы называем классический период истории музыки «классическим» из-за большого влияния, которое Классический Рим и Греция оказали на стили музыки, искусства и литературы в целом в этот период. Если вы помните из уроков истории, Просвещение происходило прямо сейчас.

Импровизация стала менее заметной в классический период.Каждая строчка, каждая партия, голос каждого инструмента были аккуратно записаны. Теперь музыка оставалась не столько в руках музыканта, сколько в руках композитора. Музыка стала намного сложнее и запутаннее.

Композиторы также начали сознательно писать, насколько громко или тихо и насколько быстро или медленно они хотели бы, чтобы каждое музыкальное произведение было проиграно. Музыка этого периода звучит намного «легче», потому что аккорды меняются не так часто.

Ансамбли стали больше. То есть на сцену вышло больше людей, чтобы играть музыку! Начали сочинять большие симфонии, и сложные оперы, и струнные квартеты.И концерты стали общественными, общественными (в отличие от периода барокко, когда концерты устраивались либо в частных, либо в церкви).

40-я симфония Моцарта — классическое произведение классического периода.

1800–1915

Бетховен открыл волну вдохновения и новаторства в мире музыки (и действительно, действительно трудно сказать, был ли он действительно классическим композитором!). Менялся и мир в целом. Франция и США переживали революции.Индустриализм пустил корни на Западе. Это естественно, что мы видим изменение музыки в результате всего этого.

Не существует исчерпывающего списка фантастических композиторов романтического периода, но некоторые из них включают Шуберта, Шумана, Малера, Листа, Шопена, Дворжака, Дебюсси, Верди, Пуччини и Чайковского.

«Романтика» не обязательно имеет какое-либо отношение к любви или романтике, но имеет отношение к чувствам и эмоциям. Музыка, написанная в этот период, была чрезвычайно выразительной.Композиторы стремились выразить все, что чувствуют люди: горе, трагедию, любовь, желание, мир, все то, что, кажется, делает нас людьми.

Композиторы стали больше экспериментировать с музыкой. Начали нарушать правила. Они изменили тональность (они использовали один масштаб для части композиции, а затем использовали другой масштаб для другой части). Они играли с измерителем (они заканчивали фразы раньше и помещали вылеты символов там, где их не ожидаешь!). Они использовали много новых инструментов, таких как пикколо и бас-кларнет, поэтому ансамбли получили даже больше , чем они были столетие назад.

Симфония Малера No. 1 «Титан» — захватывающий образец романтической старинной музыки!

Романтическая музыка чаще всего рассказывает историю. И это повествование — одна из тех вещей, против которых выступала музыка 20 века.

1900–2000

Из quickmeme.com

Многие композиторы в 20-м веке отреагировали на повествовательную природу музыки прошлого века. Фокус во многом сместился, чтобы музыка могла быть «музыкой ради нее самой». Композиторы экспериментировали с такими вещами, как атональность и политональность (не используя единую шкалу для создания музыкального произведения, как это делалось с 1600 года) и диссонанс (вещи, которые звучат шумно и «плохо»).Они использовали машины в композициях, как в «Пишущей машинке» Лероя Андерсона.

Состояние общества и реальность мировых войн серьезно повлияли на содержание музыки в этот период. Музыка стала более грубой, более тревожной. Многие композиторы стали одержимы бессознательным, особенно уродливыми чувствами и проявлениями Ид, которые внезапно стали повсеместными. Другие композиторы хотели изобразить в своей музыке разрушения, которые произошли в их городах и странах из-за мировых войн.

Многие люди слышат классическую музыку 20 века, быстро затыкают уши и говорят: «Какой мусор! Это не настоящая музыка! » Но именно здесь контекст становится невероятно важным. Вот где важно знать свою историю. Именно здесь наиболее очевидно, насколько сильно пересекаются музыка, искусство, литература и философия. Классическая музыка 20 века — одна из моих самых любимых, особенно из-за ее безобразия.

В этом шуме я слышу себя. Я слышу своего соседа.Я слышу прошлое и будущее. Эта музыка помогает нарисовать полное представление о том, что значит быть человеком. Вещи не всегда так хороши. Жизнь не всегда прекрасна. Классическая музыка 20 века берет это осознание и идет вместе с ним.

Взгляните на эту запись Сюиты Стравинского «Жар-птица», чтобы услышать, какие произведения писались в начале 20 века. Вы можете сравнить это с каноном ре-мажор Пахельбеля периода барокко, чтобы действительно понять, насколько музыка изменилась за 400 лет!

Итак, понимаете, музыка — это не только гимны, которые играли в церкви, или песни с того рейва в субботу вечером, или даже симфония Моцарта.Это коллективно и отражает то, кем мы являемся как люди.

Если вы до сих пор не уверены, что история музыки одновременно увлекательна и важна, будьте терпеливы. Чем глубже вы идете, тем очевиднее становится очевидность. Вы убедитесь в этом, прочитав эту серию статей по истории музыки.

Дополнительные ресурсы:

Как всегда, следите за новостями и порекомендуйте их, чтобы вы и ваши друзья могли осуществить свои давние мечты стать любителями классической музыки в стиле хип-хет, подгонки моноклей!

Искусство и архитектура барокко | Определение, характеристики, художники, история и факты

Искусство и архитектура барокко , изобразительное искусство, проектирование и строительство зданий, возникшие в эпоху истории западного искусства, которая примерно совпадает с 17 веком.Самые ранние проявления, которые произошли в Италии, относятся к последним десятилетиям 16-го века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые кульминационные достижения барокко не произошли до 18-го века. Произведение, которое отличает период барокко, стилистически сложное, даже противоречивое. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, жизненная сила, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Популярные вопросы

Откуда взялся термин

Барокко ?

Термин Baroque , вероятно, происходит от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчужины несовершенной формы.В художественной критике слово Барокко пришло для обозначения чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от правил и пропорций, установленных в эпоху Возрождения. До конца 19 века этот термин всегда подразумевал странное, преувеличенное и чрезмерно украшенное. Только в новаторском исследовании Генриха Вельфлина, Renaissance und Barock (1888), этот термин использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и была достигнута систематическая формулировка характеристик стиля барокко.

Каковы особенности искусства и архитектуры барокко?

Произведение, выделяющее период барокко, стилистически сложное и даже противоречивое. Например, течения натурализма и классицизма сосуществовали и смешивались с типичным стилем барокко. В целом, однако, в основе его проявлений лежит желание вызвать эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Некоторые из качеств, наиболее часто ассоциируемых с барокко, — это величие, чувственное богатство, драматизм, динамизм, движение, напряжение, эмоциональная яркость и тенденция к стиранию различий между различными искусствами.

Как возникли искусство и архитектура барокко?

Три широких течения оказали влияние на искусство барокко, первой из которых была Контрреформация. Борясь с распространением протестантской Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Приняла пропагандистскую программу, в которой искусство должно было служить средством стимулирования общественной веры в церковь. Возникший стиль барокко был одновременно чувственным и духовным. В то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать преданность и передать великолепие божественного.Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий: дворцы в стиле барокко были построены в монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь централизованного государства, явление, которое лучше всего было продемонстрировано в Версале. Третья тенденция заключалась в расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара. Это породило новое ощущение человеческого ничтожества (особенно чему способствовало коперниковское смещение Земли из центра вселенной) и бесконечности природного мира.Пейзажи, на которых люди изображены в виде крошечных фигур на обширной территории, свидетельствуют об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Какие художники ассоциируются со стилем барокко?

Аннибале Карраччи и Караваджо были двумя итальянскими художниками, которые помогли открыть барокко и чьи стили представляют, соответственно, классицизм и реалистичность. Художница Артемизия Джентилески была признана в 20 веке за свое техническое мастерство и амбициозные исторические картины.Джан Лоренцо Бернини, чьи достижения включали проект колоннады перед базиликой Святого Петра в Риме, был величайшим из скульпторов-архитекторов эпохи барокко. Упорядоченные картины Николя Пуссена и сдержанная архитектура Жюля Ардуэна-Мансара показывают, что импульс барокко во Франции был более сдержанным и классическим. В Испании художник Диего Веласкес использовал мрачный, но мощный натуралистический подход, который имел лишь некоторое отношение к мейнстриму живописи в стиле барокко.Тем временем этот стиль в ограниченных масштабах проник в северную Европу, особенно на территорию нынешней Бельгии. Величайшим мастером этого испанского в основном римско-католического региона был художник Питер Пауль Рубенс, чьи бурные диагональные композиции и полнокровные фигуры являются воплощением живописи в стиле барокко. Однако искусство в Нидерландах более сложное. Обусловленные реалистическими вкусами покровителей из среднего класса, такие выдающиеся мастера, как Рембрандт, Франс Хальс и Иоганнес Вермеер, оставались в значительной степени независимыми от барокко в важных отношениях, но многие художественные тексты, тем не менее, приравнивают их к стилю.Однако барокко оказало заметное влияние на Англию, особенно на архитектуру сэра Кристофера Рена.

Чем стиль рококо отличался от барокко?

Стиль рококо зародился в Париже около 1700 года и вскоре был принят по всей Франции, а затем и в других странах, в основном в Германии и Австрии. Как и стиль барокко, рококо использовалось в декоративном искусстве, дизайне интерьера, живописи, архитектуре и скульптуре. Его часто называют завершающей фазой барокко, но стиль отличается от своего предшественника интимным масштабом, асимметрией, легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых естественных форм в орнаменте.Живопись в стиле рококо во Франции, например, началась с изящных, мягко-меланхоличных картин Антуана Ватто, завершилась игривыми и чувственными обнаженными фигурами Франсуа Буше и закончилась свободно написанными жанровыми сценами Жана-Оноре Фрагонара. Живопись французского рококо в целом характеризовалась беззаботным, беззаботным обращением с мифологическими темами и темами ухаживания, представлением семьи как предмета, богатой и тонкой манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.

Происхождение термина

Термин барокко, вероятно, в конечном итоге произошел от итальянского слова barocco , которое философы использовали в средние века для описания препятствия в схематической логике. Впоследствии это слово стало обозначать любую искаженную идею или инволютивный процесс мышления. Другой возможный источник — португальское слово barroco (исп. barrueco ), используемое для описания жемчуга неправильной или несовершенной формы, и это употребление до сих пор сохранилось в термине ювелира барокко жемчуг .

В искусствоведении слово «барокко» стало использоваться для описания чего-либо необычного, причудливого или иным образом отклоняющегося от установленных правил и пропорций. Этот предвзятый взгляд на стили искусства 17-го века с небольшими изменениями поддерживался критиками, от Иоганна Винкельмана до Джона Раскина и Якоба Буркхардта, и до конца 19-го века этот термин всегда подразумевал странный, гротескный, преувеличенный и чрезмерно украшенный. Только с пионерским исследованием Генриха Вельфлина Renaissance und Barock (1888) термин барокко использовался как стилистическое обозначение, а не как термин тонко завуалированного злоупотребления, и было достигнуто систематическое определение характеристик стиля барокко.

Три основных тенденции эпохи

Три более широких культурных и интеллектуальных тенденции оказали глубокое влияние на искусство барокко, а также музыку барокко. Первым из них было появление Контрреформации и расширение ее владений как в территориальном, так и в интеллектуальном плане. К последним десятилетиям XVI века изысканный придворный стиль, известный как маньеризм, перестал быть эффективным средством выражения, и его непригодность для религиозного искусства все больше ощущалась в художественных кругах.Чтобы противостоять набегам Реформации, Римско-католическая церковь после Тридентского собора (1545–1563 гг.) Заняла пропагандистскую позицию, в соответствии с которой искусство должно было служить средством расширения и стимулирования общественной веры в церковь. С этой целью церковь приняла сознательную художественную программу, произведения искусства которой будут вызывать у верующих откровенно эмоциональный и чувственный призыв. Стиль барокко, возникший из этой программы, парадоксальным образом был одновременно чувственным и духовным; в то время как натуралистическая обработка сделала религиозный образ более доступным для среднего прихожанина, драматические и иллюзорные эффекты использовались, чтобы стимулировать благочестие и преданность и передать впечатление великолепия божественного.Таким образом, церковные потолки в стиле барокко растворялись в живописных сценах, которые представляли для наблюдателя яркие виды бесконечного и направляли чувства к небесным заботам.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Вторая тенденция заключалась в консолидации абсолютных монархий, сопровождавшейся одновременной кристаллизацией выдающегося и могущественного среднего класса, который теперь стал играть роль в покровительстве искусству. Дворцы в стиле барокко были построены в расширенном и монументальном масштабе, чтобы продемонстрировать мощь и величие централизованного государства, явление, которое лучше всего демонстрируется в королевском дворце и садах Версаля.В то же время развитие рынка картин для среднего класса и его стремление к реализму можно увидеть в работах братьев Ленена и Жоржа де Ла Тур во Франции и в различных школах голландской живописи 17-го века. (Подробное обсуждение этого феномена, см. Rembrandt van Rijn.)

Третья тенденция заключалась в новом интересе к природе и общем расширении интеллектуальных горизонтов человека, вызванном развитием науки и исследованиями земного шара.Это одновременно породило новое ощущение как человеческой незначительности (особенно чему способствовало коперниковское смещение Земли из центра вселенной), так и неожиданной сложности и бесконечности природного мира. Развитие пейзажной живописи 17-го века, в которой люди часто изображаются в виде крошечных фигур в огромном естественном окружении, свидетельствует об этом меняющемся осознании условий жизни человека.

Эмоциональная разница между музыкой барокко и романтикой

Сегодня, просто для развлечения, я хотел бы сравнить эмоциональную сторону музыки барокко с музыкой романтического периода.Здесь много музыкальных произведений, написанных разными композиторами эпохи барокко и романтизма. Например, Бах, Петцольд, Пашебель, Вивальди и др. Эпохи барокко и Шопен, Рахманинов, Чайковский, Лист, Бородин, Григ, Мусоргский, Верди, Бизе, Брамс и многие другие эпохи романтизма. Большинство из них движутся и вызывают человеческие эмоции разными способами, но по-разному, когда вы сравниваете их между музыкой барокко и романтической музыкой в ​​целом.

Некоторые люди используют музыку в стиле барокко в качестве фоновой музыки.Они могут даже тихо играть музыку в стиле барокко и одновременно работать в вашем офисе или мыть посуду. Тем не менее, трудно, чтобы музыка эпохи романтизма играла на заднем плане и не отвлекалась на нее и не отвлекалась на нее. Вы, наверное, тоже сталкиваетесь с этим в своей жизни.

Это потому, что музыка эпохи романтизма вызывает у вас эмоции иначе, чем музыка барокко. Композиции романтического периода больше похожи на рассказы. В этом есть драма.Взлеты и падения гораздо более очевидны, чем в музыке барокко. Очевидность создается сильными «очевидными» гармоническими (аккордовыми) последовательностями, наличием секционной музыкальной структуры, такой как двоичная и тройная, и более отчетливым «грустным» и «счастливым».

С другой стороны, музыка в стиле барокко более медитационная. Это по-прежнему вызывает эмоции. Однако срабатывает он спокойно и в более глубоком месте. Поскольку это медитация, в музыке не столько повествования, сколько в романтической музыке.Обычно музыка барокко имеет небольшую короткую тему (больше похожа на стихотворение, а не на роман). И он продолжает повторяться в вариативной манере, кружась вокруг. И гармоническая прогрессия также сильно отличается от романтической музыки. Они двигаются более тонко, часто используя некорневую ноту гармонии в качестве басовой ноты. Этот эффект создает тонкое, но красивое спокойное движение в гармонии, которое помещает людей в более медитативное состояние.

Из-за этих различий я заметил различное отношение к музыке барокко и романтической музыке со стороны многих практиков игры на фортепиано, особенно студентов.Многим нравится слушать романтическую музыку. Они садятся, обращают внимание на музыку и слушают. Но эти же люди не хотят так внимательно относиться к музыке барокко, когда слушают. У них даже может быть фоновая музыка в стиле барокко. Однако, когда дело доходит до практики игры на фортепиано, даже те ученики, которые не слишком много слушают музыку барокко, действительно попадают в зону, когда они практикуют музыку в стиле барокко. Качество медитации помещает их в зону глубокой практики, спокойно с меньшими суждениями и эмоциями.Многие мои ученики говорили что-то подобное. «Раньше я не очень любил музыку в стиле барокко. Я до сих пор не слушаю ее. Но я обнаружил, что практиковать их — это удивительно весело».

Я хочу подробнее поговорить об этом тонком эффекте музыки барокко, а также о романтическом стиле в своих последующих блогах.

У нас есть ноты для фортепиано соло эпохи барокко. Посетите нашу страницу коллекции «Из музыки барокко».

Вы также можете изучить и узнать о разных композиторах из разных периодов на нашей странице «Узнайте о композиторах.«

Барочный классицизм: стиль и общество в 17 веке Италия и Франция

Тобиас и архангел Рафаил, Адам Эльсхаймер около 1605 г., медь, масло © Исторический музей Франкфурта

Д-р Мактиге будет в творческом отпуске в осеннем семестре 2019 года. Эту часть курса будет вести доцент, который является специалистом в данной области.

Союз рисунка и рационального дизайна, как в художественной практике, так и в эстетической теории, был фундаментальным принципом для важной группы художников и критиков семнадцатого века.Мощный реализм Караваджо стал казаться противоположным многим сторонникам Дисеньо. Сосредоточив внимание сначала на карьере Аннибале Карраччи и Николя Пуссена в Риме и сопоставив их с практиками Караваджо и других художников-реалистов в seicento, в курсе будут изучены практики рисования и отношение к идеализации, которые сформировали общие площадка для художников, таких как Клод Лоррен, Доменикино и Шарль Лебрен.

Подражание старине было не единственной чертой, присущей этим художникам в Италии и Франции.Критическая идея о том, что живопись и поэзия являются родственными искусствами в традиции «ut pictura poesis», лежала в основе подхода многих художников к повествованию в живописи. Выбор благородных, этических предметов, акцент на изображении страстей души и забота о разборчивости изображений были общими заботами художников и писателей, занимающихся искусством. Таким образом, отношения между словом и изображением станут нитью, которой нужно следовать на протяжении всего курса.

Связанный с ростом академий художников и отказом от гильдейских практик, классификация искусства также была адресована определенным социальным группам.Гравюра, будь то творческая практика, как в случае Карраччи или Клода Лоррена, или инструмент мастерской для репродукции картин, еще больше расширила аудиторию классицизирующих искусств. Мы посмотрим на римскую публику изобразительного искусства, поляризованную в течение 1630-х годов вкусом к караваджизму и реалистическими практиками голландской и фламандской живописи. Во Франции политические и социальные потрясения 1640-х годов послужили почвой для новых форм идеализирующего искусства.

Одна из целей курса — переосмыслить этот феномен барочного классицизма через призму социальной истории искусства.Коллекционирование рисунков и гравюр, а также покровительство живописи будут интересными областями курса. Мы также рассмотрим рост художественной критики в тот же период, с помощью «лекций» и заявлений самих художников, трактатов о живописи знатоков и биографий современных художников, таких как Джован Пьетро Беллори и Андре Фелибиен. Внимательное изучение картин, рисунков и гравюр в Лондоне станет важной частью наших классных встреч, включая посещение Отдела эстампов и рисунков Британского музея, Королевской библиотеки Виндзорского замка и Национальной галереи среди других коллекций.Если мы выиграем торги за средства для поездки за границу, мы посетим Рим, чтобы посмотреть на работы Караваджо, Карраччи, Пуссена и других, выставленные в римских церквях, дворцах и музеях.

В 2019/2020 гг. Одна из цепочек чтений будет касаться писем Николя Пуссена и писем художников 17 века в целом, в качестве привязки к разрабатываемой выставке переписки Пуссена с рабочим названием » Пуссен и страсти ». Для этого курса настоятельно рекомендуется знание французского и / или итальянского языков; студентам предлагается учиться на языковых курсах во время M.A. курс для расширения языковых навыков.

---

Руководитель курса: д-р Шейла МакТиг

Перейти к обзору курса истории искусств MA

.