Модернизм 20 века в живописи: Эрнста, Пикассо, Мане, Матисса, Дали, Кирхнера и других

Эрнста, Пикассо, Мане, Матисса, Дали, Кирхнера и других

Updated: 24.02.2020

Модернизм появился в западной культуре в конце XIX века и получил свое развитие в начале следующего столетия. Этот период вошел в историю искусства и, в частности, живописи как чрезвычайно плодотворный и наполненный новыми открытиями, хотя в сознании современников он ассоциировался с упадком. Модернизм эволюционировал на волне отрицания классического наследия и невероятно расширил и обогатил художественный язык живописи.

Модернизм стал прямым отражением социальных процессов, проходящих в обществе. Темпы жизни ускорялись, прежние идеалы стремительно устаревали, а новые только создавались. Художников преследовали ощущение пустоты и чувство тревоги, и спасение они искали в разрушении существующих устоев и традиций, навязанных классическими формами искусства.

Что такое модернизм, характерные черты и особенности стиля

Модернизм характеризуется отказом от реализма в пользу чувственного восприятия и передачи внутреннего мира живописца. Провозглашалась абсолютная свобода художника в творчестве, которое не должно быть связано рамками реального мира. На смену выверенным веками приемам пришел эксперимент.

Главной ценностью считалось самовыражение, которое стало философией модернизма. Адепты новых течений считали, что искусство прошлого с его ограниченностью и рационализмом ведут живопись в тупик, и только абсолютно новаторские и порой абсурдные приемы способны вдохнуть новую жизнь в творчество.

Модернизм — это совокупность множества направлений, получивших свое развитие в первой половине XX века, в их число входят:

• фовизм;
• кубизм;
• сюрреализм;
• футуризм;
• абстракционизм;
• экспрессионизм.

Живопись модернистов объединяла общая черта — художники по-новому подавали привычные образы, что выражалось в нестандартных формах, линейной композиции, сложном ритме и неожиданных цветовых сочетаниях.

Направления в модернизме, известные художники-модернисты

Искусствоведы спорят о точном времени зарождения стиля. В череду событий, которые можно назвать точкой отсчета для развития модернизма, входит «Салон отверженных», работавший в Париже с 1863 года. В экспозицию принимали работы, отвергнутые жюри официального салона. Публика ходила на выставку посмеяться над необычными картинами художников. В частности, жесткой критике была подвергнута работа Эдуарда Мане (Edouard Manet) «Завтрак на траве».

Первым течением в модернистском искусстве в начале XX века стал фовизм. Термин был впервые употреблен французской критикой в отношении творчества группы молодых художников, куда входили:

Живописцы не пропагандировали определенную эстетическую программу, но формально выступали против методов и приемов импрессионистов, что выражалось в примитивизме форм, остроте композиционных решений, стремлении к яркому цвету, пренебрежении линейной перспективой.

Кубизм возник чуть позднее фовизма, его основоположниками считаются Жорж Брак (Georges Braque) и Пабло Пикассо (Pablo Picasso). Художники взяли за основу постулат Сезанна о том, что в основе любого предмета лежат геометрические формы и развили его в своем творчестве. Картины кубистов представляют собой фантастическую реальность, созданную воображением художника. Вещи предстают в виде комбинаций отдельных частей, а плоскости сдвигаются. Главным критерием оценки произведений для кубистов было геометрическое совершенство изображения.

Первые работы футуристов появились в 1909 году. Художники противопоставляли технику и человека и стремились передать в своих произведениях переполненность сознания современников впечатлениями. Главным героем произведений стало время, его стремительный ритм они передавали через раздробленность зрительного образа, хаотичный ритм и многократное повторение движений тел и предметов. К футуризму примкнули многие заметные художники Италии:

Сюрреализм главным в искусстве провозгласил бессознательное начало и поставил своей целью пробудить ассоциативное мышление зрителей. Течение зародилось во Франции в 1920-е годы и развивалось в двух направлениях. Одни живописцы создавали шедевры с абстрактными образами и произвольными формами — таковы работы Андре Массона (Andre Masson), Макса Эрнста (Max Ernst), Хоана Миро (Joan Miro).

Другая группа сюрреалистов во главе с Сальвадором Дали (Salvador Dali) сосредоточилась на тщательном воспроизведении образов, возникающих в подсознании. Картины мастеров отличает точность изображения, скрупулезная прорисовка деталей и выверенная перспектива, характерная для академической живописи. Лейтмотивом творчества Дали стала фантастика абсурда с парадоксальными сочетаниями форм и зрительной неустойчивостью объектов.

Абстракционизм получил свое развитие после 1910 года. Гийом Аполлинер (Guillaume Apollinaire) назвал его «искусством, не имеющим более никакого внешнего сюжета, а только сюжет внутренний». Основоположником направления стал Василий Кандинский, работы которого в этот период окончательно утратили связь с реальным миром, но при этом чрезвычайно содержательны, эмоциональны и проникнуты динамикой настоящей жизни.

Ярким представителем рационального направления беспредметной живописи стал Казимир Малевич, который в своих композициях стремился создать мир холодной гармонии, воплощенный в геометрических формах. Чистейшей формулой живописной абстракции стала его работа «Черный квадрат», где художнику удалось передать саму суть пространства, лишенного масштаба и протяженности.

Начало течению экспрессионистов было положено немецкими художниками в первой четверти XX века. Первые представители направления — Эрнст Людвиг Кирхнер (Ernst Ludwig Kirchner), Эрих Хеккель (Erich Heckel), Отто Мюллер (Otto Mueller) — входили в группу «Мост», созданную в 1905 году в Дрездене. Целью живописцев стал поиск начала, объединяющего духовную и общественную жизнь. Эмоциональное состояние творцов находило свое отражение в импровизации, искажении реальных пропорций. Основным способом передачи пространства в картинах экспрессионистов стал цвет.

Разгоревшиеся военные конфликты в Европе конца 1930-х годов замедлили развитие модернистского искусства и прервали связь национальных школ живописи. Многие начинания художников первой половины двадцатого столетия остановились, едва начавшись. Модернизм оказал колоссальное влияние на эволюцию искусства, а творчество мастеров той эпохи вызывает неподдельное восхищение у современного зрителя.

Цена на произведения основоположников фовизма, экспрессионизма, футуризма на мировых аукционах живописи поднимается до астрономических сумм. В каталоге Very Important Lot вы найдете как антикварные работы, так и картины современных художников-модернистов.

суть модерна, особенности в живописи, история и примеры. Модерн в Англии и России

Модерн, или ар-нуво — направление в искусстве, ставшее переходной ступенью от эклектики к художественным системам Новейшего времени. Модерн появился на рубеже XIX — XX веков сразу во многих странах, где развивался с учетом национальных особенностей. Произведения модернистов объединяют ряд общих черт — извилистые плавные линии, орнаментальность, плоскостное изображение. Называлось течение по-разному, но в любом определении использовались понятия «новый» или «современный». В Англии бытовал термин Modern Style, в России — модерн, во Франции — ар-нуво.

Сюжеты, темы и символизм модерна

Модерн зарождался на фоне бурного развития технического прогресса, что приводило в смятение сознание людей конца XIX века. Появилось множество новых философских направлений, где в центре внимания находились идеи роста, развития жизненных сил, необузданных чувств. Эти темы занимали важное место в творчестве модернистов. Вихри, танцы, вакханалии стали востребованными сюжетами в живописи разных школ.

Модерн находился под сильным влиянием символизма, что нашло свое отражение в сюжетах. Живописцев и графиков прежде всего интересовали персонажи, открыто проявляющие свои чувства. Переполненные эмоциями юные герои, охваченные страстью прекрасные женщины — часто встречающиеся мотивы в творчестве художников. Однако в любовном томлении и в экстатических порывах нередко прослеживаются ущербность, надлом, бессилие перед стихией, характерные для искусства декаданса.

Особенностью иконографики ар-нуво стало обилие природных мотивов, основанное на идее единства всего живого. Но животные, насекомые и растения интересовали мастеров только как объекты стилизации, и их изображения служили всего лишь элементами орнамента. Излюбленные цветы живописцев — тюльпаны, орхидеи и лилии — уже несли в себе определенные понятия. К примеру, колокольчики обозначали желание, подсолнухи — горение, а кувшинки знаменовали скорую гибель.

Классические жанры — натюрморт, пейзаж — в творчестве мастеров живописи крайне редко, но встречаются. Но даже в этом случае картины природы наделены неким символическим смыслом. Действие на фоне острова подразумевало интригующую тайну, буря говорила о напряжении чувств, а волны на море обозначали обновление и перемены. Картины имели мало общего с реальной действительностью и опирались на заведомую условность.

Характерные особенности стиля:

• изогнутые четкие линии, отсутствие прямых углов;
• природно-органические формы;
• декоративные элементы, выступающие частью сюжета;
• плоскостной рисунок;
• пастельная цветовая гамма с одним доминирующим тоном;
• равноценность изображения и фона.

Стилизация служила средством объединить условное и реальное, добиться преображения действительности. Творения мастеров отличает двойственность, подчеркнутая декоративность, отсутствие правдоподобия. Как показало время, такой подход не имел будущего. Новое искусство часто называют «вздохом умирающего столетия», оно стало лишь промежуточным явлением для перехода живописи на следующую ступень развития.

Английский modern

Истоки модерна следует искать в викторианской Англии, где прозвучали первые призывы вернуться к простым и органическим формам средневекового искусства. Стиль как самостоятельное явление окончательно сформировался в творчестве Артура Макмердо (Arthur Mackmurdo). Свою книгу «Городские церкви Рена» художник украсил изящным орнаментом из удлиненных изогнутых элементов с четкими контурами, а по краям страниц разместил стилизованные изображения подсолнухов и птиц. Художественный язык, созданный Макмердо, стал отличительной чертой нового направления.

Английский «современный стиль» доминировал прежде всего в графике и декоративно-прикладном искусстве, а на живопись распространился значительно позднее. Дальнейшее его развитие показало, что Великобритания, став родоначальницей ар-нуво, в дальнейшем остановилась, передав эстафету другим странам. К художникам поколения 1880-х годов позднее прибавилось всего несколько ярких имен.

Главная роль в позднем английском модерне принадлежит иллюстратору Обри Бёрдслею (Aubrey Beardsley). За короткое время художник проделал путь от прерафаэлитизма к новому стилю и создал выдающиеся произведения, полные эстетизма и изысканного гротеска. Его творения отличает твердая линия рисунка, четко разграничивающая участки черного и белого цветов.

Модерн в России

Стиль формировался в России в русле национальных концепций. Источниками вдохновения для русских модернистов служило народное творчество, сказки, фольклор. Первым представителем ар-нуво в нашей стране стал Михаил Врубель, у которого орнаментальность всегда была органичной частью композиции. В произведениях других авторов стиль проявлялся не настолько ярко, что было вызвано быстрым развитием русского искусства и сильными позициями академической живописи.

К модерну относятся произведения Валентина Серова, основанные на мифологии и античных сюжетах. Александр Бенуа отдал должное направлению, хотя элементы стилизации у художника сочетались с изрядной долей натурного компонента. Но среди российских мастеров не появилось таких последовательных приверженцев Modern Style, как в Европе. Новое искусство не успело закрепиться в творчестве живописцев и быстро растворилось в авангардных течениях начала XX века. Несмотря на это, русский модерн высоко ценится на зарубежных аукционах антиквариата — картина «Радуга» Константина Сомова была продана за рекордную на тот момент сумму 7,3 миллиона долларов.

В настоящее время стиль ар-нуво востребован прежде всего в дизайне и интерьере. Работы мастеров представлены в каталогах онлайн-аукционов площадки Very Important Lot, где авторы напрямую продают свои работы коллекционерам.

Модернизм в изобразительном искусстве — Википедия

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Модернизм в изобразительном искусстве — совокупность художественных течений, характеризующихся нарушением классических изобразительных форм, установлением нового и утверждением радикальных художественных принципов. Модернизм — художественное направление середины XX века, рамки которого иногда расширяют с 60-х годов XIX века по 70-е годы XX столетия. Модернизм затрагивает изобразительный стиль и содержание искусства. Модернизм определяют как своеобразную философию и новую форму художественного мышления. Наиболее заметными течениями в рамках классического модернизма принято считать фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм. Также к модернистским течениям относят более ранние импрессионизм и постимпрессионизм и более поздние — оп-арт, кинетическое искусство. Классический модернизм, как правило, использовал абстрактную форму, поэтому абстрактную живопись часто считают одним из наиболее характерных примеров модернизма. В то же время, модернизм не ограничен абстрактными принципами и многие его канонические примеры были созданы в рамках фигуративной живописи.

Условной датой начала модернизма называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда вошли работы художников, не принятых к участию в официальном Парижском салоне. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание произведений, основанных на внутренней свободе, особом видении мира и формирующих новый изобразительный язык, где важной составляющей становится вызов устоявшимся художественным канонам.

История модернизма в живописи

XIX век

В настоящий момент не существует единого мнения, какой именно момент следует считать отправной точной современного искусства. Также как не существует четких стилистических и хронологических границ модернизма. Несмотря на то, что принципы современной скульптуры и архитектуры складываются в конце XIX века, начало современной живописи можно отнести к более раннему времени^[1].

Одной из условных дат возникновения современного искусства, иногда называют 1863 год^[1], когда Эдуард Мане выставил в Салоне отверженных в Париже свою картину Завтрак на траве (Le déjeuner sur l’herbe). В некоторых случаях датой начала нового искусства определяют 1855, когда Гюстав Курбе представил картину Мастерская художника» или 1784, когда Жак-Луи Давид завершил работу над Клятвой Горациев^[1]. По словам историка-искусствоведа Х. Г. Арнасона: «Каждая из этих дат имеет значение для развития современного искусства, но ни одна категорически не обозначает нового начала… Постепенная метаморфоза произошла в течение ста лет»

[1].

Также широко распространено мнение, что основные идеи и принципы современного искусства складываются еще в XVII веке^[2], на заре искусства Нового времени. Концепции, которые в конечном итоге привели к формированию современного искусства, можно проследить и в рамках Эпохи Просвещения, и в XVII веке^[3]. Например, критик и теоретик современного искусства Клемент Гринберг считал Иммануила Канта «первым настоящим Модернистом». В то же время, Гринберг обращал внимание на разницу художественных программ модернизма и искусства XVIII века: «Эпоху Просвещения критиковали со стороны … Модернизм критикуется изнутри»^[4].

Важным рубежом в формировании современного искусства можно считать Французскую революцию 1789 года. Она обозначила новые принципы, привела к формированию новых институций, представила новые социальные и политические реалии. Искусствовед Эрнст Гомбрих называл новое искусство «самосознанием, которое заставило людей выбирать стиль своего здания, также как человек выбирает узор своих обоев»

[5].

Идеи, связанные с принципами современного искусства, складывались в рамках романтизма, реализма и импрессионизма^[1]. Стилистические и смысловые формы классического модернизма формировались под влиянием постимпрессионизма и символизма, которые можно считать непосредственными предшественниками и частью традиции современного искусства.

Начало XX-го века

Послевоенные годы

Течения и школы

XIX век

• Романтизм — Франсиско Гойя, Уильям Тёрнер, Эжен Делакруа, Каспар Давид Фридрих, Филипп Отто Рунге
• Реализм — Гюстав Курбе, Камиль Коро, Жан Франсуа Милле́, Роза Бонёр
• Маккьяйоли — Джованни Фаттори, Сильвестро Лега, Телемако Синьорини
• Импрессионизм — Фредерик Базиль, Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро
• Постимпрессионизм — Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Поль Сезанн, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Морис Дени, Поль Серюзье, Пьер Боннар, Тулуз-Лотрек
• Символизм — Гюстав Моро, Одилон Редон, Пюви де Шаванн, Эжен Каррьер, Обри Бердслей, Джордж Фредерик Уоттс, Яцек Мальчевский
• Наби (группа) — Морис Дени, Пьер Боннар, Поль Рансон, Аристид Майоль, Феликс Валлотон
• Модерн, ар-нуво — Поль Гоген, Густав Климт, Фернан Кнопф, Михаиль Врубель, Леон Бакст , Эдвард Мунк
• Пуантилизм — Жорж Сёра, Поль Синьяк, Анри Кросс, Люсьен Писсарро
• Дивизионизм — Гаэтано Превиати, Джузеппе Пеллицца да Вольпедо, Джованни Сегантини

Начало XX века

• Абстракционизм — Франсис Пикабия, Василий Кандинский, Франтишек Купка, Робер Делоне, Леопольд Сюрваж, Пит Мондриан
• Фовизм — Андре Дерен, Анри Матисс, Морис де Вламинк, Жорж Брак, Кис ван Донген
• Экспрессионизм и связанные с ним группы (Мост, Синий всадник) — Эрнст Людвиг Кирхнер, Василий Кандинский, Франц Марк, Эгон Шиле, Оскар Кокошка, Эмиль Нольде, Аксель Тёрнеман, Карл Шмидт-Роттлуфф, Макс Пехштайн
• Футуризм — Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра, Джино Северини, Наталия Гончарова, Михаил Ларионов
• Кубизм — Пабло Пикассо, Жорж Брак, Жан Метцингер, Альберт Глейзес, Фернан Леже, Роберт Делоне, Анри Ле Фоконье, Марсель Дюшан, Жак Вийон, Фрэнсис Пикабиа, Хуан Грис
• Скульптура — Константин Бранкузи, Йожеф Чаки, Александр Архипенко, Раймонд Дюшан-Вийон, Жак Липшиц, Осип Цадкин, Анри Лоренс, Эли Надельман, Хаим Гросс, Хана Орлофф, Яков Эпштейн, Гюстав Миклош
• Орфизм — Робер Делоне, Соня Делоне, Франтишек Купка
• Фотография — Пикториализм, Группа F/64, Новое ви́дение (New Vision)
• Супрематизм — Казимир Малевич, Александр Родченко, Эль Лисицкий
• Синхромизм — Стэнтон Макдональд-Райт, Морган Рассел
• Школа мусорных вёдер — Эдвард Хоппер, Джон Слоан, Джордж Лакс, Роберт Генри, Эверетт Шинн, Уильям Галкенс

Между Первой и Второй мировыми войнами

• Дадаизм — Жан Арп, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Фрэнсис Пикабиа, Курт Швиттерс
• Вортицизм — Уиндем Льюис
• Метафизическая живопись — Джорджо де Кирико, Карло Карра, Джорджо Моранди
• Де Стейл — Тео ван Дусбург, Пит Мондриан
• Экспрессионизм — Эгон Шиле, Амедео Модильяни, Хаим Саутин
• Новая вещественность — Макс Бекман, Отто Дикс, Георг Гросс, Кристиан Шад
• Фигуративизм — Анри Матисс, Пьер Боннард
• Американский модернизм — Стюарт Дэвис, Марсден Хартли, Джорджия О’Кифф
• Конструктивизм — Наум Габо, Густав Клутзис, Эль Лисицкий, Казимир Малевич, Вадим Меллер, Александр Родченко, Владимир Татлин
• Сюрреализм — Марк Шагал, Рене Магритт, Жан Арп, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Джорджо де Кирико, Андре Массона, Жоан Миро
• Баухауз — Василий Кандинский, Пауль Клее, Йозеф Альберс, Ласло Мохой-Надь, Лионель Файнингер, Йоханнес Иттен, Оскар Шлеммер, Герхард Маркс, Юст Шмидт, Гунта Штольц
• Скульптура — Александр Колдер, Альберто Джакометти, Гастон Лашез, Генри Мур, Пабло Пикассо, Хулио Гонсалес
• Шотландские Колористы —  Фрэнсис Каделл, Сэмюэл Пепло, Джордж Хантер, Джон Дункан Фергюссон
• Супрематизм — Казимир Малевич, Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко
• Прецизионизм — Чарльз Шилер, Чарльз Демут

После Второй мировой войны

• Фигуративизм — Бернар Бюффе, Жан Карзу, Морис Буатель, Даниэль Дю Жанере, Клод-Макс Лочу
• Скульптура — Генри Мур, Дэвид Смит, Тони Смит, Александр Колдер, Исаму Ногучи, Альберто Джакометти, сэр Энтони Каро, Жан Дюбюффе, Исаак Виткин, Рене Иче, Марино Марини, Луиза Невельсон, Альберт Врана
• Абстрактный экспрессионизм — Виллем де Кунинг, Джексон Поллок, Ханс Хофманн, Франц Клайн, Роберт Мазервелл, Ли Краснер, Джоан Митчелл
• Американские абстрактные художники — Илья Болотовский, Ибрам Лассау, Эд Рейнхардт, Джозеф Альберс, Бургойн Диллер
• Ар брют — Фердинан Шеваль, Фридрих Шрёдер-Зонненштерн, Адольф Вёльфли, Алоиза (Алоиза Корбаз), Огюстен Лесаж, Луи Сутер, Генри Дарджер, Мадж Гилл
• Арте повера — Яннис Коунеллис, Лучиано Фабро, Марио Мерц, Пьеро Мандзони, Алигьеро Боэтти, Микеланджело Пистолетто, Джулио Паолини, Джованни Ансельмо, Джузеппе Пеноне, Пино Паскали
• Живопись цветового поля — Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Адольф Готлиб, Сэм Фрэнсис, Моррис Луис, Кеннет Ноланд, Джулс Олицки, Элен Франкенталер
• Ташизм — Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Ханс Хартунг, Людвиг Мерварт
• КОБРА — Пьер Алешинский, Карел Аппел, Асгер Йорн
• Де-коллаж — Вольф Востелл, Миммо Ротелла
• Неодадаизм (Нео-дада) — Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Джон Чемберлен, Джозеф Бойс, Ли Бонтекоу, Эдуард Кинхольц
• Фигуративный экспрессионизм — Ларри Риверс, Грейс Хартиган, Элейн де Кунинг, Роберт Де Ниро-старший, Лестер Джонсон, Джордж МакНил, Эрл М. Пилгрим, Ян Мюллер, Роберт Бошамп, Боб Томпсон
• Флуксус — Йозеф Бойс, Нам Джун Пайк, Джордж Мациюнас, Терри Райли, Джон Кейдж, Карлхайнц Штокхаузен, Йонас Мекас, Ла Монте Янг, Йоко Оно
• Хеппенинг — Аллан Капроу, Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Нам Джун Пайк, Шарлотта Мурман, Роберт Уитмен, Йоко Оно
• Доу эль Сет — движение основаное в Барселоне поэтом / художником Джоан Броссой — Антони Тапиес
• Grupo El Paso — основанная в Мадриде художниками Антонио Саура, Пабло Серрано
• Геометрическая абстракция — Василий Кандинский, Казимир Малевич, Надир Афонсу, Манлио Ро, Марио Радиче, Мино Ардженто
• Живопись жёстких контуров —  Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд, Джон Маклафлин, Фрэнк Стелла, Эл Хелд, Рональд Дэвис
• Кинетическое искусство — Александр Колдер, Джордж Рики, Наум Габо, Виктор Вазарель
• Ленд-арт — Христо, Ричард Лонг, Роберт Смитсон, Майкл Хайзер
• Автоматисты — Клод Говрё, Жан-Поль Риопелль, Пьер Говро, Фернан Ледук, Жан-Поль Муссо, Марсель Феррон
• Минимализм — Сол Левитт, Дональд Джадд, Дэн Флавин, Ричард Серра, Агнес Мартин
• Постминимализм — Ева Гессе, Брюс Науман, Линда Бенглис
• Лирическая абстракция — Ронни Ландфилд, Сэм Гиллиам, Ларри Зокс, Дэн Кристенсен, Натвар Бхавсар, Ларри Пунс
• Неофигуративизм — Фернандо Ботеро, Антонио Берни
• Неоэкспрессионизм — Георг Базелитц, Ансельм Кифер, Йорг Иммендорфф, Жан-Мишель Баския
• Трансавангард — Франческо Клементе, Миммо Паладино, Сандро Чиа, Энцо Кучи
• Свободная фигуративность — Эрве Ди Роза, Франсуа Буаронд, Роберт Комбас
• Новый реализм — Ив Клейн, Пьер Рестани, Арман
• Оптическое искусство — Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Джеффри Стил
• Фотореализм — Одри Флэк, Чак Клоуз, Дуэйн Хэнсон, Ричард Эстес, Малкольм Морли
• Поп-арт — Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Эд Руша, Дэвид Хокни
• Послевоенный европейский фигуративизм — Лукиан Фрейд, Фрэнсис Бэкон, Франк Ауэрбах, Герхард Рихтер
• Новая европейская живопись — Люк Туйманс, Марлен Дюма, Нео Раух, Браха Эттингер, Микаэль Борреманс, Крис Офили
• Живопись фигурного холста — Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Рон Дэвис, Роберт Мангольд.
• Советское изобразительное искусство — Александр Дейнека, Александр Герасимов, Илья Кабаков, Комар и Меламид, Александр Жданов, Леонид Соков
• Спациализм — Лучо Фонтана
• Дюссельдорфская школа фотографии — Андреас Гурски, Кандида Хефер, Томас Штрут, Йорг Сассе, Аксель Хютте, Эльгер Эссер.
• Видео-арт — Нам Джун Пайк, Вольф Востелл, Джозеф Бойс, Билл Виола
• Виженари арт — Эрнст Фукс, Поль Лаффоли, Майкл Боуэн

Крупнейшие выставки и музеи изобразительного искусства

Бельгия

Бразилия

Великобритания

Германия

Индия

Испания

Иран

Италия

Катар

Колумбия

Мексика

Нидерланды

Норвегия

Румыния

Россия

Сербия

Тайвань

США

• Нью-Йоркский музей современного искусства (MOMA)
• Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало
• Чикагский институт искусств, Чикаго
• Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк, и Венеция
• en:High Museum, Атланта
• Музей искусств округа Лос-Анджелес, Музей искусств округа Лос-Анджелес
• en:McNay Art Museum, Сан-Антонио
• en:Menil Collection, Хьюстон
• Музей изящных искусств (Бостон), Бостон
• Нью-Йоркский музей современного искусства, Нью-Йорк
• Музей современного искусства Сан-Франциско (SFMOMA), Сан-Франциско
• The Baker Museum, Неаполь, Флорида
• en:Walker Art Center, Миннеаполис
• Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк

Финляндия

Франция

Хорватия

Швеция

Эквадор

См. также

Примечания

1. ↑ ^{1 2 3 4 5} H. Horvard Arnason, Marla F. Prather. History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, Photography. — Prentice Hall Press, 1998-09-01. — 856 с. — ISBN 9780131833135.
2. ↑ Якимович А. Новое время. Искусство и культура XVII-XVIII веков. СПб.: Азбука-Классика, 2004. ISBN: 5-352-00706-5.
3. ↑ Lawrence E. Cahoone. From Modernism to Postmodernism: An Anthology Expanded. — Wiley, 2003-02-04. — 644 с. — ISBN 9780631232131.
4. ↑ Francis Frascina, Charles Harrison, Deirdre Paul. Modern Art and Modernism: A Critical Anthology. — SAGE Publications, 1982-12-28. — 344 с. — ISBN 9781853960321.
5. ↑ E. H. Gombrich. The Story of Art — 16th Edition. — Phaidon Press, 1995-04-09. — 698 с. — ISBN 9780714833552.

Литература

• Arnason, H. Harvard. 1998. History of Modern Art: Painting, Sculpture, Architecture, Photography. Fourth Edition, rev. by Marla F. Prather, after the third edition, revised by Daniel Wheeler. New York: Harry N. Abrams, Inc. ISBN 0-8109-3439-6; Upper Saddle River, New Jersey: Prentice-Hall. ISBN 0-13-183313-8; London: Thames & Hudson. ISBN 0-500-23757-3 [Fifth edition, revised by Peter Kalb, Upper Saddle River, N.J.: Prentice Hall; London: Pearson/Prentice Hall, 2004. ISBN 0-13-184069-X]
• Atkins, Robert. 1990. Artspeak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords. New York: Abbeville Press. ISBN 1-55859-127-3
• Cahoone, Lawrence E. 1996. From Modernism to Postmodernism: An Anthology. Cambridge, Mass: Blackwell. ISBN 1-55786-603-1
• Cogniat, Raymond. 1975. Pissarro. New York: Crown. ISBN 0-517-52477-5.
• Corinth, Lovis, Peter-Klaus Schuster, Lothar Brauner, Christoph Vitali, and Barbara Butts. 1996. Lovis Corinth. Munich and New York: Prestel. ISBN 3-7913-1682-6
• Frascina, Francis, and Charles Harrison (eds.) 1982. Modern Art and Modernism: A Critical Anthology. Published in association with The Open University. London: Harper and Row, Ltd. Reprinted, London: Paul Chapman Publishing, Ltd.
• Frazier, Nancy. 2001. The Penguin Concise Dictionary of Art History. New York: Penguin Books. ISBN 0-14-051420-1
• Gombrich, E. H. 1958. The Story of Art. London: Phaidon. OCLC 220078463
• Mullins, Charlotte. 2006. Painting People: Figure Painting Today. New York: D.A.P. ISBN 978-1-933045-38-2
• Adams, Hugh. 1979. Modern Painting. [Oxford]: Phaidon Press. ISBN 0-7148-1984-0 (cloth) ISBN 0-7148-1920-4 (pbk)
• Childs, Peter. 2000. Modernism. London and New York: Routledge. ISBN 0-415-19647-7 (cloth) ISBN 0-415-19648-5 (pbk)
• Crouch, Christopher. 2000. Modernism in Art Design and Architecture. New York: St. Martins Press. ISBN 0-312-21830-3 (cloth) ISBN 0-312-21832-X (pbk)
• Dempsey, Amy. 2002. Art in the Modern Era: A Guide to Schools and Movements. New York: Harry A. Abrams. ISBN 0-8109-4172-4
• Hunter, Sam, John Jacobus, and Daniel Wheeler. 2004. Modern Art. Revised and Updated 3rd Edition. New York: The Vendome Press [Pearson/Prentice Hall]. ISBN 0-13-189565-6 (cloth) 0-13-150519-X (pbk)
• Kolocotroni, Vassiliki, Jane Goldman, and Olga Taxidou (eds.). 1998. Modernism: An Anthology of Sources and Documents. Chicago: University of Chicago Press. ISBN 0-226-45073-2 (cloth) ISBN 0-226-45074-0 (pbk)
• Ozenfant, Amédée. 1952. Foundations of Modern Art. New York: Dover Publications. OCLC 536109
• Read, Herbert and Benedict. 1975. A Concise History of Modern Painting. Thames and Hudson. ISBN 978-0-500-20141-1

Ссылки

Искусство 20 века. Символизм, Модернизм, Кубизм

26 октября 2018

Модернизм охватывает разные художественные направления, включая в себя постмодерзнизм, сюрреализм и импрессионизм. Всем этим направлениям в характере авангардизм, который настроен агрессивно воздействовать на публику, производить шок, споры и скандалы. 

Поворот от традиций классического искусства к новому развитию культуры произошёл на рубеже 19-20 вв. Искусствоведы датируют начало нового периода с 1880-х гг. Год «модернизма». Окончанием его считаются 1960-е годы.

«Поворот от традиций классического искусства к новому развитию культуры»

В 1920-30-е гг. на искусство и литературу оказывали влияние новые явления и события: мировая война, революции, конфликты, национализм. Всё это отразилось на состоянии мировой культуры. 

Символизм

Символизм подразумевает под собой сочетание реального и таинственного, обращение к мифам, поиски мистического, его эстетику определяла иносказательность. К такому направлению люди пришли, когда стремились к осмыслению прошлого культуры. Главным средством художественного познания становится символ. Символ высшего совершенства в лице культа вечной женственности. Символизм опирался в основном на новый стиль — модерн. 

Гюстав Моро — «Фаэтон»

Модерн

Модерн — это игра с мечтой и утончённой, таинственной красотой. Другими словами, стиль модерна — это мир, в котором стиль характеризуется кривыми, плавными, прихотливо изогнутыми линиями, называемыми «удар бича». Этот стиль сочетал в себе различные формы пластических искусств и идеи всеобщего синтеза, т.е в нём выражалось стремление к созданию синтетической «целостной» модели мира.

Первым направлением модерна стал импрессионизм, что означает «впечатление». Этот стиль старался передать в себе неуловимые изменения в природе, движения света в воздухе. Это направление появилось в последней трети 19 в.

Клод Моне — «Впечатление. Восходящее солнце»

Дальше последовало появление постипрессионизма. Этот стиль отличался эмоциональностью и одухотворённостью. 

Кубизм

Кубизм — авангардное направление в живописи начала 20 в. Самыми знаменитым представителем этого направления был Пикассо, который изображал мир в виде геометрических знаков и конструкций, деформируя облики некогда реальных предметов.

Пабло Пикассо — «Авиньонские девицы»

Так же стиль модерна представлял такие направления в искусстве как: фовизм (дикий), где распространялись яркие цвета; экспрессионизм (выражение), для которого характерны переживания и упоения отчаянием; неопретивизм, которому характерен интерес к детскому творчеству, искусству самоучек и древней наскальной живописи; абстрактный экспрессионизм, которому характерно создание образа на основе самодостаточной выразительности цвета, линий и форм; супрематизм (высший), которое так же относится к геометрической абстракции, как и кубизм. Основополагающим произведением этого направления стал «Чёрный квадрат» Малевича. Дадаизм, которому свойственно использование техники коллажа, создание абсурдных произведений из случайных предметов. Сюрреализм (сверхреализм), которому придавалось абсурдным представлением иллюзионной реальности, в которой соединялось живое и неживое, а так же реальное и нереальное.

Сальвадор Дали — «Постоянство памяти»

Деятелей искусства и литературы начала века интересовали не только творческие проблемы и поиски.

Предчувствия кануна социальных потрясений у многих литераторов порождали настроения пессимизма и тоски. В той или иной форме это находило отражение в творчестве. 
Писатели обращались к темам несправедливости в обществе, судьбе творческих личностей. Так в 1920-е гг. появляется литература «потерянного поколения», названое так американской писательницей Гертрудой Стайн. Это направление в литературе отразило протесты против бесчеловечной бойни Первой мировой войны. Так же процветает жанр антиутопии, которому способствует реальная жизнь, не дающая оснований для оптимизма.

В творчестве литераторов и художников в 1920-30-х гг. особую значимость приобретали социально-политические мотивы. Социальные движения в ряде стран вызвали к жизни революционные течения в искусстве. В то же время в тоталитарных государствах искусство стало обслуживать эти режимы. В таких странах наука оказалась на службе у войны, а искусство — у пропаганды.

Теги

искусство, пикассо, Моне, творчество, дали, символизм, Модерн, модернизм, Моро, кубизм, антиутопия.

Рекомендуем почитать

Русский модерн • Arzamas

Как Дягилев, Бенуа, Бакст и другие решили улучшить русскую неприглядную действительность — и что у них получилось

Автор Галина Ельшевская

В массовом сознании есть твердое представление, что настоящий ХХ век в рус­ской культуре начинается в 1910-е годы. С авангарда, который выводит русское искусство в европейский мир, и этот авангард и есть наш вклад, наш бренд и вообще наше все. И совсем редко вспоминают о тех, кто этот торжествую­щий выход на интернациональные просторы подготовил. Ну разве что о Дяги­леве и его Русских сезонах, которые с 1907 года проходили на Западе с триум­фом. Но та эстетика, которой восторгались европейцы в дягилевских гастроль­ных балетах, была сформирована кругом художников, входивших в объедине­ние «Мир искусства». Они смогли перенастроить оптику восприятия искусства, произвести в нем негромкую, но существенную революцию. И это был трамп­лин для тех, кто пришел потом и, естественно, отнесся к предшественникам пренебрежительно.

Борис Кустодиев. Групповой портрет художников общества «Мир искусства». 1916–1920 годыГосударственный Русский музей

Круг был совсем узкий. Всего несколько человек составили ядро объединения «Мир искусства», которое в 1898 году стало издавать одноименный журнал. Это были художники Александр Бенуа, Константин Сомов, Лев Бакст, Евгений Лансере, Мстислав Добужинский, Анна Остроумова-Лебедева. И конечно, Сергей Дягилев, антрепренер, импресарио, мотор и пружина всех мирискусни­ческих инициатив. Кроме того, были литераторы — отдел критики, которым руководил Дмитрий Философов. Там печатались Мережковский, Гиппиус, Розанов, Сологуб, Брюсов, Бальмонт, Белый — но потом литераторы разруга­лись с художниками и ушли в журнал «Новый путь». В этом узком кругу боль­шинство еще связано то родством, то гимназической дружбой. И собственно «Мир искусства» родился из совсем камерного кружка, названного в честь романа Диккенса «Посмертные записки Пиквикского клуба», — «Невские пиквикианцы». В этом кружке друзья читали друг другу лекции по истории искусства. Мистером Пиквиком там был, вероятно, Александр Бенуа, который очень годился на эту роль даже внешне: круглый, укладистый.

Фотопортрет в группе художников «Мир искусства». 1914 годНа фотографии вверху чернилами проставлены номера — от 1 до 18, на обороте пояснение: «Годовое собрание о-ва художников „Мир искусства“. Присутствующие: 1. М. В. Добужинский. 2. А. Ф. Гауш. 3. О. Е. Браз. 4. Н. К. Рерих. 5. И. Я. Библибин. 6. Б. М. Кустодиев. 7. В. В. Кузнецов. 8. П. В. Кузнецов. 9. Е. Е. Лансере. 10. Н. Е. Лансере. 12. Н. Д. Милиоти. 13. А. П. Остроумова-Лебедева. 14. К. С. Петров-Водкин. 15. А. И. Таманов. 16. Кн. А. К. Шервашидзе. 17. С. П. Яремич. 18. М. И. Рабинович». Российская государственная библиотека

На склоне лет Бенуа, уже эмигрировавший во Францию, написал два тома мемуаров. Он вспоминал детство и детские увлечения: коллекции игрушек, картонные модели городов, любовь к оптическим игрушкам вроде волшебного фонаря. И говорил, что именно это все определило его отношение к искусству как к волшебству: искусство должно быть не похоже на жизнь. Потому что жизнь не радует, она монотонна, она неприятна глазу.

И мирискусники, с одной стороны, хотят уйти от жизни в какие-то отвлечен­ные миры. Где эти миры? В прошлом. А откуда мы что-то знаем о прошлом? Мы видим его в образах искусства, и именно они нас вдохновляют. Мирискус­ников искусство интересовало гораздо больше, чем жизнь. Искусство прош­лого, которое способно порождать другое искусство, новое. Их интересовала не история как она есть, а ее образы — сочиненные, летучие, случайные. «Ретроспективные мечтания», «галантные празднества», «царские охоты» — никаких больших идей, а просто острое переживание атмосферы ушедшего времени. Уход от действительности, своего рода эскапизм.

Но, с другой стороны, этот непривлекательный, рутинный современный мир можно ведь и переделать, переформатировать, сделать его иным для глаза, для визуального восприятия. Спасти красотой: то есть изменить интерьеры, книги, здания, одежду. Чтобы не только искусство, но и повседневный быт стал дру­гим. Такая получается парадоксальная комбинация эскапизма с рефор­матор­ством и дизайнерством. И надо сказать, что эта грандиозная задача — ни много ни мало как изменить вкус целой эпохи — этим нескольким людям во многом удалась. Буквально через 10 лет русская публика, до того воспитан­ная на пове­ствовательных картинах с внятным сюжетом — передвижнических или акаде­мических, — оказалась готова принять русский авангард.

Теперь поговорим о том, в каких областях мирискусники особенно преуспели. Они, например, совершенно изменили облик театра, особенно музыкального. До них художнику в русском театре делать было просто нечего: все декорации брались, что называется, «из подбора», то есть из числа заранее готовых стан­дартных декораций: вот это для любого спектакля из средневековой жизни, а это — для любого из египетской. Мирискусники работали с каждым спектак­лем индивидуально, с реставраторской точностью. Благодаря им художник в театре сделался фигурой, равной режиссеру, — Бенуа даже сам писал ли­бретто.

1 / 3

Костюмы и декорации Леона Бакста к балету «Шехеразада». 1910 годLibrary of Congress

2 / 3

Декорации и костюмы к балету «Петрушка». Начало XX векаLibrary of Сongress

3 / 3

Костюмы к «Половецким пляскам» из оперы «Князь Игорь». 1900-е годыLibrary of Сongress

А еще они полностью изменили облик иллюстрированной книги. Раньше в та­ких книгах иллюстрации заказывались разным художникам и стилистически спорили друг с другом внутри книжного блока. Мирискусники выдвинули и воплотили идею книги как единого целого: изображение должно быть увя­зано с текстом, все виньетки и заставки должны работать на общую стилисти­ку, художник выступает как режиссер и декоратор целостного зрелища. Впер­вые эта идея синтеза была осуществлена в издаваемом ими журнале «Мир ис­кусства», речь о котором впереди.

1 / 3

Обложка «Азбуки в картинах» Александра Бенуа. 1904 годbenua-memory.ru

2 / 3

Иван Билибин. Обложка программки оперы «Борис Годунов». 1908 годLibrary of Сongress

3 / 3

Обложка «Азбуки „Мира искусства“» Мстислава Добужинского. 1911 годmoscowbooks.ru

Всего сделанного мирискусниками не перечислить: там было много «микро­революций». Но еще об одном интересно напомнить: ведь это они определили наше сегодняшнее восприятие Петербурга; в 1903 году праздновалось его двух­сотлетие, и стилистика праздника во многом была подготовлена мирискусни­ческими усилиями по изменению имиджа столицы. До них Петербург вообще не считался красивым городом. У него было два публичных образа — один неприятнее другого. С одной стороны, это был образ города казенного, чинов­ного — в противовес живой, фрондирующей, более разнообразной и свободной Москве. С другой стороны, это был город Достоевского: город дворов-колодцев и вечных сумерек. Все это изменилось усилиями мирискусников — отчасти Мстислава Добужинского и главным образом Анны Остроумовой-Лебедевой. Есть такая расхожая фраза, что русскую природу придумали Саврасов, а потом Левитан: до них ее не существовало как объекта для зрения. Так вот, можно сказать, что Петербург придумала Остроумова-Лебедева.

1 / 3

Анна Остроумова-Лебедева. Вид Невы сквозь колонны Биржи. 1907 годФотография РИА «Новости»

2 / 3

Мстислав Добужинский. Гримасы города. 1908 годФотография Михаила Филимонова / РИА «Новости»

3 / 3

Анна Остроумова-Лебедева. Петергоф. Фонтан «Самсон». 1922 годФотография Алексея Бушкина / РИА «Новости»

И характерно, что она сделала это в гравюрах. Мирискусники еще и возродили графику как самостоятельное искусство. В России графика была подсобной: сводилась к этюдам и эскизам для картин, а на выставочную самостоятель­ность почти не претендовала. И графика, печатавшаяся в журналах, часто не была сделана специально, а сводилась к репродукциям живописных картин. А мирискусники возродили не только уникальную графику, авторский рису­нок, но и графику тиражную, в частности Остроумова-Лебедева занималась цветной гравюрой на дереве и отталкивалась от японских гравюр, которые в России мало кто знал.

Ядро «Мира искусства» составляли, конечно, разные художники. Но какая-то общая поэтика, их объединяющая, тем не менее была. Квинтэссенция этой поэ­тики — в творчестве Александра Бенуа и Константина Сомова.

Любимые эпохи Бенуа — это в основном Франция XVII века, царствование Людовика XIV и Россия екатерининского и павловского времени. «Версальская серия» и цикл «Последние прогулки Людовика XIV» Бенуа — это сочиненный, хрупкий марионеточный мир. Важно, что это и не масляная живопись, а гуаши на бумаге: нет живописной плотности, беспрекословности, натурной обяза­тельности. Это не исторические картины, а исторические картинки. Что такое историческая картина, например, в духе Сурикова? Это какая-то идея о смысле истории, спрессованном в конкретном событии. А если бы художник «Мира искусства» писал «Утро стрелецкой казни», он, вполне возможно, смотрел бы не на стрельцов или на Петра, а на пролетающую мимо сороку. Исторические жанры у Бенуа — это всегда случайно выхваченный фрагмент, в котором нет главного события, а вместо него только воздух истории. Та же острота и слу­чайность ракурсов есть в «Царских охотах» Валентина Серова и в его гуаши «Петр I». Здесь гротескные фигуры огромного Петра и скорчившихся придвор­ных на фоне условных «пустынных волн» сочетают иронию с чувством истори­ческого масштаба. Серов не случайно входил в правление «Мира искусства» — единственный из москвичей: они хорошо понимали друг друга.

1 / 3

Александр Бенуа. Прогулка короля. 1906 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 3

Валентин Серов. Выезд Екатерины II на соколиную охоту. 1902 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей

3 / 3

Валентин Серов. Петр I. 1907 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

В отличие от Бенуа, который вдохновлялся конкретной историей, Сомов в своих стилизациях воспроизводил некий условный галантный век — XVII или XVIII, неважно. Маркизы с кавалерами, арлекины и другие герои итальянской комедии дель арте, маскарады, спящие или грезящие «дамы прошедшего вре­мени». Насмешки здесь больше, чем растроганности или печали по утрачен­ному. Но печаль тоже есть — только это печаль не по утра­ченному, а по недо­стижимому: по тому, что принадлежит не жизни, а искус­ству. И постоянная его тема — тема того, что вспыхнет и сейчас же исчезнет: радуга, фейерверк, костер. Конец праздника, всегда краткого, как вспышка.

Константин Сомов. Арлекин и Смерть. 1907 год Государственная Третьяковская галерея

Современники считали главной картиной Сомова «Даму в голубом» — портрет художницы Елизаветы Мартыновой, написанный незадолго до ее смерти от ча­хотки. Печальная девушка в муаровом платье по моде сороковых годов XIX века стоит с книгой, за ее спиной в сильном удалении — книжное видение: кавалер и дама флиртуют на скамейке, а мимо проходит фланер с тросточкой, похожий на самого художника. Картина о тщетности романтических порывов в прозаи­ческом мире: именно так ее восприняли первые зрители.

Константин Сомов. Дама в голубом. Портрет Елизаветы Мартыновой. 1897–1900 годы Wikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

Среди мирискусников были и вовсе чуждые ностальгии. Например, Леон Бакст — он главным образом реализовался как художник дягилевских Русских сезонов. От его костюмов для балетных спектаклей потом отталкивались кутюрье всех модных домов Парижа — Пакен, Пуаре, Ворт, далее везде. Или Добужинский — он, в отличие от товарищей, станет работать не в музыкаль­ном, а в драматическом театре, в МХТ со Станиславским. И сделает там несколько спектаклей, из которых особенно замечательны два. Один, «Месяц в деревне» по Тургеневу, — спектакль мирискуснический, антикварский. Дру­гой, «Николай Ставрогин» по Достоевскому, — спектакль мрачный и вполне символистский. Вообще Добужинскому не чужд символистский вкус, а среди его поздних работ есть даже абстракции.

1 / 4

Леон Бакст. Саломея. 1908 годWikimedia Commons

2 / 4

Леон Бакст. Жар-птица. 1910-е годыWikimedia Commons

3 / 4

Леон Бакст. Аладдин. 1919 годWikimedia Commons

4 / 4

Леон Бакст. Бабочка. 1913 годWikimedia Commons

Гуаши Добужинского и ксилографии Остроумовой с видами Петербурга рас­пространялись в открытках, выпускаемых Общиной святой Евгении. Выпуск открыток — еще одна важная часть мирискуснической программы. Открыт­ки — искусство массовое, многотиражное, сувенирное. А мирискусники прин­ципиально не устанавливали дистанции между искусством массовым и искус­ством высоким.

Вообще в мирискусниках реализовался совершенно новый для России тип ху­дожников. Во-первых, они дилетанты. Кто-то не доучился в Академии худо­жеств, кто-то немного походил вольнослушателем по парижским частным студиям. Но практически все и отовсюду сбегали, потому что им было скучно нормативное рисование и нормативное образование.

Во-вторых, все они интеллектуалы — что тоже русским художникам в массе тогда было совершенно не свойственно. Они читающие люди, они знают язы­ки, они космополиты по устремлениям, они меломаны и устраивают вечера современной музыки при журнале «Мир искусства».

В-третьих, они все буржуа. Вообще традиционно буржуазный образ жизни противопоставлялся образу художника — романтическому образу, — а мир­искусники на нем настаивают. Притом что все они разного происхождения: Бенуа из дворянской семьи с французскими корнями, Сомов — сын главного хранителя Эрмитажа, то есть из интеллигентной профессорской семьи. А, ска­жем, Бакст — еврей из Гродно, и это совершенно никому не мешает: они все говорят на одном языке, и манера поведения у них общая.

И в этой манере поведения есть один очень важный оттенок. Вся вторая поло­вина XIX века в русском искусстве, условно передвижническая половина, осно­вывается на пафосе долга. Художник всегда оказывается обязан: народу, обще­ству, культуре — кому и чему угодно. Мирискусники — это первые люди в рус­ском искусстве, которые утверждают, что художник никому и ничего не дол­жен. Лейтмотив их жизни, их творчества — это ода капризу и прихоти, воль­ному артистическому жесту. Отсюда уже совсем недалеко до вольного жеста в авангарде, но начало — здесь.

1 / 4

Обложка одного из номеров «Мира искусства». 1904 годWikimedia Commons

2 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1903 годWikimedia Commons

3 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1900 годWikimedia Commons

4 / 4

Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1902 годWikimedia Commons

Любимое слово мирискусников — «скурильность». Они любят в искусстве все скурильное и собирают скурильное. Что это такое? Это вещи, которые не обла­дают качеством значимости, фундаментальности. Это что-то смешное, одино­кое, уязвимое, это может быть игрушка, это может быть какой-нибудь мещан­ский коврик. Этот культ необязательности — тоже важный оттенок в их кол­лективной программе.

Художник Игорь Грабарь писал Александру Бенуа: «Вы слишком влюблены в прошлое, чтобы хоть что-нибудь современное ценить» — и это абсолютно справедливо. Прошлое, в которое они влюблены, — это прошлое выдуманное, это мечта, это некий образ красоты, на который мы можем смотреть, как из зрительного зала в перевернутый бинокль. И в этом есть и любование, и ирония, и горечь, и жалость.

И вот эти люди — с этой системой ценностей, совершенно камерного склада люди, — хотят перенаправить русскую культуру в сторону Запада и изменить устоявшиеся общественные вкусы. Для этого они издают журнал, который делается по образцу европейских журналов, пропагандирующих стиль модерн. Потому что эстетика «Мира искусства» — это именно вариант модерна.

В каждой из стран этот стиль назывался по-своему: модерн, сецессион, либер­ти, ар-нуво, югендстиль. Проще говоря, «новый стиль». Слово «стиль» само по себе важно — оно означает озабоченность формой. В каждой стране модерн существует в собственных формах, но есть общее: формы берутся из всего культурного запаса человечества, из общей памяти. Это общее служит опорой для индивидуального, прошлое порождает настоящее. В русском искусстве, да и не только в русском, до мирискусников никакой озабоченности формой не было, только содержанием, — и стиля не было.

Модерн — придуманный стиль, он не вырастает сам собой. Если говорить со­всем грубо — он порожден промышленной революцией. Машинное производ­ство одинаковых вещей и одинаковых образов жизни вызывает психологиче­ское и эстетическое отторжение. И первая идея модерна — это идея ручного труда. Сначала в Англии возникло так называемое Движение искусств и ре­месел под началом литератора, издателя и художника Уильяма Морриса. А затем в разных странах появились его филиалы. У них была двойная идея. Во-первых, сделать вещи красивыми, индивидуальные вещи, а не конвейерные. А во-вторых, объединить ремесленников в деле производства этих вещей. Ран­ний модерн вообще очень связан с социалистическими идеями.

Таким образом, ранний европейский модерн был двунаправленным. С одной стороны — архаический, реставрационный вектор: вокруг строят гигантские фабрики, а мы вернемся назад, к ремеслу, к средневековым цехам. И одновре­менно он же является вектором футуристическим, потому что все это делается во имя утопического будущего. В перспективе весь мир должен быть спасен красотой и превратиться в сплошной город-солнце.

Но вернемся к мирискусникам. Чтобы издавать журнал, нужны спонсоры. Кто дает им деньги? Неожиданная деталь: значительную сумму дал Николай II — потому что его попросил Валентин Серов, писавший портрет императора. Но были и два постоянных спонсора. Первый — предприниматель и меценат Савва Мамонтов, который, впрочем, к 1899 году разорился. Второй — княгиня Мария Тенишева, она будет субсидировать издание до финала. И Мамонтов, и Тенишева были инициаторами российской программы, аналогичной Движе­нию искусств и ремесел. В своих имениях — один в Абрамцево, вторая в Талаш­кино — они создавали художественные мастерские. Известно, что у Мамонтова Врубель расписывал балалайки и камины — но это не было никаким неуваже­нием к художнику, ровно наоборот. И неудивительно, что именно эти два человека поддерживают Бенуа и Дягилева.

1 / 2

Михаил Врубель. Портрет Саввы Мамонтова. 1897 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Врубель. Валькирия (Портрет княгини Марии Тенишевой). 1899 годWikimedia Commons / Одесский художественный музей

Журнал издавался шесть лет, с 1898-го по 1904-й. Среди дочерних его пред­приятий были и салон «Современное искусство», где торговали мебелью, фарфором и так далее, и кружок «Вечера современной музыки», и еще один журнал, «Художественные сокровища России», с тем же Бенуа в роли редак­тора. Устраивались выставки российского и зарубежного искусства — их было пять, а еще три устроил Дягилев до выхода журнала. Дягилев вообще был движущей силой всех инициатив — человек неуемной энергии и выдающихся организационных талантов. Среди самых громких его проектов — историческая выставка русского портрета, на которой он практически открывает публике отечественное искусство XVIII — первой половины XIX века. Дягилев сам соби­рал на эту выставку работы, объезжая усадьбы и буквально обольщая владель­цев. В 1907 году он проводит в парижской Гранд-опера серию концертов рус­ской музыки, и отсюда начинается история последующей более чем двадцати­летней антрепризы — знаменитых Русских сезонов.

Леон Бакст. Портрет Сергея Дягилева с няней. 1906 год Wikimedia Commons / Государственный Русский музей

Дягилев уезжает за границу, и практическая деятельность объединения остается на Александре Бенуа, а он идеолог, но не организатор. И в «Мире искусства» наступают не лучшие времена. Но парадоксальным образом вероятность быстрого заката была заложена в самой программе сообщества. Потому что эти люди, дорожащие дружбой в собственном узком кругу, в художественной политике исповедовали предельную широту и толерант­ность. Они готовы были сотрудничать со всеми и привлекать в свои проекты всех. Всех, в ком видно хоть что-то живое — даже если это живое видно едва и самим мирискусникам чуждо. В первом номере журнала было много репро­дукций картин Васнецова, хотя среди издателей не было его поклонников и вообще «Мир искусства» выступал против передвижничества. Они были уверены, что Репин устарел, но публиковали репродукции его картин, призна­вая их значение. А ведь уже начинается эпоха манифестных войн, когда при­нято размежевываться, воевать за свой взгляд на мир и творческую оригиналь­ность. В этих условиях идея всеобщего объединения во имя эстетической уто­пии становится очень уязвимой.

После представления балета «Петрушка» в Парижской опере. 1920-е годы Слева направо: Николай Кремнев, Александр Бенуа, Борис Григорьев, Тамара Карсавина, Сергей Дягилев, Вацлав Нижинский и Серж Лифарь. © ullstein bild / Getty Images

Но в 1904 году во имя этой идеи объединения мирискусники совершают силь­ный жест — они отказываются от собственного бренда и входят в московский Союз русских художников. Там солируют пейзажисты саврасовско-левитанов­ской линии, там в моде импрессионизм, петербургским художникам чуж­дый, — и, конечно, никакого объединения не получается. В 1910 году «Мир искусства» восстанавливает собственное имя. Но мирискусники не отказы­ваются от идеи самого широкого сотрудничества, и теперь на их выставках можно встретить и символистов из «Голубой розы», и фрондеров из «Бубно­вого валета», и вообще кого угодно — вплоть до Малевича.

Бенуа избегает властных полномочий, поэтому в 1910 году главой «Мира ис­кусства» становится Николай Рерих, человек и художник совершенно иного, практически враждебного истинным мирискусникам склада. А в 1921 году объединение и вовсе возглавит Илья Машков, самый беспардонный из «бубно­вых валетов» — он просто узурпирует бренд. Но это будет уже посмертное существование, хотя формально «Мир искусства» будет распущен лишь в 1924 году. К тому времени из его основателей никого уже не останется в России, кроме Бенуа (он тоже вскоре эмигрирует), Лансере и Остроумовой-Лебедевой.

Николай Рерих в тибетском костюме. 1920‑е годыThe Library of Congress

Надо сказать, что идеологи и создатели «Мира искусства» отчасти осознавали эфемерность своей затеи. Они чувство­вали наступление другой жизни и появ­ление других людей, которые вытеснят их самих с культурного поля. Это чувство было ясно сформулиро­вано в речи Дягилева, произнесенной еще в 1905 году. И эту вполне проро­ческую речь стоит привести:

«Не чув­ствуете ли вы, что длинная галерея портретов великих и малых людей, которыми я постарался заселить вели­колепные залы Тавриче­ского дворца, есть лишь грандиозный и убедитель­ный итог, подводи­мый блестящему, но, увы, и омертвевшему периоду на­шей истории? <…> Я заслужил право сказать это громко и определенно, так как с послед­ним дуновением летнего ветра я закончил свои долгие объезды вдоль и поперек необъятной России. И именно после этих жадных странствий я особенно убедился в том, что насту­пила пора итогов. Это я наблюдал не только в блестящих образах предков, так явно далеких от нас, но главным образом в доживающих свой век потомках. Конец быта здесь налицо. Глухие заколоченные майораты, страшные своим умер­шим великолепием дворцы, странно обитаемые сегодняшними милы­ми, средними, не выносящими тяжести прежних парадов людьми. Здесь доживают не люди, а доживает быт. И вот когда я совершенно убедился, что мы живем в страшную пору перелома; мы осуждены умереть, чтобы дать воскреснуть новой культуре, которая возьмет от нас то, что оста­нется от нашей усталой мудрости. Это говорит история, то же подтвер­ждает эстетика. И теперь, оку­нувшись в глубь истории художественных образов и тем став неуязвимым для упреков в крайнем художественном радикализме, я могу смело и убежден­но сказать, что не ошибается тот, кто уверен, что мы — свидетели величайшего исторического момента итогов и концов во имя новой неведомой культуры, которая нами воз­никает, но и нас же отметет. А потому, без страха и неверия, я подымаю бокал за разрушенные стены прекрасных дворцов, так же как и за новые заветы новой эстетики».

Что еще почитать про русский модерн:

Ельшевская Г. Короткая книга о Константине Сомове. М., 2003.
Пружан И. Лев Бакст. М., Л., 1975.
Сарабьянов Д. Стиль модерн. М., 1989.
Чугунов Г. М. В. Добужинский. Л., 1984.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Течения эпохи модернизма в начале 20 века

С приходом 20 века, и связанного с этой эпохой прогресса,  в живописи также наметились серьезные перемены. Приоритетом художников стал конструктивизм, символизм, четкое отображение деталей.  Живописцы отходили от образности, аллегорий, размытости. Их картины становились техничными, с правильной постановкой плана и четкостью контуров.

Для живописи эпохи модернизма характерными четами являлись «плоские» изображения,  плавность линий, «ковровый» орнамент, однотонный фон. Нередко использовались «растительные» мотивы, которые сплетались в причудливом узоре, перетекая в фигуры людей и животных.
 

Две таитянки. Поль Гоген
  Под понятием «модернисткие направления» специалисты в области живописи объединяют несколько течений.
Символизм —  стиль, черпающий вдохновение в образах эпохи романтизма. Художники этого направления обращаются к темам мистики, фантастики, духовности. Их задача – обыгрывание символом, иносказательное выражение мыслей и чувств через фантастические и эзотерические символы. Представителями символизма были П. Гоген, Э. Мунк.

Фовизм  — в переводе с французского fauve — дикий. Современники так и называли приверженцев этого стиля – дикие художники. Для живописи этого направления были характерны яркие цветовые пятна, контраст цветов, экзальтированные формы.  Ярким представителем этого направления был Матисс. На вопрос о нереальных цветах женских частей тела он говорил «Я рисую не женщин, я рисую картины».
 

Фовизм
 

Футуризм. Название произошло от слова «футурум», что значит «будущее». Художники этого направления обращаются к образам индустриальной эпохи, и динамике больших городов. Их композиции хаотичны, их тематика – превосходство технического прогресса над человеком.
 

Футуризм
  Эпоха модерна является неоднозначным периодом. Это искусство, не слишком понятное массам, порой излишне экзальтированное и далекое от жизни. Их искания в общественной и социальной жизни, часто выглядели лихорадочно. Однако в этот период на горизонте появился ряд имен действительно талантливых художников, на произведениях которых учатся современные художники.

В обществе начала 20 века модернистов воспринимали, как революционеров. Они восставали против сложившихся годами традиций в искусстве, и общепринятых канонов.

Известные художники модернисты: Михаил Врубель, Анри Матисс, Альфонс Муха, Анри Руссо, Амедео Модильяни, Густав Климт.

Что такое модернизм, постмодернизм и метамодернизм, в чем их суть и чем они отличаются?

В этих понятиях, относительно друг друга, присутствует градация, так сказать, от простого — к сложному. Всё и начиналось довольно закономерно и просто. На рубеже 19-20 века мир сотрясали всевозможные исторические события: начиная от новых философических теорий, заканчивая кровопролитиными войнами. Обычный человек, оказавшийся в кутерьме всего этого для него нового и непонятного, был вынужден перестраивать своё мировоззрение и пересматривать взгляды. А по-скольку искусство является плодом человеческого духовного творчества, то именно оно «приняло на себя удар» этого самого нового видения мира: оно отличалось критикой в адрес всего старого, каноничного (однако возвращаясь к нему, черпая предметы сравнения и символы), хвалой и стремлением ко всему новому, желанием переосмыслить жизнь, найти в ней обновлённые ориентиры и вложить новый смысл в уже переосмысленные образы никому не примечательных раньше вещей. Если Вы когда-нибудь слышали такие понятия как: сюрреализм, импрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм — считайте, что Вы знакомы с темой. Такое вот искусство стало называться модернизмом (от лат. соверменный). По-сути, это всего лишь обобщение всех новых течений в культуре начала 20 века. Серебряный век русской поэзии — хороший пример такогого. 

С постмодернизмом было и есть всё намного сложнее. Зародился он во второй половине 20 века и длится (как некая эра), теоретически, до сих пор. Постмодернизм является не так искусством, как именно массовой культурой, к тому же, с философской подоплёкой. Она заключается в совершенной переработке уже не просто каких-нибудь сфер жизни общества и человеческого сознания , а уже всего человеческого бытия, «убив трёх слонов, державших мир». К слову, этими тремя слонами стали: Бог (догадайтесь, какой усатый немец его » убил»), автор (убийцем стал автор эссе «Смерть автора»(1967) Ролан Барт) и сам субъект с его свободой как таковой. Всё, что происходит сейчас в масмедиа — результат постмодернизма, не имеющего в этом мире границ и являющегося «разжёванным яблоком» для человека, с радостью его глотающего.

Хотя с первого взгляда кажется, что «модернизм» и «постмодернизм» понятия схожие и друг из друга самовытекающие — это не так. Чтобы лицезреть особо-яркие различие следует обратится к знаменитым сравнительно таблицам: особо примечательна таблица по Брайнику-Пассеку. Вот пример: 

1) Модернизм: «Мы — новое», вера в высокое искусство, господство духовного и чистого над материальным и низмененым, эпатажная элитарность, фактическое преемствование предшествующего искусства и искусство, как результат сложной творческой, духовной деятельности ;

2) Постмодернизм: «Мы — всё», главное — коммерческий успех, антиутопизм, деструкция, отказ от наследия всевозможных культурных парадигм, всё может называться искусством.

Ну и насчёт метамодернизма (пост-постмодернизма): установка, порицающая всякий сегодняшний «постмодернизм» и ищущая некого баланса между миром материальным и миром идей, однако признающее, что человек будет всегда колебаться в сторону того или иного учения и находиться на пути познания. Само течение, как и его манифест, было разработано в 2010-2011 голландскими философами. Вот сам манифест на русском, который разъяснит смысл течения лучше всяких иных обобщений: http://eroskosmos.org/metamodernist-manifesto/ . Также говоря о посто-постмодернизме именно в контексте современности, можно выделить следующие аспекты:

3) «Мы — альтернатива», действовать и колебаться для поисков истины,  равновесие между духовным и материальным и, в тоже время, постоянное движение между путями познание, долг прошлому , стремление к будущему

ИМХО: Если наше общество выйдет на путь принятия метамодернизма как основного вектора развития, то стоит надеяться на духовное и умственное перерождение тех масс, находящихся сейчас в свободном стагнировании в рамках стиснутых квартир. Истины Вам

В поисках новых возможностей: движения в живописи ХХ века

ХХ век открыл новые горизонты и возможности, которые расширили повседневный человеческий опыт и оказали большое влияние на мир искусства и оригинальной живописи. С самых ранних лет рубежа веков художники начали экспериментировать с предметами, создавая реальности, отражающие больше их собственных внутренних видений, чем то, что лежало перед ними в природе. Одновременно с этим шел поиск новых методов, материалов и подходов для поддержки этих набегов на новые территории.В результате движения и тенденции в живописи 20-го века вдохновили художников на создание множества расходящихся направлений, в результате чего появился широкий спектр стилей и форм. Вот некоторые из основных движений, которые определили и сформировали искусство в 20-м веке и до сих пор влияют на искусство, производимое сегодня.

Экспрессионизм:

Уходя корнями в начало века и вдохновленное творчеством Винсента Ван Гога, эта форма искусства стремилась подчеркнуть выражение эмоций и внутреннее видение художника, а не преследовать точное представление о природе.По сути, он стал предвестником многих тенденций ХХ века.

Фовизм:

Термин «фовизм», первое крупное европейское авангардное движение в 20 веке, был придуман на выставке в Париже в 1905 году от французского термина «les fauves», что означает «дикие звери». Хотя стиль в целом был экспрессионистским по своей природе, он характеризовался картинами, которые произвели революцию в концепции цвета в современном искусстве. Отвергая мягкие палитры импрессионистов, фовисты использовали смелые, а иногда и резкие цвета для изображения искаженных изображений и плоских плоскостей.В центре этого движения были Анри Матисс и Жорж Руо.

Кубизм:

Это движение живописи, возглавляемое Пабло Пикассо и Жоржем Браком, отказалось от традиционной перспективы и разделилось на два основных этапа. Сначала появился так называемый аналитический кубизм, характеризующийся фрагментированными пространствами, в которых объект изображается одновременно с нескольких углов. Синтетический кубизм пошел дальше, объединив отдельные элементы в стиле коллажа, чтобы создать многослойный вид. Это было радикальным потрясением для мира искусства, поскольку он полностью отказался от классических определений красоты при изменении конфигурации множества точек зрения.

Дадаизм:

Разработанное в разгар Первой мировой войны, это антиискусственное движение было сосредоточено на иррациональном и абсурдном. Дадаизм отражал явное разочарование времени и озабочен отсутствием смысла и неизбежной силой случая в жизненных событиях.

Сюрреализм:

Сюрреализм, откликнувшийся на трагедии Первой мировой войны, перевернул традиционную тематику с ног на голову, поместив повседневные предметы в абсурдные ситуации в поисках метафизических истин, основанных на силах творчества, воображения и подсознания.Различные стили развились из этого движения, в том числе подходы, в которых реалистичные детали использовались для передачи иррациональных изображений или когда несвязанные объекты были сопоставлены, чтобы предложить альтернативную реальность. Среди известных художников-сюрреалистов Сальвадор Дали и Рене Магритт.

Абстрактный экспрессионизм:

В середине 20-го века абстрактный экспрессионизм зародился в Нью-Йорке как реакция на ужасы Второй мировой войны и оказал влияние на аналогичные европейские движения. Здесь акцент был сделан на абстрактном, с акцентом на форму и цвет, чтобы достичь подсознательной интерпретации внутреннего видения художника.Здесь возникли два стиля: Живопись действия (Джексон Поллок), где физический акт рисования стал центральным, поскольку художники использовали капание, разбрызгивание и заливку, чтобы выразить эмоции и универсальные проблемы, и Живопись цветового поля (Марк Ротко), где холст был насыщенным. и более аккуратно покрывается краской, создавая более спокойный эффект.

Поп-арт:

Модернистское движение, начавшееся в 1950-х годах, поп-арт отражало приток и влияние средств массовой информации и культуру потребления в повседневном обществе.По сути, поп-артисты были заинтересованы в том, чтобы довести обыденное до героических пропорций реалистичным, репрезентативным способом. Стилистически поп-арт подчеркивает фронтальную презентацию и чистый цвет, ограниченный резкими краями. Возможно, самой узнаваемой фигурой в этом движении был Энди Уорхол, известный своими культовыми картинами Кэмпбелла с банками для супа.

Постмодернизм:

Это движение обычно ассоциируется с искусством с 1980 года до наших дней. Это было и остается реакцией на простоту и теоретическую природу модернизма.Из всех движений постмодернизм является наиболее всеобъемлющим, включая работы, характеризующиеся своим субъективизмом, региональным характером и социальным и политическим релятивизмом.

Художественные движения 20 века продолжают влиять на образы, создаваемые по сей день. При просмотре оригинальных картин, выставленных на продажу на сайте Art-Mine, можно увидеть работы со всего мира, многие из которых основаны на видении этих новаторских художников и движений.

Эта статья написана для ARTmine Лорой Монро.

.

Модернизм и современное искусство XIX и XX веков

Модернизм был культурным движением, которое распространилось по Европе в 19 и 20 веках. Трудно дать определение, но в целом это рассматривалось как движение к переменам. Полностью индустриальный мир того времени оказал особое влияние на более традиционный образ жизни и традиционные формы искусства. Люди начали искать новые возможности для более инновационных творений и занятий.

Ключевым предвестником смены покраски стало изобретение фотоаппарата. Фотографическое изображение заменило функцию картины, заставляя художника делать больше, чем просто записывать человека или событие, как он их видел.

Символизм

Художественное движение 19 ^-го -го века, отвергающее реализм и импрессионизм и их представление визуального и конкретного мира. Символисты стремились выразить мистические и духовные идеи с помощью цвета и линии. Они использовали эти элементы для выражения эмоций и мыслей, которые невозможно описать буквально.

Примеры:
Эдвард Мунк (1863-1944), Крик , 1893
Густав Климт (1862-1918), Поцелуй , ок. 1907

Сюрреализм

Сюрреализм можно понимать как искусство воображения и мечты. Сюрреалисты хотели создавать искусство, основанное или используя свои подсознательные мысли. Их очень вдохновили философские труды Зигмунда Фрейда ( Толкование сновидений, , 1900).

Сюрреалисты также использовали художественные техники, такие как автоматизм , при котором художник мог свободно рисовать, позволяя своей руке двигаться с минимальным сознательным контролем.Такого рода бессознательное искусство также достигалось, бросая бумагу на пол или позволяя краске капать с кисти.

Примеры:
Хоан Миро (1893–1983), Рождение мира , 1925
Рене Магритт (1898–1967), Предательство изображений , 1928–9 и Личные ценности , 1952 Сальвадор Дали (1904-89), Постоянство памяти , 1931

Кубизм

Кубизм признан как стиль живописи, изобретенный Жоржем Браком (1882–1963) и Пабло Пикассо (1881–1973) в 20 ^-м веках.Вдохновленные теорией Сезанна о сведении формы к ее геометрическим формам, эти художники использовали коллаж и краски для создания 2D-изображений 3D-объектов и мест с разных точек зрения.

Первоначальное влияние оказало африканское искусство, особенно африканские маски. Картина Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907, часто упоминается как первая картина в стиле кубизма.

Кубизм можно разделить на 2 фазы:

Аналитический кубизм (1907-1912)
Первая фаза аналитического кубизма началась с ограниченной цветовой палитры земляных и серых тонов.Они пытались изобразить фигуры, пейзажи и натюрморты такими, какими их можно было бы увидеть с разных точек зрения. Они разбирали предметы, уменьшая их до геометрических форм, а затем снова собирали их.

Пример: Брак, Девушка с гитарой, 1913 г.

Синтетический кубизм (b1912)
Вторая фаза кубизма приветствовала появление коллажей и найденных предметов. Они также смешали песок и опилки с краской, чтобы создать различные текстуры.

Пример: Пикассо, Коллаж , 1913

.

Западная живопись | искусство | Британника

Западная живопись , история западной живописи от ее истоков в доисторические времена до наших дней.

Британская викторина

Это или То? Художник против архитектора

Жан Нувель

Живопись, выполнение форм и форм на поверхности с помощью пигмента (но см. Также рисунок для обсуждения изображений мелками, чернилами, пастелью и мелками), непрерывно практиковалась людьми в течение примерно 20 000 лет.Наряду с другими видами деятельности, которые могли быть ритуальными по своему происхождению, но стали называться художественными (например, музыка или танцы), живопись была одним из первых способов, с помощью которых человек стремился выразить свою личность и свое новое понимание существования. за пределами материального мира. Однако, в отличие от музыки и танцев, образцы ранних форм живописи сохранились до наших дней. Современный глаз может получить эстетическое, а также антикварное удовлетворение от 15000-летних пещерных фресок Ласко — некоторые примеры свидетельствуют о значительном мастерстве рисования этих ранних художников.И живопись, как и другие виды искусства, обладает универсальными качествами, которые позволяют зрителям всех народов и цивилизаций легко понять и оценить.

Основные сохранившиеся образцы ранней живописи в любой точке мира находятся в Западной Европе и Советском Союзе. Но около 5000 лет назад районы, в которых были выполнены важные картины, переместились в восточное Средиземное море и соседние регионы. Таким образом, для целей данной статьи западная живопись должна рассматриваться как обозначающая живопись не только в Европе, но и в регионах за пределами Европы, которые разделяют европейские культурные традиции, — на Ближнем Востоке и в Средиземноморском бассейне, а затем и в странах Новой Зеландии. Мир.

Западная живопись в целом отличается своей концентрацией на изображении человеческой фигуры, будь то героический контекст античности или религиозный контекст раннехристианского и средневекового мира. Эпоха Возрождения расширила эту традицию за счет тщательного изучения мира природы и изучения баланса, гармонии и перспективы в видимом мире, связав живопись с развивающимися науками анатомии и оптики. Первый настоящий прорыв в фигуративной живописи произошел с развитием пейзажной живописи в 17-18 веках.Пейзаж и изобразительные традиции развивались вместе в 19 веке в атмосфере, которая все больше и больше интересовалась «живописными» качествами взаимодействия света и цвета и выразительными качествами обработки краски. В 20 веке эти интересы способствовали развитию третьей важной традиции западной живописи, абстрактной живописи, которая стремилась раскрыть и выразить истинную природу краски и живописи через действие и форму.

Britannica Premium: удовлетворение растущих потребностей искателей знаний.Получите 30% подписки сегодня. Подпишись сейчас Редакторы Британской энциклопедии

Верхний палеолит

В период верхнего палеолита, непосредственно перед окончательным отступлением ледников в конце последнего ледникового периода (15 000–10 000 до н.э.), большая часть Европы была населена небольшими группами кочевых охотников, охотившихся на мигрирующие стада северных оленей, крупного рогатого скота. , бизоны, лошади, мамонты и другие животные, тела которых давали им пищу, одежду и сырье для инструментов и оружия.Эти примитивные охотники украшали стены своих пещер большими изображениями животных, которые были так важны для их физического благополучия. Большинство сохранившихся примеров таких фресок было найдено во Франции и Испании (см. Каменный век), но похожие рисунки из пещер на Урале в Советском Союзе могут указывать на то, что эта практика была более распространена, чем предполагалось.

С тех пор, как в конце 19 века были обнаружены первые образцы этих картин, они вызывали восхищение своей виртуозностью и живостью.Самые простые фигуры — это просто контурные рисунки, но большинство из них сочетают эту технику со сложной штриховкой и окраской, которые модулируют поверхность и предполагают различные текстуры шкур, рогов и костей. Объем обозначается тщательно контролируемыми изменениями толщины мазков, а удивительно продвинутое мастерство рисования передает значительное ощущение движения и жизни. Большинство животных изначально изображались как отдельные фигуры без повествовательного смысла, и то, что современному наблюдателю кажется сложным объединением фигур, на самом деле является конечным результатом длительного сложного процесса.

Отсутствие четкого повествовательного элемента в этих картинах вызвало проблемы в их интерпретации. Человека изображают редко, и изображения человеческих фигур, однозначно взаимодействующих с многочисленными фигурами животных, редки. Одним из немногих исключений из этого правила является сцена в Ласко на юге Франции, где бизон бодает падающую мужскую фигуру. «Колдун» в Les Trois Frères, также на юге Франции, более характерен. Хотя он задрапирован шкурой животного и, кажется, занят преследованием или ритуальным танцем, его полная изоляция от любой другой фигуры оставляет его точное значение неясным.Интересно также, что, в отличие от очевидной тщательности при детальном изображении животных, несколько человеческих фигур обычно выполнены поверхностно и схематично. Иногда единственный намек на человека дается в изображениях дротиков, ранивших или убивающих несколько фигур животных. Эти снаряды интерпретировались как упражнения в симпатической магии, предназначенные для достижения успеха в будущей охоте. И наоборот, они могли бы так же легко вспомнить прошлые убийства. Но некоторые особенности предполагают, что такие простые объяснения не раскрывают всей истории: во-первых, такие изображения редки (обратно пропорционально количеству научных дискуссий, которые они вызвали), и, во-вторых, звери, которые показаны как раненые — действительно огромные большинство видов, изображенных на стенах пещер, не входили в рацион пещерных художников.Современные жилые отложения указывают на то, что большая часть потребляемого мяса была получена от оленей, а олени встречаются почти так же редко, как и сам человек на сохранившихся картинах. Ясно одно: индивидуальная инициатива кажется первостепенной, как при исполнении фигур животных, так и при записи действий изолированных людей. Отсутствует какой-либо намек на социальное взаимодействие, и предполагалось, что общество как таковое существовало на относительно низком уровне. Природа дала толчок к изменениям, и в искусстве следующего периода человек, наконец, превратился в часть сообщества.

.

PPT — Художественные движения ХХ века! PowerPoint Presentation, скачать бесплатно

Художественные движения ХХ века! Взгляд на основные направления искусства, которые повлияли на искусство в нашем современном обществе

Что такое экспрессионизм? • Начало 1900-х годов • Художники-экспрессионисты интерпретировали вещи вокруг себя преувеличенно, искаженно и эмоционально. Эдвард Мунк был одним из самых известных художников-экспрессионистов. • Это движение отличается смелой кистью, эмоциональными линиями и ярким цветом.

Эдвард Мунк • 1863–1944. Норвежский художник и гравер. • интенсивная, вызывающая воспоминания обработка психологических и эмоциональных тем. Картины о тоске. • Изображены символические темы страданий, болезней и смерти, изоляции и страха. • Наиболее известен своими картинами «Крик» и «Крик».

The Scream — 1983 — восковой мелок, темпера, картон

Кубизм • 1907-1920 • Стиль искусства, подчеркивающий основные абстрактные геометрические формы и часто представляющий объект под разными углами одновременно время.Пабло Пикассо был художником-кубистом. • Характеризуется кубиками, геометрическими формами и подобными цветами.

Пабло Пикассо • Один из самых известных художников в мире, соучредитель кубизма, наиболее известный своими картинами, особенно его Голубым периодом и творческим стилем организации черт лица, он также производил керамику и бронзовые скульптуры, рисунки, офорты, коллаж и поэзия. • 1881–1973. Родился в Испании. • Ни один художник не был так знаменит в свое время. • Не ценил женщин-художников.• Известен благодаря «Старик с гитарой и гитарой».

Герника — пикассо — панно

Дадасим • 1916-1922 • В то время высмеивали и высмеивали современную культуру и искусство. Дадаисты были против армии и против «изящного искусства». Они пошли против того, что большинство людей считало «хорошим вкусом». Среди художников дадаизма Дюшан, Ман Рэй и Миро. Позднее многие дадаисты исследовали сюрреализм.

Марсель Дюшан • 1887–1968.Французско-американский. • Сделал много искусства из готовых предметов. • Основатель движения Дада. • Любил шахматы. • Известен радикальными идеями и издевательством над искусством. • Самые известные произведения искусства — «Фонтан», «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» и «Велосипедное колесо».

Фонтан —

Сюрреализм • 1924-1930 • Движение, выросшее из дадаизма. Движение было основано на образах сновидений, бессознательном, иррациональном и фантазийном. Сюрреализм имел два направления: репрезентативное и абстрактное.Дали — известный художник-сюрреалист.

Сальвадор Дали • 1904–89. Испанский художник. К 1929 году он стал лидером сюрреализма. Очень реалистичные и кошмарные картины. • Самая известная работа — «Постоянство памяти» с ее странно плавящимися часами. • Наиболее известен тем, что умеет переводить сны в визуальные образы. • Хотел, чтобы люди поверили, что он сошел с ума!

Постоянство памяти

Абстрактный экспрессионизм • 1940-1950 • Стиль, разработанный в середине 20 века.Он подчеркивал форму и цвет, а не реальный предмет. Поллок, де Кунинг и Кандинский были абстрактными экспрессионистами. • Выражение эмоций с помощью цвета, линий и форм было важнее, чем придание картине какого-либо вида.

Джексон Поллок • 1912–56, американский художник. • Пионер абстрактного экспрессионизма. • Наиболее известен своей живописью в жанре «экшн», в которой процесс рисования был больше фокусом, чем сама картина. • Капли и забрызгали огромное количество краски на огромные холсты.• Хорошо известен Лавандовым туманом № 1

Лавандовым туманом № 1 — 1950 — Холст, масло

Поп-арт • 1950-е годы • Искусство, возникшее в Англии и США после 1950 года Поп-артисты используют материалы из повседневного мира популярной культуры, такие как комиксы, консервы и научную фантастику. Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн были поп-артистами. Поп-артисты заставили нас по-другому взглянуть на популярную культуру вокруг нас.

Энди Уорхол • 1928–1987. Родился в США • Один из самых известных поп-исполнителей. • Хорошо известен своими банками для супа Кэмпбелл и принтами Мэрилин Монро. • Создавал картины и шелкографию массового производства об известных продуктах и ​​массовой культуре. • Считал, что если вы называете что-то «искусством», значит, так оно и было.

OP Art • 1965 • На основе оптических паттернов и того, что происходит в глазах, когда вы смотрите на искусство. • Это нашло отражение в модном дизайне.• Уменьшенные геометрические формы с использованием черного / белого или многих цветов. • Никогда не было таким большим, как поп-арт.

Бриджит Райли • 1931-настоящее время • Известный художник-оптик и педагог. • Интересуюсь оптическими иллюзиями и оптическими эффектами. • Рисование прямых или волнистых линий, создающих иллюзию движения… часто черно-белым. • Злилась, когда ее работа использовалась в коммерческих целях. • Также разработаны наборы для игр.

Движение на площадях — 1941

Модернизм • Теория, согласно которой каждое новое поколение должно по-новому опираться на прошлые стили ИЛИ порвать с прошлым, чтобы внести следующий вклад в историческое искусство.Считается «высоким искусством», отличным от популярного искусства. Искусство 20 века считается «современным» до

Современное искусство • Термин охватывает все произведения искусства, которые создаются СЕЙЧАС. • Что угодно с конца 1960-х годов до наших дней. • Обычно современное искусство занимается проблемами, которые в настоящее время влияют на наш мир. • Может включать живопись, скульптуру, компьютерные работы, инсталляции, перформанс, земное искусство, фрески и мультимедийные произведения. • Очень увлекательный и расширяющий границы восприятия.

Эрик Фишаль • >>> Эрик Фишл — один из самых уважаемых ныне живущих художников Америки — создал эту бронзовую скульптуру женщины, падающей насмерть, основываясь на опыте многих людей, которые сделали именно это в течение 9 лет. / 11 атак на Всемирный торговый центр. • Статуя была выставлена ​​в Рокфеллер-центре примерно во время годовщины 11 сентября. Сразу же представители общественности начали жаловаться на неприятный характер произведения, и администраторы центра быстро накрыли его тканью и спрятали за ширмой.18 сентября он был полностью удален. Центр извинился перед всеми, кто мог быть «расстроен или оскорблен» статуей. • Лучший комментарий по поводу изгнания этого произведения искусства был от Ника Монтелеоне в New York Daily News: • Цель искусства всегда была двойственна; он служит как для выражения эмоций, так и для их пробуждения. Если скульптура Фишля вызывала ужас у зрителей, значит, свое предназначение она выполнила. Откровенное изображение Фишля является основным напоминанием о бойне, пережитой тем утром, и, ссылаясь на эти события, увековечивает память об этом ужасном дне.• Если мы должны оставаться верными повторяющимся утверждениям, которые никогда не должны забывать, зачем молчать такую ​​работу, как работа Фишля? Показ скульптуры был не более эксплуататорским, чем показ тех видео атак, с которыми мы все так хорошо знакомы. Но, возможно, реальное, солидное присутствие «Кувыркающейся женщины» говорило с такой остротой, которую нельзя было игнорировать так же легко, как телевизионную новостную ленту. • Художники на протяжении долгого времени шокировали и заставляли нас осознать ужасы мира. Фишль просто выполнял традиционную функцию художника в качестве социального комментатора и исторического интерпретатора, но мы просили, чтобы его голос был понижен.Попросим ли мы Гойю осветить красные поля своих испанских сражений? • … • Это как если бы мне сказали: «Никогда не забывай — если это не слишком надоедливо».

Женщина-акробат — Эрик Фишаль — бронзовая скульптура

Можете ли вы классифицировать искусство по направлениям? • Посмотрите на следующие произведения искусства и, основываясь на своих знаниях об основных направлениях искусства, выясните, к какому движению принадлежит каждое произведение и почему!

Состав No.8-1923-холст, масло

Квадраты с концентрическими кольцами

Автопортрет-1941

Пример инсталляции

Масло в комнате Sick на холсте — 1895

Мэрилин Монро — Silkscreen

Катаракта 3-1967

Жан Арп — Коллаж, оформленный в соответствии с правилами Poles No 9206 Blue .II — эмаль и алюминиевая краска

Клонирование — компьютерная графика

Красный, желтый, синий 1921 — краска на холсте

Blaze 1 — 1962-эмульсия

Велосипедное колесо — найденные объекты

Пример фрактала — компьютерное искусство

Lang — 1979 — холст, масло — Vasarely

Old Guitarist — Старый гитарист

.